夏日炎炎，来一组清新照片会使人倍感凉爽。不信试试看！下面给大家分享一些个人的【前后期经验】，不看不知道，照片也是可以给眼球降温的喔！ 一、选择主体颜色的选择 简单的颜色 摄影是减法，无论是纳入照片中的物体、光线或是颜色，越简单越能突出主体，越能让人明白拍摄者想表达的东西，在这张照片中颜色简单，主要只有三种，黄色、绿色和棕色。选择绿色为主色，为的就是体现清新的主题，选择简单的颜色后期调色就越简单。 颜色的关系 在我以往的作品中也多次用邻近色的搭配来体现清新的主题，再用少量的对比色来使画面活跃起来，例如该组照片中的红色丝带和橙色的金鱼，给画面带来了活力。   二、利用光线让照片有层次感 有光影的照片会让人感觉有层次感，这说的也就是照片的影调，这张照片是窗户旁的桌子上拍摄的，之所以要放在窗户旁边拍，第一是为了光线好，第二就是为了形成反差对比，让照片有层次，当窗边有阳光直接射入的时候光比强烈，这是可以将利用纱帘遮挡部分光线，起到柔光的效果。 以上的对比照片，下面两张是在阴天拍摄，画面的层次感明显不如上面两张，色彩也明显暗淡很多。   三、器材的选择 拍摄小清新类的静物对器材要求不高，单反、微单、胶片机都可以拍，主要是要用大光圈的定焦镜头拍摄，用大光圈镜头拍摄能营造出很好的氛围，拍出层次感，我常用的镜头是美能达58mm f/1.2（手动镜头），尼康35mm f/1.4 G，相机有索尼A7M2、尼康D750、美能达X700，光圈值在1.2-2.2之间，拍摄模式用光圈优先模式。   四、下面说说后期 一张前期准备充分的照片，后期的成分肯定少，差别不大。这张照片主要想呈现出清新的感觉，所以后期调整都要围绕这个主题进行，有了一个主要的调色方向可以使你的调色更有条理性，不会盲目调色。 先看看调色前后的对比图。 （1）调整色温、色调，要让画面清新肯定不能让画面发黄或者偏红，所以根据需要调整色温将色温往冷调方向拉、色调也往冷调方向适当调整。 （2）根据照片的影调适当的调整曝光、对比度、高光和阴影，具体调整根据自己的照片来判断，没有固定的参数。 调整前后对比照片 （3）色调曲线，特别要说明的是如果在基本调色面板中大幅度的调整了高光，在RGB通道中的高光部分就应当选择小幅度调整或者不调整，如果两种压暗高光的方法都用就会使画面没有质感，灰蒙蒙的一片，调整参数如图： 调整前后对比照片 （4）颜色的调整，因为画面颜色少，主要颜色就是绿色，因此在色相中我只调整了绿色和浅绿色，还是围绕一个主题让画面清新，让绿色再偏绿一点，减少黄色，饱和度和明度的调整也主要围绕绿色进行。 调整前后对比照片 （5）色调分离，还是围绕清新主题，高光加青，为了平衡画面，暗部适当加黄。 调整前后对比照片 （6）接下来是锐化，照片的锐化也很重要，适当的锐化会增加画面的质感，按住Alt键拖动蒙版滑块，选择需要锐化的范围。会出现如图效果，白色的部分就是锐化的部分。 （7）相机校准，提高蓝色饱和度能增加暗部的细节。 调整前后对比照片 这种风格的后期其实很简单，只在LR中进行，希望分享的内容能让你拍出清新一夏的照片！经验分享，有异议的地方欢迎交流，

白平衡的作用是用来匹配相机所检测到的颜色和我们肉眼所观察到的颜色相符。而我们的大脑很善于控制对色彩的感知，在阳光灿烂的日子里我们看外面的世界都是温暖明亮，哪怕实际的光线可能会偏蓝。而在室内白炽灯的照射下，虽然我们的眼睛可能回检测到更加温暖的颜色，但是相机的白平衡却能帮助我们纠正这些浅色差异，让我们所拍下来的照片看起来更加的「自然」。 基本上更多的时候我们并不会去刻意的调整相机的白平衡设置，而是简单的使用相机的自动白平衡（AWB，Auto White Balance）的功能来让相机去决定使用何种白平衡。 在后期软件 Lightroom 中，白平衡的滑块可能很多人并不是非常的重视，经常都只是简单的调整一下让照片的色调更符合实际的感观，但是如果把白平衡设置作为一种创意工具，可能可以帮助你更快的调整出更具创意的色调。 其实白平衡的变化足可以颠覆你的照片的本质，甚至可以让照片中的天气和时间都起到变化。像下面这三张照片，只是更改了白平衡的设定。 在3600K色温时，色调是蓝色的冷色，看起来像是黎明，或是阴天。 这张的色温是7000K，画面开始转暖，像是太阳刚刚升起的清晨。 而这张的色温则是直接升高到了14750K，看起来就好像夕阳西下时的景象。整个山野间都布满了落日的余晖。 下面这个树叶是阿拉斯加的矮桦树。 这张的色温是 5050K，有点儿接近肉眼所看到的颜色。 但是却让人感受不到秋天，当把色温提升到 9000K 的时候，就很有秋天的感觉了。 几百到几千的色温变化会使图像产生惊人的影像，就像下面这两幅照片，当使用较低的色温时，画面偏冷，更符合冬季肃杀的景色，当把色温提高，画面变暖，好像是一个风暴即将来临前的傍晚。 色温：4350K 色温：8700K 下面这两张落日的照片中，偏冷的 4600K 的色温和偏暖的 6000K 的色温，你更喜欢哪一个？ 色温：4600K 色温：6000K 后期软件使得我们可以不用执著于一个色温，而可以根据图像内不同的区域来分别调整，一般来说在使用Adobe Lightroom做后期的时候，可以使用调整画笔功能选定其中一块区域来单独调整。像下面这幅照片，水流的部分的色温降到了3700K，偏冷的色温可以让水流看起来更冷。而树叶部分，则使用了正常的曝光，在5000K 左右。   『黑白摄影中的白平衡』 虽然我们认为白平衡是与色彩息息相关的，但是实际上在黑白摄影作品中白平衡依然能够发挥重要的作用，它会使最终图像中呈现出不同的灰度。 由于色温的反差在黑白摄影作品中看起来可能并不是那么的明显，在后期调整你的黑白摄影作品的时候，你需要大范围的调整色温滑块来选择自己最想要得到的效果。 色温：3700K 色温：32700K 色温：3700K 色温：35000K 像这样的色温调整，其实说不清孰优孰劣，可能更多的是要看摄影师自己对影像的了解已经自己的风格喜好了。 色温：2000K 色温：50000K 说到底，后期的白平衡调整只是一个创意工具，如果你喜欢现实的色彩，大部分时候使用相机的自动白平衡就足够了，如果你想为自己的作品做更多的改变，不妨可以试试调整一下色温。 色彩有色彩心理学，不同的色温所对应的色调也可以表达摄影师的意图。运用好白平衡，可以让你的作品更加出众。

很多时候我们也要利用「无限远」的对焦来拍摄，特别是拍摄风景类的作品，例如是夜景、星空、银河，甚至是北极光，但很多同学也不懂得怎样把镜头对焦到无限远，甚至因为相机未能成功对焦而不能拍照；这里有3个把相机对焦到无限远的方法，各位可以学习一下！ (一) 利用自动对焦协助 利用自动对焦协助这个方法对于新手来说其实是最简单的，按以下步骤做便可： 1、确保相机/镜头是在「自动对焦」(AF) 2、向着远处的景物或发光物（如远山、月亮等）半按快门自动对焦 3、听到自动对焦的响声便知道镜头已经对焦到无限远 4、此时立即把相机或镜头转到「手动对焦」(MF)，并避免触碰到镜头上的对焦环 (如有)，这样你的镜头便会一直锁定在「无限远」对焦了！ (二) 直接手动对焦并观看「焦距尺」 如果你的镜头上有「焦距尺」（较新的镜头可能没有），你可以： 1、直接把相机调到「手动对焦」(MF) 2、转动对焦环并转到「∞」(无限远) 但小心有些镜头上的「∞」(无限远)并不准确，如要使用这个方法请事前用(一)的方法来测试一下。 (三) 手动调到无限远对焦模式 如果你相机（例如 Sony 的无反相机）的手动对焦模式已经有「∞」(无限远)这个选项，你便可以直接使用，不用经过以上的步骤了，非常简单！

极简摄影在多年以前就开始流行，并经久不衰。它能火起来是有原因的，首先是画面很干净，没有多余的干扰元素来扰乱观看者的视线。而极简的元素又在另一层面上筛检了色彩，简单的配色使得颜色在画面中更具有冲击力。 极简主义摄影于是成为了诸多摄影师的风格之一，在日常生活中他们也总是会去寻找留白空间来拍摄简化的内容。 而极简主义并不是一个新鲜事物，在任何艺术形式中，包括雕塑、绘画等等都有过极简的概念，虽然元素变少了，但这并不意味着极简就是容易制造的，相反的，它更需要你利用有限的元素去塑造无限的内容空间，在某些层面上会更加体现一个创作者的艺术修为。 Photo by Kai C. Schwarzer 既然称之为极简主义，那么关键词「简」就意味着极度的干净，不掺杂质，在画面中的元素都应该有其实际用途，虽然我们知道这在现实世界中是很难实现的，我们目之所及，总是会不可避免的出现这样那样的干扰，除非利用后期方式去除，否则很难达到真正的「极简」。那么，如何高效的拍摄极简作品呢？可能是每一个想要拍摄这一类型的摄影师都要去思考的问题。 和任何照片一样，故事是照片所要向观众传到的最重要的事情，在极简主义摄影中，你想要尽可能高效的去讲述这个故事，那么就意味着要有干净的背景，适当的负空间以及明确的主题。相信无论是谁都不希望照片中出现过多的干扰元素的扰乱故事的叙述，将观众的视角引入另外一个莫名其妙的方向。 而保持背景的干净，无论是通过虚化处理，还是纯色或者简单的纹理，都可以轻松的消除不必要的干扰。 在风景摄影中，负空间的运用也是必须的，无论是有经验的摄影师还是画家，都会在自己的画面中刻意的去保留一部分空间，这一部分空间没有任何装饰，可以是全黑，也可以是全亮，虽然这个空间并不起眼，但是却对于衬托主题有着重要的作用。像是对于群山环绕的画面，清澈的蓝天就是一个明显的负空间，一部分蓝天会更加衬托出群山的壮美。 Photo by Hossein Zare 而在肖像摄影或者静物摄影中，使用大光圈拍摄主体会造成的后果之一就是制造浅景深，主题之外的虚化，而虚化则将主体与背景之间完全隔离，形成两个相互的互不干扰的空间。虽然模糊了画面，但是并未模糊主题，而是将主体从纷扰的背景中的干扰元素中拯救出来。 Photo by maf04 Photo by Susanne Nilsson 构建极简主义摄影的另一个最重要的元素就是色彩，通过使用颜色来创建对比度，在一个简约的画面中，使用两三个颜色相互并置，并将它们突出在图像中以提高图像的吸引力。 Pic Via Google 在大部分的时候，极简照片总是会倾向于使用大面积平铺的色彩来建立简单性，但是你依然需要了解色彩，了解不同色彩的搭配的作用，是要创造和谐，还是要制造冲突。然后根据你的主题的性质，来选择合适的互补色来增强你的主题。 Photo by Stewart Ayrey Photo by Kai C. Schwarzer 而如果是黑白作品，则应该注意黑白灰在照片中的比重，黑与白的对比以及灰调在作品中承接的作用。 极简主义摄影通常都是画面非常简单的作品，拍摄者试图利用简单的元素（点、线、面）的组合来引导观看者进入正确的方向，在你的作品中，任何可能会出现的元素都会引导观众的目光，因此更加需要减少照片中的元素数量来描述故事。 Photo by Iaki Bolumburu Photo by Iaki Bolumburu 在我们的日常中，「线」元素几乎随处可见，不管是建筑物的轮廓，还是道路的延伸，抑或是远处的天际，都是「线」元素在日常空间中的存在。但是正是因为它们的随处可见，因此更容易不可避免的出现在画面中干扰视线，在构图时，应该分析画面中的「线」的指向，画面中的「线」不应该将观看者的目光引导至远离主体的地方，或者任何不在实际目的地的框架之外。 纹理同样可以是照片中强大的表现元素，由于极简主义有限的语言空间，纹理也通常被用作主题，而它们经常以重复的图案的形式出现，向观看者传达内容，包括情绪，包括光线，包括黑暗。 Photo by Hossein Zare Photo […]

一张清新色调的日系照片，能够消去炎热夏天的火气，清凉与逼格同在，像冰块一样融化燥热难耐的心。 拍出一张清新文艺的照片，一定需要大光圈？微距镜头？或是一台胶片机？其实不然，我们的手机也一样可以做到！这里提供满满的干货，告诉你手机要如何选择素材、取景构图等，让你的手机也能充满格调，拍出清新感十足的日系照片。 色彩选择 一张清新文艺的照片，需要干净的颜色关系，我们可以运用邻近色原理来进行拍摄。色相环中相距90度，或者相隔五六个数位的两色，为邻近色。邻近色的色相彼此近似，冷暖性质一致，色调统一和谐、感情特性一致，例如红色与黄橙色、蓝色与黄绿色等。 选择邻近色作为照片的色调基础，比如清新的嫩绿与翠绿，舒服的天蓝与水蓝，令观者第一眼便觉得身心舒畅。 摄影耀耀耀福 有时也会选择一些比较强烈对比的互补色来突出主体，比如红绿的互补搭配，可以点亮整个画面。在素色、冷色调的环境中加入暖色，像是在白色的桌布上拍摄樱桃、西红柿、草莓等红色物体，也让人耳目一新。 摄影飞小正 素材选择 清新文艺风格的日系照片包含多种题材，如人像、街拍、静物等。我们可以选择简单的静物照片作为入门的题材，它的操作难度较低，适合我们用手机去进行练习。 摄影RECO 拍摄静物照片的素材可以从身边一些简单的小物件入手，比如一台小电风扇，一杯饮品，一片西瓜，一台相机，一株小盆栽等。素材的选择很大程度上提升了画面感，升华了拍摄主题。 摄影RECO 摄影NaomiO 场景选择 手机不像相机一样拥有好的浅景深表现力，要尽量避开这个缺点，所以我们会选择一些比较单一整洁的背景，才不至于喧宾夺主，使得主体失去关注焦点。窗边是一个不错的选择，尤其光线充足的时候，摆上简单的小物件，便可以开工啦。 摄影NaomiO 素净的蓝天也是拍摄清新照片的常选背景，尤其当衬以乳白的云朵点缀时，整个画面便带给人一种身心舒适的新鲜感。 摄影RECO 光线对于日系风格照片十分重要。明亮的光线给画面、被摄物体带来层次感，使整个画面通透明亮，更具清新感。透光的窗台边常常也是拍摄场景的不二之选。 摄影NaomiO 拍摄构图 掌握了光线场景的选择，我们需要学习通过构图来使作品变得优秀。构图是一张作品无法避开的命题，合理的构图能够使作品变得有趣，使画面简洁易观赏。传统的构图方法同样适用于手机创作。 中心点构图，被摄主体居中，最直接地强调主体，把观众的注意力吸引到趣味中心上。 摄影 NaomiO 三分法，将画面的横竖平分为三个部分，被摄物体处于其中的某条线上，是视觉的焦点。 摄影NaomiO 三角形构图，被摄物体构成一个三角形，有一种稳定的力量于其中。 摄影NaomiO 如果新手对于手机的构图还不能做到得心应手的话，也可以借助一些摄影APP设计好的构图，使用interphoto中的构图框线，就可以省去不少的功夫。 Interphoto构图示例―基础的留空构图 Interphoto构图示例―斜向构图 后期修饰 后期是重头戏，很大程度决定了一张照片的调性。这里我们不需要再借助电脑的PS、LR，手机中强大的后期APP便可以满足对清新日系照片后期的要求了。 我们使用interphoto来对本次拍摄的照片做一些后期调整，使其表现得更日系文艺。 这是拍摄获得的图片，画面有点偏暗，我们就将画面亮度提高，压低对比。 日系照片中的颜色总是偏蓝偏绿，这儿我们通过降低色温来使他呈现稍微偏蓝的色调，再调节图片的RGB曲线。 最后加上褪色效果，增加噪点和锐化，一张日系风格的静物照就诞生了。 当然你可以选择直接使用后期APP中的滤镜直接搞定整张照片，这里使用的是interphoto的haze滤镜，更加地方便快捷。 更多的尝试 手机的拍摄比起相机要更加灵活随性，不经意的时刻，便能拍出一张清新舒服的日系照片。 无需刻意，随手拍下手边一个影子，通过后期，也是一张清新十足的日系照片。优秀的手机摄影作品也是离不开灵感与练习的，拿起你手中的手机，多点不同的尝试吧。 摄影RECO

摄影构图是一个老生常谈的问题，也是摄影的重中之重，我在讲构图的同时也融入了用光、相机操作（光圈、快门、景深等），技法应用（双重曝光、道具的利用等），让大家边学边用边享受，不至于停留在某一个阶段。这节课就讲一下点构图的应用技巧。 这样的点构图你用过吗？ 学习构图可以分为这样一个过程：多看美图，从实践中总结经验，到不拘泥于形式，能够展现自己的想法。那么点构图你用好了吗？ 点构图体现在大小对比上：巧用大小对比引导视线，将焦点集中在画面中央。 photo by Alex Noriega 点构图体现在用光上：等待光线，对主体点测光，后期曲线压暗环境。 photo by BON叉叉 点构图并非是技巧的堆叠：从环境中寻找鲜艳的主体，应用对比色，突出主体。 所以点构图的要点是借助光影找到一个与环境大小、色彩反差较大的主体，用中规中矩的构图方式，表达简明扼要的主题。 为什么要用点构图 也许你认为这样的画面还不错，有实有虚，但是却并不怎么耐看，缺少吸人眼球的点。 当眼见唯美，却并不能很好的表达出来时，那么就用黑背景接近主体拍一张就完美了。 每当遇到类似大片的花海、大片的树林等多而杂乱的画面时，就自乱阵脚，长焦大光圈拍起，不见长进，这样真的好么？ 选择一株花作为点构图，选择一个暗背景，结合曲线压暗的技巧，就能拍摄到惊奇的画面。 如何应用点构图 1.大小对比 在构图中选择的主体是一个相对孤立的点，能够与大环境形成大小对比，比如窗台前的一直猫，只是房屋间一个比较小的点而已；或者相互呼应，比如落花与游鱼。 photo by BON叉叉 2.相似物的对比 同一个环境中，同一事物的重复出现，比如青苔、三叶草，起到简化画面突出对比的作用，此时只要找到一株草、一朵花，就能成为画面的焦点。 3.倒影 拍摄树枝的倒影，能够从复杂的环境中找到干净的画面；此时如果要拍摄飞鸟、蜻蜓等微小的容易淹没在天空中的动物和昆虫，借助倒影构图可以加深痕迹，即使微小的点也能拍清楚。 photo by BON叉叉 4.色彩对比、冷暖对比 要把普通的事物拍的有味道，突出细微之美，需要把握色彩，比如深色与浅色的对比，黄色与蓝色、青色等冷色的对比。 photo by BON叉叉 5.光影对比 一直在强调光的位置很重要，逆光、测逆光、窄光是三种常用来突出主体的光线，可以压暗环境、提亮主体。 6.构图落脚点 点构图选择的主体要足够小，否则够不成大小对比的关系，主体小怎么样突出它是考虑的关键；纯粹从构图来讲，把主体放在画面的边缘，越引人注目，比如左下角、右下角…… photo by BON叉叉 7.多与少、动与静对比 拍摄水面如果没有倒影就很单调，那么没有倒影时你是否考虑过以落花、落叶、水草、复评等作为载体，抓拍游鱼、蝌蚪。

相机作为一个拍照工具，你的操作是否熟练？这取决于你使用的频率与时间，简单来说就是熟能生巧！ 笔者之前写过很多教程，说实话，大都是在在多年玩摄影的过程中看到的、听到的，以及自己体会到的。就连厂商也没有规定，相机一定要怎么玩。 我觉得，一百个人，可能有几十种玩法，毕竟机身不同，镜头不同，条件不同，环境也不同，除了一些技术上的错误必须修正外，怎么顺手就怎么拍，出好片子才是硬道理。 在动笔之前，我也看过网上不少关于摄影坏习惯的文章，有些过于牵强，为了搞个TOP噱头，硬是凑到十个。 其实很多纠结都是因为习惯，“为什么我和老法师不一样呢？真是我错了？”。其实未必。 先对焦还是先构图？ 这是一个让很多人困惑的问题。 所谓先构图，就是半按快门，焦点锁定之后，移动相机重新构图。很多人的初衷是为了省事，也图快，因为半按快门主体就被锁定，不用再去调整对焦点。 当然，还有一种是因为习惯，在那个自动对焦系统还是9点的年代，对焦点覆盖范围太小，有些机身只有中央是十字对焦点，所以中心对焦点比其它对焦点对焦速度更快更准确。 很多老法师都认为这样的顺序是错的，应该先构图后对焦。构图完成意味着画面结构确定，接下来调整对焦点。 当然，这个工作更多是由对焦系统自动来完成的，最后按下快门，完成拍摄。这样操作的好处在于最大程度避免余弦误差现象。 所谓余弦误差是指相机用中心对焦点对焦后，重新构图，这时会导致实际焦点后移，后移量与重新构图所旋转的角度成正比。 在重新构图的过程中，人是很难保证身体不发生晃动，头部不前后移动，导致的直接后果是画面中对焦点出现偏移。 村长觉得在这个问题上，要取决于拍摄者本身，客观因素也需要考虑。例如用微距镜头和大光圈镜头拍摄，哪怕微小移动都会导致脱焦，先构图再对焦比较稳妥。 机身性能也要考虑进去，比如入门机身，对焦系统太烂，不用中点用什么，尤其装上长焦镜头，非中点合焦成功率很低，只能先预判，再对焦，最后构图。 是光圈优先还是快门优先？ 准确说，这个问题，是70年代末期，摄影界热议的话题，没想到，现在还有人说。光圈优先就是由摄影师自己确定光圈大小，相机来计算相应快门速度。 快门优先反之，光圈范围取决于镜头，快门速度范围取决于机身（指焦平面快门）。 有一种说法是光圈优先更容易控制景深，快门优先更容易捕捉动态场景，估计很多小白不能理解。不知道大家留意到一个细节，光圈优先时，快门是无级调节的，快门优先时，光圈快门都是1/3档调节，反而有了个量化误差。 在村长看来，摄影师要将主要的变量掌握在自己手里，将繁琐的曝光计算交给相机。没有一定功力，别尝试全手动，真不是你能玩得起来的。 拍静态画面，光圈优先方便，脑子需要思考的东西少，拍动态画面，快门优先易于判断成功率。 用左眼还是右眼取景？ 网络上关于“取景到底应该用那只眼”的问题有很多种解释，有人说跟是不是左撇子有关系，也有人说是双眼距离的关系，总之答案有很多，更有人根据自己的习惯，甚至厂商宣传广告中的画面，给出了自信满满的答案：右眼。 好多年前，还在媒体工作的时候，和佳能的工程师聊过这个问题，其实单反根本就没有所谓的右眼设计。 左眼或右眼，完全取决于个人习惯，准确说是主视眼。从生理角度，人的两只眼睛，一个是做为主视眼，大脑优先接受主视眼观察到的事物,主视眼可能是左眼，也有可能是右眼。 主视眼由于平常运动过多，所获得的营养也多，所以较另一只眼来说，发育要好过另一只眼。主眼观察取景器的时候，画面清晰，思路顺畅，而另一只眼睛则感觉取景器模糊，看不到取景器边缘，对构图影响较大。 有人曾经问过，为啥过去的摄影师自拍照都是用右眼取景。一方面，相机取景器的放大倍率为1：1，两眼之间不存在视差，取景时不用闭上另一只眼睛。 另一方面，用左眼取景，相机会把脸挡住了，还怎么摆帅。 用背屏还是肩屏？ 这个话题以前从未有文章提到过。这几天接连有人问村长，77D的肩屏真的有必要？所以拿出来说一说。 最早有人说，肩屏存在的目的是省电。这样干脆连显示屏都阉了算了，这样更省电。 对于任何一个老玩家来说，从肩屏上获取参数信息已经成为一种习惯，胶片机时代可没有背面的显示屏，参数都是看肩屏，配合转轮和按键，可以极为快速的完成设置（这个就不用辩了），盲拍时还方便随时监控。 当然，厂商很坏的利用肩屏来区分档次，没有肩屏就被归类到入门。其实是不是有肩屏，根本就不应该作为各位选择型号时要考虑的因素。 村长觉得，如果你在到处打听肩屏是否有用，那基本是用不着的，就像刚接触西餐的时候，用筷子一样能吃牛排。

海景拍摄――扫海，是风光摄影中我特别喜欢的题材之一，我喜欢站在礁石上。看惊涛骇浪在身边不断的撞击、不断的爆发。你没办法去预测拍摄出来的结果，因为每一个海浪都是独一无二的，而且不可复制的，这也是拍海最吸引我的地方。过去一年我几乎跑遍了全国各地，从零下35度的内蒙古到中国南端的涠洲岛、川西的秘境、新疆的雪山，拍摄了相当多的地方，特别是刚刚结束的涠洲岛之行，让我意识到这样的季节最适合拍海景了。因此我特意为大家准备了这一节课，跟着我一起去扫海吧。 器材装备 1）相机：相机首推全幅数码相机，相信现在大家基本都是数码相机了。 2）镜头：一般来说，焦距在11-35之间，或者更长的镜头，比如各厂家的16-35mm、14-24mm、老蛙的12mm、24-70mm焦段等镜头。焦段最好在16－35mm焦段之间，市场上几大主流相机品牌都有此焦段的广角变焦镜头。 3）滤镜：现如今大多数职业风光摄影师在拍摄别的题材的时候，基本都放弃了滤镜。在我上次在分享课中，也讲到了，在控制光比方面，我们可以使用包围曝光-曝光合成来解决光比的问题。这远比渐变镜的效果更好更自然。但是拍摄海景或者水流的时候，这是一个例外。刚刚上面也提到，拍摄海浪，水流。曝光速度是启到一个决定性的因素。为此我们常常需要中灰滤镜（减光镜-ND）来控制快门的速度。 （目前我在用的滤镜系统） （减光镜ND镜） 除了中灰镜（减光镜ND镜）外，还有中灰渐变镜（GND镜），GND镜作用，可以平衡天空和地面的光比问题。GND市场上有售的又分为软渐变、硬渐变、反向渐变。软、硬渐变一般常用的有0.6、0.9、1.2三级，镜片灰色部分遮挡的效果相当于减光2、3、4档，从使用来看，0.9这一级的使用频率最高。反向渐变是一块特殊的镜片，灰色最暗的部分在镜片黑白交界的地方，灰色从中间向边上渐变递减，这片滤镜在慢门拍海中，在日出日落太阳接近海平面时最适合使用。 (中灰渐变镜GND镜） (反向渐变镜RGND镜) 最后，偏振镜，虽然很多人建议拍海，拍水一定要用偏振镜。因为它可以消除水面和湿润岩石表面的反光，但我的感觉恰恰相反。当周边的色彩漂亮的时候，绝大多数情况下水面和岩石的反光恰恰是我需要的。后面的课程，我会提到如何简单的在后期消除我们不喜欢的水面和岩石的反光。 4）三脚架：拍摄风光少不了的是，一个稳固的三脚架。它是相机的最佳伴侣，默默地做着相机的稳定后盾，它还是摄影师孤独拍照路上最忠诚的伙伴，跋山涉水时为我们提供身体支撑，休息露营时为我们晾挂衣服营灯仪器。 5）镜头布：拍摄海景的场景，镜头布是绝对的必须附件。在拍海浪的时候，我们的镜头一定会不断被打湿，有时候还有海雾。这种场景下，镜头布尤其重要，镜头布最好是吸水性好的。最好带上2-3块。不能太小。 6）快门线：大部分情况，我是不用快门线，而是用机身上的延时设置，来避免手按快门后引起的震动，因为这样方便。但是在拍摄海浪的时候，必须在精准的时刻按下快门，才能捕捉到浪花最好的形态。这时候没办法使用延时，快门线就非常的有用了。 7）冰爪：对，你没听错。冰爪…。前面几次拍海游学团，已经有几位学员，问我，拍海为什么需要冰爪？当我们试图在长满青苔的岩石上行走，没有防滑的鞋是非常危险。冰爪是海边拍摄时一件有用的设备。不过最后温馨提示：就算有冰爪，防滑的设备，建议大家到一个场景都要先仔细的评判和判断一下自己的平衡力和地面的安全性。不必要冒险的地方就别去。 8）防水袋：在海边拍摄时，相机经常被打湿了。为了防止相机被海水大湿而损坏的情况。我一般会用防水袋亦或者保鲜膜包裹着，以防万一。 9）其他：因为大多数是天黑前去拍，或者是天黑后回家，所以手电和头灯必不可少，去之前要检查下电池情况，如果是夏季，中午拍摄要注意防晒，早晚拍摄要注意防蚊虫叮咬，出门前记得换上长袖长裤（建议选择快干面料的）或记得带上驱蚊水。备用电池2块，镜头布。 拍摄时间选择 什么时间段拍摄效果最好？ 或者说不同的时候拍摄有不同的效果？ 至于什么时间段拍摄，从一年来说，首推夏季。在北半球夏季，副热带高压控制气流后，吹出东南信风，俗称海洋季候风，蓝天白云的日子会越来愈多，空气通透，云层美丽，这些都是出片的重要因素。 从一天来说，肯定是日出和日落，这两个时段是一天中光线明暗变化最大、光线色彩变化最大、色温变化最大的迷人时段。 还有一种情况，在夏季的台风天拍慢门，既是一种挑战也是一种享受，挑战是指可能摄影者或器材会被雨或海浪淋湿或打湿，也可能器材稍不注意被台风吹倒。台风天最重要的是你看到了平时看不到海的另一面，黑云压顶、狂涛巨浪，在慢门拍摄下，意味着天空的云象气势压人，海中的礁石被更大更高的云雾包围，或海浪被描述成更有气势的奔流。 快门速度设置 海景拍摄――海浪，我们首先要选择的是快门速度。因为不同是快门速度，水的形态是完全不一样的。但这完全不意味着我们应该应用快门优先设置。因为风光摄影里，合适的光圈有限。要考虑到景深等多种限制的因素，因此不能把它盲目交给相机来确定。通常来说，在确定快门速度后，我们可以通过滤镜，可以接受的iso值，可以接受的光圈等多种因素。在根据想要表达的来决定用什么快门速度/光圈/ios/滤镜档数的组合。 快门速度以及表达方式 拉丝：参考速度1/2s-2s 拉丝的拍摄，快门速度不能千篇一律，根据海浪冲击速度、以及地形的条件都有很大的关系（比如一些比较平缓的沙滩）。 拉丝又分为前冲和回流 前冲：就是海浪朝着礁石或者相机冲来，按下快门，相机会记录下海水冲击过来非常有冲击力的场景。 Nikon D800AF-S Zoom-Nikkor 14-24mm f/2.8G ED 14M f/13, 1/3s, ISO50 Nikon D800Carl Zeiss Distagon T* 2,8/21 ZF.2f/11.0, 2.5s,ISO100 回流：相机记录海浪从镜头前退回海里的过程。一般是海浪在退回到我们的脚架时。我们按下快门。前景最好有，木头，岩石，贝壳的点缀，这样的回流的时候回形成阻挡。会产生不一样的拉丝形状。 雾化：参考快门速度10s-30s 通过10-30s的慢门曝光，让海浪之间的浪花形成雾化效果。 镜面：参考快门速度1-30s 还有一些其他的，如抽象的印象派。 构图实例分析 一般还是按传统的摄影构图原则，即三分原则，以海平面做参考，特别要注意水平，拍人文拍人像可以倾斜，拍海由于人眼看海的习惯，倾斜的海平面会干扰小脑的平衡，让人很难受。至于海平面放在三分之一处，还是三分之二处，看具体情况而定，如果天空云象漂亮，不妨天空占到三分之二，如果突出表现前景，不妨前景占三分之一，海面很平静，有完美的晚霞或朝霞倒影，不妨打破常规，五五分构图。 […]

我们从各种构图方式的学习中 慢慢能了解到 构图法追求的其中一个目的就是 达到视觉平衡 那么大家先来回忆一下 习惯使用的传统经典构图方法都有哪些？ 三分法 被主体的内容重心 比如人像拍摄里的人物眼睛 放在三分线上 引导线法 把画面线条指向元素 集中在水平线上或者对角线上 以引导线方向 增强戏剧性和动感 对应法 利用空间透视中大小与远近 安排若干物体元素 画面两侧达到相互呼应平衡 填充法 贴近主体目标 或把过多的留白后期裁剪去除 达到紧凑饱满的效果 如果这些你都熟悉 非常好！ 现在把它们全放一边去吧！ 把它们统统忘掉 因为接下来我们打破传统 用新方法角度完成构图平衡 新方法都有啥？ – 明暗的对比平衡法 – 不需要依靠三分法等 注重物体在画面位置的方法 来满足视觉平衡 在照片画面当中 阴影暗部视觉重量比光照亮部要厚重 当画面一侧存在明显的暗部特征时 要平衡画面有两种方法： ①另一侧的增加亮部区域达到平衡 ②在另一侧添加暗部元素达到平衡 下面来看看实战例子 右侧的头发处于暗部区域 视觉重量较大 相较于受光较多较亮的画面左侧（人物面部） 过多的视觉重量导致观赏时向右侧偏移 导致左轻右重的不平衡 而且容易视觉疲劳 平衡构图改进 增加左侧亮部空间后 左右明暗得到了平衡 视觉更舒适 上方左侧，虽然整体画面留白较多 人物剪影暗部在三分线一侧面 […]

在很久很久之前啊 我经常翻墙去视奸ins大V拍的照片 那时真的觉得 为什么大家都开始喜欢上拍方形照片了呢 而且很神奇的是 还拍得这么好看？？？ 但后来看多了那些美腻的片子 发现其实还是有套路可循的 如果你也想红，哦，不，你也想学点实用 今天就来看看小编整理的一些构图技巧 学习学习 运气好的话 或许哪一天就能成为红人大V了呢 （毕竟，做人没有梦想，和咸鱼有什么区别？） – 中心突出重点 – 首先，与长方形构图相比起来，正方形构图的画面如果能做到简洁明了，把拍摄重点放在或接近正方形中心的话，便很容易就达到主体突出的效果，让人一看过去就知道视线应该放在哪里啦。 – 对半构图 – 也许很多人在拍摄构图上，都会三分构图法，而觉得对半分割的照片显得比较呆板。但在方形照片中，对半构图如果能巧妙地运用光影和色彩，让主体与背景留白形成鲜明对比的话，往往有意想不到的效果。 – 留白 – 除了让拍摄主题接近正方形中央能够突出主体外，在画面中留出大面积的空白，也是保持画面简洁和主体突出的一个简单的构图技巧。留白不仅在长方形构图中会用到，在方形照片的构图中更显得尤为重要。 – 对称 – 由于正方形本身就具有平衡感，所以运用对称进行构图是一个很实用的技巧。特别是拍建筑的时候，能显现建筑物的恢宏大气~ – 运用线条 – 拍摄建筑物是很多手机摄影爱好者喜欢的一个主题，他们往往会巧妙地利用弧线等各种自然线条，拍半圆，局部把建筑和人结合起来。虽然正方形没有矩形透视的视觉延伸性好，但可以通过利用线条来弥补。 – 把景色框住 – 拍照光顾着各种技巧法则难免有点枯燥，如果你是一个喜欢拿着手机到处拍拍拍的人，不妨尝试一下利用错位把一些景色框住，这样会比普通的一张方形照片更具趣味性~ – 主体铺满画面 – 碰到日常杂物，或花草，食物等为拍摄主体时，可以把他们铺满画面，然后平拍或垂直俯拍，照片的逼格就是这样上来的啊！ – 裁掉一部分 – 和矩形的相对保守的构图比起来，正方形里可以更大胆的使用开放式构图，裁掉主体的一部分，破坏其完整性，毕竟有时，有残缺也是美呀。 最后 来给大家安利一部叫《Mommy》的电影 因为它的前半部分都是1:1构图很特别的一个片子 感兴趣的盆友们不妨看看~