玛格南这个词，相信大家都不陌生，这三个字甚至代表了摄影的一个高度、一种风格、一份荣耀。在玛格南博客中有这样一篇访谈，向玛格南摄影师提出了以下两个问题：你第一次对摄影感到兴奋是什么时候？你对年轻摄影师有何建议？ 以下是来自玛格南摄影师的35个建议！ Abbas     买双好鞋，并且……去爱（爱摄影，还是爱别人？） Alec Soth     去尝试各种摄影：新闻、时装、肖像、人体，任何种类。你不会知道是什么类型的摄影师除非你尝试过。我大学时期有个暑假做了一个桌面摄影师的助理，他是个再生的基督徒，于是我跟着他每天听着天主教电台广播拍摄袜子。在那个夏天我发现自己不适合当影棚摄影师，也不会成为再生基督徒。另一年我为一家郊区报纸工作，那个时候我惊讶地发现自己很喜欢接受拍摄任务。兴趣是最重要的。你应该享受这个过程，并且喜欢拍摄的主题。如果你厌倦了，或者不喜欢这个主题，就会在图片中显现出来。如果你内心想拍摄小猫，那就去拍摄小猫。 Alex Majoli     我建议多看些文学作品，而尽量少看其他摄影师的作品。每天都要拍摄，哪怕没有任务或者是钱。拍摄，拍摄，拍摄，这必须成为自己的原则，而不是为了图片编辑或者是得奖。同时，也要与别人合作，不光是摄影师，还有你尊敬的人。关键就是要参与进去！ Alex Webb 要因为热爱而去拍摄，因为那种不得不拍的感觉而去拍摄，为了在过程中得到满足而拍摄。其他的收获——别人的赞誉、报酬——这些只有极少数人能够得到，而且是那么的短暂。哪怕你在某种程度上获得了成功，也不可避免地在一段时间之内受到忽视，没有收入。世上有很多容易的谋生方式，把摄影当作自己的兴趣，而不是职业。 Alessandra Sanguinetti 我自己倒是有不少好建议……但在我脑子里首先跳出来的是鲍勃·迪伦（Bob Dylan）的话：“保持头脑清醒， 带一个电灯泡。” Bruce Gilden 我的建议是：拍出你自己！ Carl De Keyzer 给你自己五年时间然后看看是不是达到了自己的目标。很多有才华的人在开始的时候就放弃了；舒适的学生生涯之后巨大的黑洞是最大的天才杀手。 Christopher Anderson 不要去想成为一个职业摄影师。首先你要当一个摄影师，或许之后自然而然就职业了。不要急着靠拍照付房租。吉米·亨德里克斯（Jimi Hendrix）并不是在学会弹吉他之前就决定当职业音乐人的。他首先热爱音乐，并且创造了一些美妙的曲子，然后才成了音乐家。在拉里·托维尔（Larry Towell）成为职业摄影师之前，早就成了一个著名的摄影师。去拍摄那些你认为不得不拍的影像，或许这会慢慢把你引向职业的道路。但如果你一开始就想着职业，那你只能拍出自己都不在乎的劣质图片。 Chris Steele-Perkins 1）不要觉得摄影很容易。就想写诗，要写几句韵文或许很容易，但那不足以成为好诗。 2）学习摄影，看看大师们是怎么做的，向他们学习，但不要试图复制他们的影像。 3）去拍那些你真正关心的事物，那些真正吸引你的事物，而不要拍摄你认为你应该拍的东西。 4）用你认为正确的方式去拍，而不要用你认为应该用的方式去拍。 5）愿意接受批评，它们有时是有益的，但是要坚持你的核心价值观。 6）学习和理论有一定的作用，但是你更多地是通过实践来学到东西。拍摄，拍摄很多很多照片，为之沮丧，然后拍摄更多。磨练你的技术，投入大千世界并且做出回应。 Constantine Manos 不要去拍那些仅仅显示出事物表象的照片。你把图像的各种元素组合在一起的方式就想我们展现了我们未曾见过的东西。更不要忘了，影像中被捕捉下来的瞬间使之在时间的长河里成了唯一。另外，尽量参加你敬重的摄影师的短训班，但首先你得搞清楚他们不仅仅是好摄影师，同时也是好老师。拍出好的照片很简单。创造出很棒的图片很难。创造出伟大的图片几乎是不可能的。 Donovan Wylie 要享受摄影。尝试不要去寻找图像，而要保持开放的心态，让图像来刺激你。要带着目标来拍摄，为了出版一本书，或是举办一个展览，但更重要的是，要为了找到你自己的意见、自己的主题和自己的方式去拍摄。记住你的作品是关于你本人的，而不是你所代表的东西。这是个微妙的平衡，你要学着去把握，当然，别最后去拍自己的脚就行了。换言之，你要试着把自己的个人经验转换成普遍经验，这确实是有可能的，而且我认为这是任何艺术形式的关键诉求……去研读Michael Schmidt的Waffenruhe一书—— 去研究所有伟大的摄影师并且要喜欢研究他们，从头开始研读，去看早期美国摄影师，然后德国的，还有法国的，然后再仔细研读一下二十世纪60年代采用摄影术的艺术家，比如Rusha等。不要让自己陷入理论中不可自拔，而要尊重理论。 去读读罗伯特·亚当斯（Robert Adams）的摄影理论——实际上，好好研读罗伯特·亚当斯，你会学到很多东西。去读文学作品，特别是早期俄国文学、法国文学以及现代美国作品，还有爱尔兰文学，比如詹姆斯·乔伊斯（James Augustine Aloysius Joyce，1882-1941），游记类文学作品在描写和记叙方面与摄影极为接近。不要为了风格而风格。如果你有自己的主题，你也可以采用别人的方式，只要对主题有帮助。反之亦然。如果你要去拍大家都已经拍摄过的东西，那么就采用你自己独有的方式和风格。而最终你两样都会得到，你的意见会自己显现出来，但这需要时间。去读读《How You […]

我们会因为相机太先进太方便，于是不知不觉忽略了一些摄影技术，也会因为快门麻木而让拍摄创意渐渐昏睡，以下这10个功课，某程度上是对自己设一些限制，却会因此提升我们的基本技术及创作意念。如果你最近进入瓶颈情况，不妨试试。对于摄影新手来说，更加是不可不练的事情。 1. 定焦周末 选择一支定焦镜头，或固定使用变焦镜头其中一端的焦段拍摄。当然是你不常用的那个焦段，这会学习到更多事情，也会让你重新学习如何构图。 2. 固定光圈 用光圈优先模式会较容易完成这功课，但在拍摄大量不同事物时，这会是不容易的。不过你会认识更多关于景深的事，也会思考如何曝光时平衡快门速度与ISO值。 3. 固定快门 用快门优先模式，内容与（2）差不多，而假如你设为固定的很快/很慢快门速度，在持续拍摄不同东西时，会遇上很多困难，这会是有趣的练习。 4. 手动曝光 为了方便，可能你已经很久没有手动处理曝光，但重新回到手动模式，会让你学习更多关于曝光的事情，这也是最好的方法。 5. 手动对焦 我们已经太过依赖相机的自动对焦功能，但如果你用一整个周末去手动对焦，你又会重新认识焦点，甚至不再因循苟且，会有新的创意呢。 6. 换机游戏 换上你家里或朋友的一部旧相机，可能是胶片机，又可能是很旧的数码相机，这会让你重新再思考各种设定，而非依赖你太熟悉的那部先进相机，至于拍摄胶片也会迫使你停下来，思考更多。 7. 构图规则 选择一种法则，例如三分法，然后一整天都用同一个法则拍摄。另一个做法是，一整天都不遵从这法则，不断打破它，同时却要拍出好的作品。 8. 技巧钻研 用一个周末，不断使用同一种摄影技巧，钻研它、发掘它、了解它，用来尝试各种你所遇见的东西，例如试试慢速同步闪光、摇摄、拉爆，玩尽那些摄影技巧。 9. 光线钻研 与（8）类似，就是钻研一种光线的运用，可以是自然光、窗户光、人像灯光、剪影之类。 10. 照片“复制” 找一个你喜欢的摄影师，然后尝试“复制”他的作品，在过程里你会遇到很多困难，但这些都是值得你去学习的东西。

不论你进入摄影世界有多久，都必然会遇上问题，我们无法更进一步，就可能来自一些普遍的错误，又或是没有意识到问题所在。马来西亚摄影师Ming Thein的摄影工作涉及商品、野生、纪实、旅游、演唱会及食物等，他分享了自己有关各阶段的问题，并提出解决方向。有一些或者你都听过又或持不同看法，但有不少我看了也觉得获益良多，希望与大家一起分享。 一、关于摄影新手 1. 主题不清晰 如果你的照片不是一眼就看得明白、清楚主题，就要问自己其实在拍什么。如果你的答案是“想拍XXX”，而XXX在照片里并不突出，那么你就要再尝试拍摄，并且用各种方法，例如对比、色彩、光线、动态、焦点等等，来突出XXX。 有些情况，你想拍摄的并不是实物，在照片里是看不到的，甚至正是它的不存在，那是非常困难而且极度依赖照片的背景信息与脉落，确是较少见的。 2. 透视运用不当 选择透视应先于角度。广角是用来突出及夸张前景主体，长焦远摄则是减低主体从背景中突出。只以广角来拍摄多点东西及用长焦来少走两步，会让照片变得沉闷。 3. 器材错误 这个涉及整体技术上的错误：曝光、对焦、相机摇晃、白平衡等，这些问题通常来自于对相机过度依赖，即是事事依赖自动程序。一部相机永不可能完全掌握摄影师想要的影像，拍摄者必须自行控制一系列设定，才能够得到正确的照片，并且改善拍摄过程，而非花时间在后期工夫，也可提高影像质素。 二、关于业余摄影师 1. 过份担心器材 这个问题的病征，就是执着于尽用所有的工具来拍摄每一张照片，又或是相信一件新的器材能改善你的作品──但作品的不足却可能源于技术不足。购买太多器材有何问题？你在拍摄时会犹豫不决，你也没时间掌握手上的器材。所以购买前先要了解现时的极限，并且确认新的东西将会解决你的问题，否则只是浪费。当然，收藏家例外。 2. 忽略照片边缘 现在100% VF已经越来越普遍，也没什么借口拍出主体意外被裁、树枝突入干扰之类的情况，拍摄时兼顾边缘也是重要的。 3. 色彩问题 有时候奇怪的白平衡或明显错误的颜色，可以为平乏的照片增加趣味，但很多时候却只是破坏了和谐感，尤其是关于肤色与食物。如果你不清楚正确的白平衡，可以后期处理RAW文件，或用灰卡进行手动调整。但不要让相机自动调整，尤其是拍摄JPEG的话，会大大限制了照片的信息量与可调整性。 4. 关于黑白对比 不少人的黑白照片对比过强或是过弱。前者会导致丧失细节、色调范围不足，导致难以分辨主体与背景；后者则令人感到沉闷，就像明明厨师手上有很多美味的配味料，他却只用上一种。 5. 忽略自然边框与引导线 这些简单有用的小助手无处不在，例如走廊延伸出去的引导线就是好例子，可以吸引目光注视主体；同样它们也可能引离人们的视线，所以在构图时要加倍留意这些细节。 6. 居中构图 很少好看的作品是把主体放在正中间，而有动感的作品，通常在主体前后都保留一些空间，并制造出好像预测前进或动作过后的感觉。现在相机都多于一个对焦点，所以你能够弹性地放置主体。 7. 画面欠平衡 虽说把主体放置正中间，通常是种沉闷的构图，但把主体放到左下角，然后其他位置全部都空荡荡，也是不理想的。所谓视觉平衡并不容易解释，但我们可以直接透过视觉去感受。 8. 错误运用景深 有些人非常沉迷于浅景深，一张接一张只是铁丝网或是红砖墙的作品，没有什么内容，照片只是在展示强烈的散景。这种照片就像在说：“我依赖器材来制造风格，因为我欠缺想像力。”浅景深没有罪，它可以突出主体，但一张好的照片，往往能够使用第二元素──背景，来补充照片的内容和信息，而一堵模糊的墙壁，并无任何信息。所以，我们应该思考，如何平衡景深、突出主体及背景信息的份量。 9. 不当时机与欠缺准备 可能你的技术已经足够，但总是错过精彩的镜头，而唯一解决方法就是不断练习。你需要学习去预计主体的变化，这个需要观察与经验；同时，你也要对自己作业延时有种直观的认识，即是你知道由你想拍摄到按得到快门之间，其实会用上多少时间，然后习惯于这个节奏和速度，以准确拍摄。 三、关于专业摄影师 1. 创意停滞 当你成为职业，意味着你已经找到一些好的拍摄方程式，甚至可以用来赚钱，然后你就会依赖它、重复它。有什么危险？这个世界有太多人喜欢抄袭人家的创意，见一个意念好，就一窝蜂的跟着做。要在这个世界突围而出，自己就需要不断创新。 同时当职业摄影师会有一个危机，就是大多数客人只喜欢叫你做他们的要求，那些会因为仰慕你的才华，而希望你自由发挥的客人非常罕见，久而久之，摄影师就会变成相机执行人，多于创作人。 2. 外包太多后期工作 有些专业摄影师，会有一团的助手替他进行后期工作，例如加入创意元素，或进行风格修饰。一来这么做的话，可能总是无法准确做到你的要求，而最大问题时，长此下去你会跟科技脱节，如果那些助手要走了，你怎么办？ 3. 没有尝试新主题 这是个经典辩论：到底摄影师应该集中一个主题成专才，还是应该拍摄所有东西变通才？最理想情况就是你有一个可达商业水平的题材，然后你有足够基础拍摄其他主题。理由有二：第一，你有机会赚更多的钱，因为你可以给客人额外东西；第二，不同主题需要不同技术，而这些技术有机会跨题材来到提升你的事业。 4. 太多工作 […]

明明是用同机种的相机，为什么专业摄影师总是能拍出白皙水嫩的肤质，又或者漫天绚丽动人的彩霞，除了后制修图外，其实拍摄当下就因为精准掌握曝光，而成就一张张动人的照片。现在就让我们重新了解，所谓的正确测光到底是怎么一回事吧！ 从头学测光原理与模式 相机测光表的运作方式，是预设主题的反射率为18%，测量被摄主题反射光源后，反射光透过镜头以后的亮度（即TTL 的运作方式），而各种自动模式就是根据测光后的结果，决定一组符合测光结果的光圈／快门数值，进而拍摄一张曝光正确的照片。但凡事总有例外，包含并不是所有物体的反射率都是18%，例如白纸反射率可能为80% 以上；而深色／黑色的物体，反射率可能只有5% 以下，这也就是为何曝光会有偏移的问题所在。至于测光模式更是许多初学者最头痛的问题所在，常听到有人说「拍起来太暗了，用点测光拍就对了」，又或者「平均测光常会测不准」，事实上却是没有真正了解测光模式意义的说法。相机的测光模式，其实只是设定不同测光范围，或是选择测光区域进行加权的模式。 ▲标准曝光。 ▲曝光补偿。 ▲相机所建议的标准曝光，明显曝光不足，经过+2/3 eV 曝光补偿拍摄后的右图，方能回复肉眼所见的视觉亮度，即正确曝光。 我们常看到的测光模式，大致上可分为平均测光、中央重点、点测光三种。 平均测光：是针对画面中所有区域进行加权运算，由相机自行评估亮、暗部，以及18%反射率的中间调，最后平均算出现场亮度的模式，在一般亮度充足、反差不大的环境下，可说是最理想的测光模 式，也是运用最广泛的模式。 中央重点测光：是以画面中央区域为主做加权，再评估画面周围亮度，来略微增减测光结果，此模式可说是简化版的平均测光模 式，也是比较早期的自动测光模 式，由于一般人拍摄时，大多把主题放在画面中央，所以能获得还算准确的测光结果，缺点则是摄影玩家构图时若不是把主题放在中央，且中央是极暗或极亮的区域，就会产生测光不准确的结果。 点测光：（通常位于中央大约画面3%区域，若有与对焦点连动的功能，则对焦点在哪？测光点就在同一点）则是以画面中央的及小区域作为测光点，且并不会因为其他位置的明暗而影响，早期因为测光区域无法缩太小，所以也称为区域测光（位于中央大约画面10%区域），也就是说当我们想要以画面其中一个小区块为主，并且作为测光重点，就可以运用点测光来确认结果，测试时同样要注意区快的反射率是否为18%左右，测试后也要按下AEL或用M手动模式锁定曝光值，否则移动相机构图时，点测光的结果可能就会有所变动（对焦点连动因为不需要移动构图，所以不在此限）。 重新了解各种测光模式后，我们可以知道，若画面中全为18% 反射率的物体，且亮度均匀，理论上用哪一种模式的测光结果都一样，也就无所谓哪一种测光模式才对的问题。 ▲由上到下为平均测光、区域测光、点测光、中央重点测光。 更先进的测光系统 有鉴于传统TTL测光系统容易因为反射率产生误判，相机厂商也进一步开发新一代测光模组，例如Canon的iFCL测光系统与Nikon的全区域3D距阵测光系统，就是强调相机测光会依据不同色彩、场景远近、环境亮度做判断，例如相机遇上较为敏感的红色，会自动判断应该稍加测量的EV值，而蓝色等反射率较低的色彩，判断上也会稍微增加结果的EV值，这样能获得更正确的测光结果。（接近入射式测光表的测量值） 还没拍就预想测光与曝光结果 依赖自动测光已久的我们，拍多了总会有种测不准的错觉，照片的曝光结果总是跳来跳去，有时候过曝有时候又不足。其实会有这样的结果，大多是因为画面中有大量暗部（黑色／深色）或亮部（白色／浅色），加上我们常会进行对焦后重新构图的动作，让拍摄主体落于画面周围所导致的结果。虽然绝大多数都可以运用影像后制方式来处理，但或多或少会减损一些画质，也浪费调整的时间。 所以最好的方式，就是在拍摄前就决定好我们想要拍摄的结果，选定好对应的测光模式以及曝光补偿值，这样我们就能在同一个环境（场景）中，维持一定的曝光水准，等到后制处理时，甚至只需要调整一张在全部同步处理即可，大幅省下一张张调图修图的时间。例如清晨日出时，若太阳刚才离开地平面，高度反差容易让画面呈现曝光不足的状态，影像看来反而向是日落时分的感觉，我们可以采用平均测光，并且事先加些曝光拍摄，虽然画面中的太阳处会过度曝光，但整体影像亮度较高，会比较符合日出的映象。虽然也可以采用点测光，选定画面中的中间调（预想中的18度灰）测光，再用M模式固定，但日出时的亮度变化极快，可能前后几秒钟，亮度就差几格EV 的问题，相对比较吃力些。 黄昏场景中则相反，由于黄昏接近黑夜，若直接运用平均测光时，会因为画面看起来太亮而失去时近黄昏的感受，且美丽的晚霞也会因为亮度较高而减损层次与降低彩度。这时候若没有太阳直射的干扰，只要天空所占的画面较高，测光会以云彩作为重点，而我们也可以再拍摄前稍微降低eV 值，就能有更理想的照片成品。 至于在晴天或固定的室内环境中，若有阴影等反差区域，建议试着采用点对焦先测光，先选定画面中的中间调区块，例如明亮处的脸部、皮肤、鲜绿色叶子等，确认光圈快门后，利用M 全手动模式固定光圈快门（曝光值），若想要变动景深，则利用曝光互换率来调整光圈并连动快门。尤其面对走廊、棚子，甚至餐厅婚宴的场合，因为光源相对稳定，但容易因为反差或服装色彩愚弄测光系统，这时候只要确认过一次曝光状况是我们所需要的结果，那么就能固定一整批影像的拍摄亮度结果。 ▲上图是利用软体模拟正常曝光的结果，我们可以看到太阳附近的细节，虽然比调整曝光补偿后的结果还要多一些，但整体影像感不像是清晨时分。而暖色调的成果图，则是在未动曝光状态下，调整色温与色调后的结果。 精确检视曝光结果 建立完整测光观念后，想要拍出曝光正确的照片相信是轻松容易的事情，但想要追求更精准的曝光结果，就要学会看懂「曝光曲线图」。而不管是哪一个厂牌，都将曝光分为5 个区块，右侧为高光区域，左侧为低光区域，中央则为18% 灰标准曝光时理想所在的区块。 曝光曲线图其实是直方图，标示了影像中亮暗部的「量」，也就是画面中的亮／暗部所占的区域大小，可评估该亮度是落在曲线图的哪些地方。通常我们会建议亮部不要落在最右边的边线，暗部不要集中在最左边的边线上，这样才不至于没有细节而缩减修图空间。若想要更确认曝光水准，就要能在脑海里依据画面试想出中间调与亮暗部的曲线分布来对照。若是以明亮调为主的照片，理论上右边区块会较多；暗调为主的照片则曲块会较集中在左侧；对比强大的影像则在曝光曲线图的左右，各有突起的高峰；至于光源均匀的环境下，通常会呈现钟型曲线。 ▲室外太阳下拍摄时，若只是利用萤幕观看拍摄结果，会因为强光干扰而误判曝光结果，但学会利用曝光曲线图来判断，就能准确判定曝光是否准确。图中可见巫女阳光处的白色服饰已经落在右缘，而黑色大衣落于左侧稍亮的位置，由于这张照片希望阴影处人的表情能强调出来，所以+2/3eV 后整体影像符合稍增曝光的需求，而达到我们预想的正确曝光。   ▲(左)±0 eV，(右)- 2/3 eV。（点图放大）拍摄满天晚霞时，若采用平均测光，总会觉得不够色彩红艳，其实很多时候只要将曝光补偿稍减，就能获得良好改善。（实际拍摄） 为了呈现影像情绪所做的曝光变动 了解标准曝光后，我们会逐渐发现，标准曝光虽然是一种安全作法，但过于中规中矩，反而让影像少了些许情绪与温度。以笔者喜好与经验，想要表现开心、愉悦、热情、干净⋯⋯等正面情绪时，稍加些曝光会让观赏者能更清楚的感受气氛，相反的孤独、无奈⋯⋯等负面情绪，可以稍降曝光来暗示。 不仅只平面影像会做这样的处理，动态电影也会运用同样的手法。例如电影127小时中，当男主角艾伦·洛斯顿终于脱离深邃岩缝时，导演以一镜到底的方式跟随，光圈快门不动的状态下，岩石阴影与空旷处的极大亮度反差，让画面呈现极度过曝的状态，却能从此感受到艾伦强硬生命力与欢愉心情。 ▲模拟标准曝光 ▲刻意过度曝光。为了强调青春活力的神情，以脸部作为曝光基准，由于脸部属于画面中逆光暗处，所以当它作为测光基准时，周围便会过度曝光，也导致色彩变淡，所以成品在不动曝光的情况下，有刻意加强色彩饱和度，来配合活泼的影像调性。 为后制考量的曝光选择 虽然一次拍摄就把曝光搞定，能让后制处理时轻松不少，但不可否认在极端环境下，我们还是需要为了后制空间做些曝光上的调整，尤其在数位时代中，超过+2eV 的影像，想要保留画面细节还是相当困难，这也表示在「正确曝光」当下，白色衣服或是白墙等物，想要拍出表面质感有其困难性，这时若能刻意降低些许正确曝光值，并利用后制方式做进一步调整，始能获得明显改善。 结论 一路看下来，我们会发现原来对作品来说的正确曝光，其实与标准曝光并无法画上等号，但学会掌握标准曝光，却能帮助我们更加快速与精准的确认与达成作品的正确曝光。也许，下次拍照前，可以多加考虑曝光问题，让影像品质与意像能有大幅度的提升。 ※ […]

新手刚接触风景摄影时，在对焦、曝光…..等方面，比较无法确切掌握其要害，到底相机该怎么设定，才能让眼前的这片好山好水纳入镜头里面呢？下面将从拍摄风景时的对焦方式、利用EV值曝光的方法、动态风景与静态风景的拍摄模式切入，来告诉大家风景这样拍就能收得好画面哦！ 选择最佳对焦方式 现阶段的自动对焦系统可以在几乎完全黑暗的条件下进行对焦，或是针对飞行中的鸟类持续对焦，且能自动选择要对焦在实景中的哪个部份。有些新一代系统可以辨识人脸优先对焦，或是多人脸部同时在一画面时，自动选择最佳对焦点。总而言之，各种对焦模式都有其优点，建议针对想要拍摄的对象选择适当的对焦模式即可。 对焦模式 单张自动对焦：适用于静止主题的单张自动对焦。对准拍摄目标半按快门按钮，相机会进行一次对焦。 连续自动对焦：适用于对焦距离不断变更的运动主体。如果持续半按快门按钮，将会对主体连续对焦。 手动对焦： 将镜头对焦模式开关设为<MF>，转动镜头对焦环进行对焦，以肉眼确认观景器中的主体是否变得清晰。 使用AF和MF的时机 一般说来，摄影的基础就是对焦要准确。拍摄山岳、湖泊等静态景观时，可使用单张自动对焦；拍摄自由车、运动类等题材时，则建议使用连续自动对焦。 使用单张自动对焦时，当对焦点与主体重叠，相机就会自动对物体进行对焦。在半按下快门时，对焦位置会被锁定，可以在固定焦点的状态下重新构图。如果使用连续自动对焦的功能，就必须从观景器中追踪拍摄主体的移动状态。 而下列情况，可能无法成功对焦时，则须改用手动对焦： 对比度低的主体【范例】蓝天、色彩单一的墙壁 低光照下的主体【范例】夜景、星空 强烈逆光或反光的主体【范例】车身反光的汽车 远近主体同时覆盖自动对焦点【范例】笼中的鸟儿 重复图案【范例】格子状的窗户、电脑键盘 对焦位置与成像的差异 对焦位置不同也会改变照片给人的印象，即使是同样的一个画面，也会因对焦的位置不同，而给人印象很大的差异。对焦点对在离自己很近的位置时，背景就会很模糊，而焦点对准的地方则会很清晰；相对于拍摄距离，相机与背景的距离愈远，背景就会愈模糊。因此如果想拍摄清晰的背景，那背景与拍摄对象的距离也要很近才行。另外，对焦点在最远处时，模糊的前景，可衬托出拍摄对象的距离感。在强调空间距离感的时候可以采用此种方法。 ▲对焦点在最近处的树干上，背景很模糊。 ▲对焦点在中央时，前后景物都会模糊。 ▲对焦点在最远处的树林时，前面景物愈靠近拍摄点就愈模糊。 曝光模式 决定好测光模式后，接下来就要选择正确的曝光模式。拍摄动态景物时，可以选择能自行决定快门速度的快门先决模式，以准确补捉动作；拍摄静态景物时，能够自由控制景深范围的光圈优先模式则较为适合。 依据拍摄题材选择曝光模式 快门先决（shutter priority）拍摄动态风景时，选择快门先决 ▲拍摄海水快速在礁石间流动的景象时，将快门设定为1/2秒，太短拍不出流动感，太长则水流易过曝无细节。（新北市／老梅） 光圈先决（aperture priority）拍摄静态风景时，选择光圈先决 ▲为了拍摄大尖山的景色，以及翠绿的草原与天空有漂亮的蓝天白云，将光圈设定为F10，让前、中、后景皆清晰，对焦点对准大尖山。（垦丁国家公园／垦丁牧场） Auto ISO 在底片摄影中表示不同底片对光线感光的灵敏度。在数位时代，感光度则可借由调整感光元件（CCD或CMOS）对光线的灵敏度来改变。现在的相机可直接改变感光度，以获得不同程度的曝光，部分高阶相机甚至会在现场光线不足时，自动提高感光元件的灵敏度，也就是Auto ISO（自动感光度功能），可将快门时间缩短至手持拍摄时之安全快门（稍后会说明）左右，避免引起手震。 曝光补偿 根据表现的意图，我们可能会认为若能将曝光量增加或减少，照片的效果会更好，通常这是主观性的影响。有时并非相机的测光系统出错，而是它无法解读你的创意。这时，只要减少曝光量（减eV或负补偿），影像就会变暗，而增加曝光量（加eV或正补偿）就会变亮，可增加作品的创作力。如果当下无法确定最佳的曝光值，你可以利用包围曝光拍摄，之后再选取最好的成像。 ▲暗部占画面的一大半时，-1.67eV ▲雪白的亮部占画面的一大半时，+1.67eV 依据拍摄意图，决定曝光补偿值   ▲（左）负补偿（-1eV），（右）未补偿。为了将黄昏的气氛表现出来，最后决定将整体画面调暗一点（-1eV）   ▲（左）正补偿（+1eV），（右）未补偿。为了强调雪地上拍照的人，我决定增加1格曝光补偿，使白雪亮一点、人的穿着鲜艳一点。（+1eV）

对于摄影新手来说，想要精进拍摄技法，最简单的入门办法就是拿着相机对着日常生活中常看到的小物东拍西拍。不同于拍摄人像或是风景，有较多无法掌握的因素，静物摄影的各项变因，是我们比较能掌控的，例如在拍摄场景中，光线若是不足，只要把被摄物体搬到有光的地方就好，或着是用闪光灯来进行补光。变因较少的情况下，在相机上面的调整也会较为单一好控制，下面就要与大家分享一些可以拍好静物的技巧哦！ 用小光圈刻画细节 光圈先决, 1秒, F16, ISO 100 由于小光圈的景深深，清晰范围大，所以，想要更好地表现静物的细节、质感、层次，请使用小光圈。不过，用小光圈时，如果光线条件不佳，快门速度会变慢以满足曝光量的最低需求。因此，需要把相机置于三脚架上稳定拍摄，或者增强照明光线才行。 逆光的剔透 手动模式, 1/250秒, F4, ISO 100 在自然光线下拍摄玻璃制品，可以将它置于逆光、侧逆光环境中，让光线从后方投射，就容易表现出玻璃制品的透明感。强烈的光线还可以使它产生玲珑剔透的艺术效果喔。 表现轮廓和形状 光圈先决, 1/250秒, F3.2, ISO 100 对于表面坚硬、有光泽的物品，例如金属、陶瓷等待，最好使用侧光。这样可以凸出亮度最亮的部分，以充分呈现物品的轮廓形状和光泽感。 倾斜拍摄 手动模式, 1/30秒, F4, ISO 100 拍摄美食时，视角的选择非常重要。采用45°左右的斜角拍摄，既可以表现出食物的立体层次，又能够有效避开背景的干扰，可以让画面更加和谐和统一。 凸出细节和质感 手动模式, 1.5秒, F16, ISO 200 拍摄美食就应该要呈现出令人垂涎欲滴的细节质感。靠近用特写的方式拍摄局部，画面效果会更加诱人。要注意的是，应避免画面上出现浓重的阴影，或者白平衡不正确出现偏色，这样会影响美食的色泽，让人缺乏食欲。

寻找自然的画框     这张照片是Ralph Morse 1942年为《时代》杂志拍摄的。“我喜欢这张照片，”Stalman说，“为你的主体寻找自然的画框。对这张照片来说，即使那里没有这个舱门，它也是张不错的照片。但额外的画框让它更好：你可以透过门框获得一种类似‘偷窥’的感觉，照片中的模特没有看向照相机更强化了这种感觉，他仿佛根本没注意到相机的存在。” 不要把主体放在画面中心（有时）     Spencer Platt在Rio拍摄了这张走绳索的人的照片。“从这张照片上能学到的东西，”Stalman说，“并不新鲜，但很有用：让主体偏离画面中央可以——在恰当的时候——让照片更有张力。这是普通照片所不具有的。” 寻找图案     对这张J. R. Eyerman拍摄的3D电影观众的著名照片，Stalman说：“吸引住我的正是重复出现的人脸。这里没有特别醒目的一个，整个画面变成一种令人印象深刻的抽象的图案。从远处看这张照片，你就能得到一种确定的印象，在靠近之后才突然发现这些人脸。在不同的观赏距离上，这张照片产生了不同的效果。” 尝试不同角度     Alfred Eisenstaedt拍摄了这张布鲁克林大桥的照片。“这张照片最主要的构图元素，”Stalman说，“是大桥底部形成的穿过整个画面的醒目的深色线条，它同时将观众的视线引导至画面低处曼哈顿的摩天大楼上。不过从这张照片上还能学到另外一课。看看这座桥是如何在世贸中心北楼与较低的伍尔沃斯大厦之间取得平衡的。非常漂亮。摄影师在对这张照片构图时一定花了很多心思——在桥下反复寻找合适的位置。有时你必须花一些时间，到处看看，尝试不同的角度，当你感觉所有东西都到位后再拍照。” 不要怕复杂，要回避混乱     这张玛丽皇后号蒸汽船的照片由Andreas Feininger使用长焦镜头从3公里外拍摄。“值得赞赏，”Stalman说，“在很多方面都是。我们能从中学到的一课是，一个复杂的场景，并不一定意味着只能拍出复杂的画面。这张照片中有太多的看点——蒸汽船的烟囱，42大街的交通，建筑群顶部飘荡的小旗等等。但即便如此，这张照片也足够吸引人。它内容充实，但并不混乱。最后，注意这张照片的剪裁。你可以看到船边的水面，它给画面增加了动感。但同时，照片底部的河流也有助于让画面‘安静’下来。如果没有它，这张照片就会感觉杂乱了。” 对称     Al Bello在佛罗里达的一场网球赛中拍下这张照片。“摄影师所在的位置，刚好位于球场中央。边线、球员及光线都形成完美的对称。”Stalman说道。“另外，我特别喜欢的地方在于，照片中体育场上方的天空很容易被裁掉，以强调球场内的画面，但是摄影师没有这么做。极具戏剧化的云层增强了场内对抗的气氛。” 不要太直白     “从这张照片上能学到的，”Stalman评价George Silk在职业棒球赛上拍摄的匹兹堡海盗队球迷的庆祝画面，“是摄影师从人群的头顶拍摄。多数人会觉得在这个位置已经够高了，他们会努力靠近边缘尽量离球场近一点拍摄。相反，Silk向我们展示了其他努力探出身子的人。很明显他自己站得更高，并将拍摄对象改成这些观众。现在，右下角的这些人比球赛本身更醒目。最后，这张照片呈现出强烈的对角线构图，远处的球赛与兴奋的球迷相互辉映。” 运用直线     摄影师Johannes Simon 2010年1月在德国拍到这张照片。“这张照片构图的想法，”Stalman说，“非常简单且有效。摄影师将画面一分为二，将地平线置于画面正中，利用小路形成的直线，将观众的视线引至画面中唯一的小屋。” 在画面中留白     对Grey Villet拍摄的这张高校失学青年的照片，Stalman说：“这张照片第一个引起你注意的是画面中大量的空白。这里给你留出想象的空间——这些孩子们要去哪里？这里发生了什么？这里还是一个利用斜面的好例子——倾斜的道路令观众产生了动态的感觉，而画面中其实并没有任何移动的物体。人物的深色衣服是画面中唯一的对比——除了那一小捆铁丝外。” 从下方仰拍     摄影师Spencer Platt的另一张照片。这次是纽约街头艺人Robert Burck，一位在时代广场演唱的裸体牛仔。“这里用到了一个简单且有效的技巧。它能让本来单调的画面变得有趣起来，”Stalman说。“如果这张照片是从正面拍摄牛仔，从眼睛的高度，那么画面就会显得很凌乱。尽管半裸，但人物还是有些融入到背景之中。通过降低机位仰拍，摄影师将人物与背景有效地分离开，并以一种有些滑稽的方式给人物添加了一些英雄气概般的感觉。” 平衡醒目的形状     这张由Margaret Bourke-White拍摄的圣雄甘地的照片，为摄影师们上了良好的一课，Stalman说，并不是因为照片中的人物是甘地，尽管拍的就是甘地。“在这张照片中，”Stalman说，“我们当然会看见甘地。但是，从构图上来说，这张照片可以成为所有人学习的榜样。最重要的一点，是在2种形状——深色的纺车与安静的甘地——之间取得平衡。这张照片放到任何尺寸都是一幅有力的画面——即使是缩略图，并且可以作为判断一张照片是否构图良好的标准。”

在我一头扎进摄影世界之前，我从未考虑或学习过有关构图的知识。我曾经认为，只要去拍就好了。如果我要拍一张反映真实生活的照片，我无法想象自己去对一个跑向公交车的人说：“对不起，你能不能站在三分之一处？”我以前完全不在乎构图这回事儿。 但当我开始做到无需考虑仅凭直觉就能设置相机时，情况就不同了。我突然有了充足的时间，在拍摄时无需让被摄体来适应我，我可以适当地移动自己，在构图自然形成的瞬间捕捉到画面。 如果你也像我一样，而且你还没考虑过构图这回事儿，这里有一些规则可以帮你上路。自然，规则就是用来打破的。但是除非你已经熟练掌握，否则不能去打破它们。这里有4个重要且容易上手的规则，没有他们我甚至无法拍照： 三分法则     这可能是在摄影师中最广为人知的构图法则了。某些数码单反相机甚至可以在取景器中显示三分网格线。这个法则是说，在一幅画面中，拍摄主体应该位于三等分直线上。例如，根据这条法则，地平线不应该位于画面中央，而应该位于三分之一处（译者注：靠近上方或下方，根据主题而定）。 奇数法则     奇数法则是说，画面中主体是奇数时，画面在视觉上比较动人。例如，如果你要拍摄不止一个人的照片，不要拍2个人，应该拍3、5或7个人。当然，对于婚纱摄影来说，这是个愚蠢的想法，对吧？但是只要有可能，如果你拍的不仅仅是真实生活的纪念照，就要记住奇数法则。研究表明，人们在观看照片时对奇数主体感到更舒服。 空间法则 我将这条法则与三分法则混合使用。你可能自然而然地运用过空间法则，但没有注意到这是一条构图法则。这条法则是说，为了表现运动感、交代画面的背景、以及让画面有延伸感，需要在画面中“留白”。例如，如果你拍摄一个跑步者，要在他前面留一定的空间。不要把空间全部放在他的身后，这无助于观众想象他正向前跑的画面。     如果你要拍一张妇女对着一个不在画面中的东西大笑的照片，在她笑的方向上留有空间。这会令观众好奇，在画面之外有什么东西呢？她在笑什么呢？我之所以将这条法则与三分法则混合使用的原因也是很自然的，这些主体应该位于画面的三分之一处。 视角     视角是最基本的构图法则，而且就像按快门一样简单。你就是你的观众。你的相机就是他们的眼睛。如果你在眼平位置拍摄一只狗，你的观众就会在眼平位置看到这条狗。如果你从低处拍一条狗，你的观众同样会从低处看到这条狗。如果你从高处拍一条狗，你就给观众带来一种俯视的感觉。

在拍摄风景时，相机所使用的光圈可不像拍摄人像那样，并不是使用大光圈就能拍出美丽作品，而快门的运用也需要视题材的不同来做作决定。当然在面对不同的拍摄环境下，这些看似是真理的相机设定并不是铁一般的规则，懂得从中做变化的人，才能真正拍出好风景哦！ 光圈的表现 光圈主要的作用是调整进光量。开启光圈后，只有合焦的地方才会清晰呈现，合焦点以外的地方，影像就会较模糊。如果缩小光圈，原先模糊的地方就会比较清晰。光圈叶片愈小，其合焦点前后清楚的范围就变得愈大，这前后清楚的范围称之为景深。浅景深常用在特写的作品上，长景深常用在风景上。 不同光圈下的景深差异 ▲1.光圈F2 景深最浅，眼前及后方的景物都很模糊。2.光圈F4景深稍长，眼前及后方的景物仍然模糊。3.光圈F8 景深愈长，前后面的景物愈清晰。4.光圈F16 景深最长，在合焦位置后方的景物最清晰，前景的轮廓也能看清楚。 ▲缩小光圈广角来拍摄，以表现阳光之下充满空间感的树林。 ▲用长镜头开大光圈，尽可能模糊背景，突显主题的柔和感。 决定景深的要点 对焦点相同，光圈放大，景深就愈浅。 光圈相同时，愈靠近对焦点，景深就愈浅。 镜头的焦距愈长（如飞羽摄影用的大炮），景深也愈浅。 输出片幅愈大，景深也愈浅（如全片幅的相机）。 快门速度的表现 快门速度主要作用是决定曝光的时间，而快门速度的改变，则是拍摄溪瀑时最常运用的手法，高速快门可以冻结瀑布瞬间流下的跳动感，慢速快门则能营造出瀑布的流动感。 ▲1/250秒 ▲1/60秒 ▲1/15秒 ▲1/4秒 ▲1秒 ▲4秒 如何避免相机晃动 1. 手持拍摄需符合安全快门原则（可配合提高ISO）： 快门主要用来设定曝光时间的长短，在短时间曝光下即使有轻微晃动，也不足以大到在影像上留下明显的纪录；因此，当快门时间设定在安全快门值以下时，较不易察觉到晃动的迹象。 什么是安全快门 「安全快门」意指可保证成像清晰锐利的最低快门速度，对手持拍摄来说尤为重要。其算法相当简单，只要将所使用的镜头焦段换算成倒数即可。举例来说，使用50mm焦段镜头时，其安全快门就是1/50秒；使用100mm焦段镜头时，其安全快门就是1/100秒，依此类推。 2. 以三脚架或其它方式固定相机： 使用三脚架时，应尽量搭配使用快门线来操作快门，即使是使用三脚架时，如果快门速度很慢，直接用手指按快门也会使相机晃动，拍到的画面也就不够清晰。此外，为了尽量减少相机的晃动（尤其在使用长焦段镜头或三脚架须更稳固时），请配合使用反光镜预锁的功能，以避免拍摄时反光镜跳动而产生震动。 3. 防手震镜头及广角镜头的使用： 具有防手震功能的镜头可以在手持拍摄时延长安全快门速度，但若被拍摄物在移动或运动时，则仍须提高快门速度或以追焦的方式拍摄。广角镜头的景深较深，所以白天拍摄远方景色时通常不必将光圈缩得太小，因此快门速度多半也都能维持在安全快门速度以内。 用光的技巧 对我来说，用光是摄影中最重要的技巧；拍照时，「必须注意光和角度的变化，才能感受到更多令人动容的影像」，一直是我的座右铭。拍照的过程中，需要一直注意光线的强度、色彩、质量及照射方向等变化，因为光线的方向不只会影响阴影的形状与密度，也会影响整个画面的色调及反差。 光线的种类 ▲顺光较缺少立体感，但颜色很鲜艳。 ▲顶光 充满热情感。 ▲漫射光 较平实的风格，阴影较少。 ▲逆光 充满生气，光影迷人。 ▲侧光 较有层次及立体感。

我们在使用RAW格式拍摄时应该注意些什么？ 相信有不少读者都曾经尝试过使用RAW格式拍摄。JPEG格式是我们手中大部分相机的默认选择，尽管它非常方便，但这意味着我们在不知不觉中丢失了许多图像细节，使用RAW格式拍摄，这些细节都能保留下来。 遗憾的是，很多读者在选择RAW格式后不得不面对一些更大的问题。RAW文件非常大，而且不是所有后期处理软件都能直接打开的。相机厂商并不愿意选择相同格式保存相机的原始影像信息，这实在是一件伤脑筋的事情，给我们带来了许多不便。 可一旦我们解决了这些问题，习惯RAW格式的拍摄和处理，就会发现实际情况并不如开始所想象的那么痛苦，而你的摄影水平也会一举进入一个新的层次。我们将从头开始向大家解释使用RAW拍摄的原因与必要性，并一一解答和RAW有关的问题。 作为摄影师，RAW格式是查尔斯拍摄时的唯一选择。 1. RAW格式的特点 在开始拍摄前，先弄明白什么是RAW格式。什么是RAW格式？ RAW英文译为原料。理解RAW格式，首先需要大致了解数码相机的实际成像过程。我们按下快门后，光线通过镜头照射到相机的感光元件上，感光元件将其转换为形成影像数据的电子信号。简而言之，这些电子信号就是组成RAW文件的主要原料。 16位图像包含的影调信息更加丰富，进行相同处理操作得到的结果画质更好     区分RAW格式和JPEG格式的关键就是这些电子信号在收集之后的处理过程。RAW文件由感光元件记录的原始电子信号和与相关的基本信息组成，这些内容不经过任何压缩和处理就被直接保存到存储卡上。而JPEG文件在保存到存储卡上之前，感光元件记录的原始电子信号已经根据我们选择的白平衡、图片风格等设置由相机内部的处理器进行了相应的处理。处理结果被转换为JPEG格式，然后写入存储卡。换句话说，无论使用哪一种格式拍摄相机都需要采集原始图片数据，而我们决定是将这些原始数据交给相机处理为JPEG格式提供给我们，还是保存为RAW格式由我们自行处理。 所有RAW文件都是一样的吗？ 不是，围绕RAW格式的大多数困惑正出于这个问题。和JPEG格式不同的是，RAW格式并没有一个统一的标准。各大厂各行其是，使用的RAW文件格式各不相同，甚至同一厂商不同型号相机之间使用的标准也不一样。举例来说，尽管佳能数码单反现在的RAW文件后缀均为.CR2，但EOS 1100D和EOS 7D拍摄的RAW文件之间还是存在一些小小的差异。 相同相机使用的RAW文件格式并不会发生变化，所以如果你找到一款趁手的转换软件，就不会给你的工作带来影响。但是如果我们需要处理来自多台不同型号的相机文件或在没有更新对应软件版本的情况下换用了一台新的相机，就能体会到这种差异带来的不便之处了，你将无法转换照片格式。 DNG格式是这种混乱局面中的唯一例外，这是一种由Adobe开发的公开文件格式，可供任意数码相机制造商选用。但所有主流数码单反相机制造商中，只有宾得在自己的相机中提供了这种格式。不过即便我们选择了其他厂家的相机，DNG格式依旧能给我们带来便捷。将相机自有的RAW格式通过Adobe提供的转换工具转换为DNG格式之后，我们就能使用版本较老的Photoshop中提供的Adobe Camera Raw打开新款数码相机拍摄的RAW文件了。 为什么我只能通过专用软件预览我电脑上存储的RAW文件？ RAW文件是一个数据包文件，而非图像文件。我们的电脑并不知道应该如何解读这种数据包，和JPEG等标准格式不同的是，RAW文件并不包含供电脑解码所需的信息。我想下面这个比方也许能帮助大家理解这个问题：JPEG格式就好比字词句段划分清晰、标点格式标注整齐的文章；而RAW格式中虽然也包含同样一篇文章，但其中的所有文字均被打散为基本笔画，无序组合在一起。因此我们完全没有办法浏览。 RAW格式是一种非压缩格式吗？ 有一部分是。为了缩小图像文件大小，人们设计了种种复杂的压缩算法。这些算法之间存在一个非常重要的差异，那就是有损与无损。 顾名思义，有损压缩表示在压缩处理过程中，部分图像数据将会被丢弃。但是抛弃这些信息后，能得到比无损压缩小得多的文件。有些RAW格式，例如尼康公司的.NEF格式就能通过这种形式进行保存，从而可以得到占据空间更小的文件。但这样做会造成画质的下降，在天空等影调过渡较为平滑的部分表现得尤为明显。 所有JPEG文件均使用有损压缩算法。JPEG文件在保存时会提供一个画质设置供我们选择，我们选择的画质越低，丢弃的图像数据越多，得到的图像文件也就越小。反之，画质较高的JPEG文件和画质较低的相比文件尺寸也更大一些。如果我们对于得到的图像文件只执行一次保存操作，那么保存过程造成的画质下降是几乎无法察觉的。但随着保存次数的增加，丢失的图像数据会变得越来越多，因此整体画质下降就变得越厉害。无损压缩格式包含原始文件中的所有数据，但得到的文件大小也会占据更多的储存空间。大多数RAW格式为了保证图像信息不在反复保存的过程中丢失，均使用这种方式进行压缩，因此画质也就更高。 这两种压缩模式是厂家设置的，我们无法在相机中进行选择，但是无论如何，RAW格式文件所包含的信息都比JPEG文件丰富得多。 RAW文件的8位、12位、14位、16位等有什么区别？     我们拍摄的每张照片均由从黑到白之间的不同影调组成，而“位”则表示黑白之间影调范围的多少。位越大，黑白之间的影调就越丰富。所有的JPEG格式文件都是8位图像文件，因此在黑白之间只包含256级影调变化。而RAW格式文件大多为12位或14位，在黑白之间至少包含4096级影调变化。普遍观点认为，想表达柔和、自然的画面至少需要250级左右的影调，所以包含256级影调变化的8位图像文件能满足大多数情况下的需要。 但是当我们在Photoshop中使用色阶或曲线命令对照片进行调整时，问题就出现了。这类命令会压缩或扩展照片的影调范围，导致图像直方图中间出现断裂，就像上一页所展示的那样。此时画面中就会出现色带、色块等的瑕疵。在天空等影调过渡平滑的区域这种现象尤为明显。RAW文件从一开始就为我们提供了更加丰富的影调，即便进行更加极端的操作也不会出现上述的类似问题。这在修复曝光不准的照片时也尤为明显，即便是大幅度调节曝光，照片上也能保留细腻的纹理。 Photoshop不能直接编辑12位或14位文件，大多数RAW编辑或转换软件在将RAW输出为其他通用图像格式时均提供了8位和16位两种选择。 2. RAW格式的转换 这个过程虽然简短，但能为你带来极大的便利。我应该使用什么软件打开和编辑我的RAW文件？ 可供选择的RAW转换软件数不胜数，哪个最合适取决于你的拍片数量、作品内容和后期处理的程度。 绝大部分数码相机为用户提供了专供该相机使用的RAW转换软件，我们能以此作为学习RAW处理的起点。不过这类软件大多存在效率低下、技术过时、功能有限的缺点。 如果需要对RAW文件进行高光、阴影还原等更为专业的调整，那么就应该选择Adobe Camera Raw（ACR）这样的专业处理软件。ACR是Photoshop CS系列中的一款集成转换软件，提供了非常丰富的调整选项，使用得当甚至能取代Photoshop的地位，你可以在ACR中完成大部分照片处理工作。 目前最新的ACR 6.x提供的污点去除工具和Photoshop中的修复画笔工具类似，能用来移除画面中的感光器污渍等瑕疵；而HSL/灰度中的黑白照片转换功能，比Photoshop中黑白转换功能还要强大。虽然其他版本较老的ACR并不如新版那么强大，但凭借其功能和易用性依旧是一款适合大多数摄影爱好者使用的RAW转换软件。 如果你经常需要处理大批量的RAW图像文件，那么也可以考虑Adobe Photoshop Lightroom、Apple Aperture或Capture One Express/Pro 6等专业RAW处理软件。和Adobe Camera Raw及相机制造商出品的原厂软件相比，这类软件在强大与丰富的功能之外，还提供了更为灵活易用的工作流程。如果你已经习惯了Photoshop的界面与功能，那么Lightroom无疑是三者之中最容易上手的一款软件，基本上它就是工作流程改进之后的Adobe Camera Raw。     […]