在大概1年前多前的时候，我发现自己在风光摄影上处于一个很微妙的过渡期。之前，我一直在北美这个被誉为风光摄影师的“乐园”拍摄了很长一段时间，去了不少地方。同时，我花了大量时间去实践和掌握不少摄影前后期的技术技巧。渐渐地，我感觉到自己拍摄的片子和风格等等达到一个需要做出些改变的时候。当然，目前我还在不断摸索和改变，这个过程仍然持续中。在这篇文章中也稍微回顾一下过去2017年拍摄过的作品。 Above All Else 拍摄风光几年到现在，我不再刻意地追求单纯美丽的日出日落。没错，漂亮的日出日落风光图片的确能给予观众美的享受，但更深一层的是这张图片是否具备某种意义？换句话说，这张图片能否传达给观众拍摄者想要表达的感觉以及意义？如果没有，那么这张图片充其量只是一个“花瓶”。也许有朋友会说风光片不都是“花瓶”么？我不这么认为，一张风光片如果能表达出作者对所到景色的感觉、情绪等，并且能引起观众的共鸣，以及感受到作者所想表达的感觉和情绪，那这张片子就不是“花瓶”，它已具备了含义。 Wuthering 在过去的这一年多期间，我花了不少时间在西藏藏东南探索拍摄。对我来说，这不仅是一个探索新拍摄点的历程，同时也是一个自我探索的过程。在这个过程中，我也开展了个人长期拍摄专题计划Mountains’ Portraits(山之肖像)，通过这个计划我在寻找山峰原始、纯粹和独特的一面，并没有任何前中后景去“装饰”山峰，同时我也希望能让观众感受到个人拍摄时的情绪和感觉。以下为部分此专题的作品。 Shark’s Fin 这一年多期间，我在西藏拍摄的时候更多地使用长焦镜头，有意地用少一些广角镜头。对于广角镜头的使用，我格外的谨慎，如果没有碰到自己喜欢的广角场景，和我想要表达的感觉，就算有好的光线、好的日出日落天空，我也宁愿不拍。对于利用长焦镜头来展现风光，我还在不断试验和探索中，山之肖像计划是我一个还在不断摸索中的实验品。 Fortress The Spear Into the Dream Stand in Storm Spiritualization 在这场自我探索的过程中，我尝试总结了以下5点。我希望能为寻求改变，寻求拍摄属于自己的风光作品的你带来一些帮助。 1.追寻和探索原创 相信不少朋友可能已经听了不下万次了。拍摄不一样的、独特的、新的东西。可以去一个新的、没有人拍过的地点；也可以是很多人拍过的地点，但是用新的视角拍摄、不一样的后期处理图片氛围。艺术是具有创造性的，复制别人拍过的视角和后期氛围对于新手来说的确是很好的练习和学习机会，但对于想要追求自己内在艺术潜能的你，这可能就叫“克隆”了。我们每一个人都是独特的，成长在不同的时代、生活和家庭环境，对不同事物和景观都有不同看法和感觉。只要能反映出自身内在对事物景观的感觉，那么这张图片就具有原创性。通过镜头展现你的视角、你的世界，这很重要。摄影艺术的魅力是因为其独特性，所有人都拍一样的东西，自然便失去其魅力。 Icebound Window 西藏藏东南的确有其独特的魅力，17年3月份，我从冬天大雪，春天桃花开放，到夏天温带雨林都看到了。可以说3个星期就经历了冬春夏三季。这是一张对我而言独特的片子，也是我第一次拍摄到冰锥和冰川雪山互相呼应的片子。 The Path to Green Haven 2017年3月，在西藏海拔2000多米的山谷中徒步的时候，发现一片长满苔藓独特的温带雨林。这片森林让我知道了西藏地貌的多样性，不单单是只有松树冷杉林、灌木丛、石头和雪山。而森林也是风光摄影中最难拍摄的一个题材，我利用了溪流作为引导，简化了整个复杂的场景，而这张仍是我目前拍摄过的最喜欢的一张森林图。 2.有中心着重点 “图片能阐述一个故事。” 相信有不少朋友都听过这句话。也许有人问：“我怎么才能用图片来说一个故事？“其实任何一张好的图片都有一个中心着重点、一个主要特征，同时有不同的元素去支持这个中心着重点和主要特征。如果我们涵盖太多元素在画面中，例如景物元素太多、画面所有元素颜色过饱和，这样会导致画面没有规律和重点，这会让观众难以寻找你想要阐述一个怎样的故事。很多初学者、包括我刚初学拍摄风光的时候，碰到一个大场景、想着要囊括所有景物元素在一个画面中，这并不能告诉观众任何东西，因为画面是混乱的。这也是为什么在摄影里面构图总是放在第一位的原因。构图决定了一张图片的中心着重点和主要特征，以及不同元素如何去支持这个中心着重点和主要特征。 Ice Wave 去年17年秋天在西藏藏东南探索拍摄点时候，我在这个冰川湖上划艇，我利用了这像波浪一般的冰前景来重现我在艇上看到的景观和感受，同时留有部分湖面和湖上的其他冰块。而这个冰前景支持了背景重要元素以及中心着重点：雪山和冰川湖环境。 3.学会选择光线 其实在户外拍摄风光的时候，任何时候都会有不同的光线影响景物，有时候强，有时候弱，光线总以不同程度影响景物。作为摄影师，除了选择好构图外，第二要做的就是选择光线，选择最适合你要拍的这张片子的光线，能体现你所要表达的感觉的光线。没错，我们控制不了大自然的光线，但是我们可以选择用适合的光线去阐述这个图片的故事。要确保光线增强图片中的中心着重点还有你想要表达的感觉，并且能引导观众看到中心着重点。出门一趟不容易，去一个打动你的地方拍摄可能更不容易。所以，允许自己有足够时间去等待适合的光线，又或者保持开放的态度，随机应变，对时刻变化的光线做出快速反应。有很多时候，我个人最满意的作品的光线只存在短短2、3分钟甚至更短，有很多时候甚至并不是相机在三脚架上架好拍摄。 Fullfill the Dream 这是藏东南一个偏僻的角落，拥有少人看到的美景。这是这区域今年的第一场雪，经过一晚的下雪，所有景物都变得洁白无暇。早上云雾渐渐散开，日出的阳光照射到山峰上，十分梦幻。这张片子的光线转眼即逝，当群峰在云雾中稍微露头的时候，我便马上拿起相机去找寻适合的视角拍摄。拍完1，2分钟，马上云雾又堆积起来遮盖了部分山峰。4.去打动你的地方旅行我们生活的世界是多姿多彩的，每个人都有自己心目中梦想要去的地方和季节。这个地方不一定是远在天边，也可以就在家的附近郊外。同一个地方不同季节景观不尽相同，总会有最打动你的地方。忽略那些摄影热门地和被千百万个人拍摄过的地方，去寻找和拍摄打动你的地方和细节。有时候不一定是宏大壮观的风光场景才能打动人，也许一个简单细小的场景也能予以人享受。对于我来说，西藏是一个独特的地方，一个能打动我的地方，在这短短一年多期间，我前后去了3次，在不同季节时候去，总是能被不同景观所打动。当你对一个地方接触越深，你的个人经历和感受也能自然而然体现在作品里面，这是我这一年多期间在西藏拍摄所能体会到的。 Mountain Curve 西藏的秋色有其独特的魅力，而这个充满秋色的完美U型溪流拐弯打动了我去拍摄。这是一张11mm都囊括不下的场景，我用了总共18张15mm端，上下两排各9张拍摄的图片，后期花了不少时间半手动合成拼接以达到我想要的视觉效果。 Yearn for the Light 在西藏旅拍途中，一个长在悬崖峭壁上的小树在“拼命”渴望着一丝温暖的阳光照耀。顿时便吸引了我的注意，拍下了这张片子。5.为你自己而拍 关注你想要拍的和跟随你自己内心的声音去拍摄，这点很重要。我们身边总有着各种各样的杂音和压力围绕着我们，很简单的就是来自于图片社交网站以及其他社交群的“声音”和无形的“压力”。“这张片子没什么特点、一般般”；又或者是蜂拥而至的“赞美”；这张图片有多少多少点赞，这些都是来自外界的声音和压力。你不需要那几千几万点赞来证明一张图片是好片子，一张图片能触碰到你内心的感觉，这就是一张好片子，如果能引起其他观众共鸣，那是好上加好。如果是单纯为了追求关注度和几千几万赞，长久下去你会被其所侵蚀，你的片子自然而然失去其魅力和独特性。对于我来说，能在野外大自然探索、生活，能接触大自然本身就是我的热情来源，能把我的历程和所到之处看的景观拍摄出来分享给大家，这是额外附加的。 Trap […]

你有没有过这样的经历，当你注视着一张非常漂亮的照片时，你总会感觉到某一个地方有些不和谐，但你又无法将它指出来，那么这张照片很大程度上是出现了视觉不平衡的问题。 如果其中的一些元素不平衡，即使是好的构图也会显得不和谐。但是什么是视觉平衡，我们又如何达到视觉平衡呢？今天，我们将深入探讨它的奥秘，希望大家能对这个重要但被低估的构图元素重视起来。 视觉平衡是什么? 我们可能倾向于把视觉平衡看作是我们场景中的物理元素，但它远远不止于此。它可以由颜色、色调、位置、透视甚至概念来定义。一张视觉平衡的图像能够让人眼睛专注于主体，但同时也能注意到场景中的其他元素。这些其他元素将在视觉上对主题形成补充，而不是削弱它。视觉平衡通常是对其他构图技巧的补充，三分法则，黄金分割线以及其他构图技巧都需要达到视觉平衡。 对称与非对称 这是视觉平衡的两大支柱。对称，我们知道是一个很好的构图工具，但是如果两个部分的其中一个元素视觉重量比另一个更大，那么构图就失去了效果。一个典型的视觉平衡对称的例子就是倒影在湖中的风景。湖岸处于图像中的水平中心位置，我们就得到了一个对称平衡的图像。 非对称是我们使用次要物体来平衡主体。例如，在布达佩斯的链桥上，主体是桥，但却不把桥放在中间，左边的建筑群在视觉上抵消了将主体放在右边的不对称。背景中的漂亮建筑使它在视觉上达到了平衡，并且在不影响主体的情况下提高了拍摄的效果。 物理平衡 这也许是最常见的视觉平衡形式，它要求我们把场景中的物理元素结合在一起。在比利时根特拍摄的这张照片里，主体是运河沿岸的城市风光。为了达到平衡，不仅有桥栏杆入了镜，而且左边还有自行车。这两种元素都增强了主体，而不是削弱了它。如果自行车不在那里，整个图像就会感觉不平衡，左边有更多的视觉重量。 在格陵兰冰山的这张照片里，小冰山在视觉上比大冰山更吸引人。为了达到一个良好的视觉平衡，我尽量接近小的冰山，而把大的放在背景里。更小的冰山显然是这里的主体，而背景中更大的、不那么重要的冰山则变成了主体的辅助。 The blue icebergs of Narsusuaq Fjord in Greenland 色彩平衡 我们还可以用颜色来平衡我们的图像。一种方法是使用原色来相互对比，就像这张挪威的谷仓的照片。我们用两种主要的颜色：红色和绿色，来创造视觉平衡。更柔和的绿色色调覆盖了大部分的图像，但却突出了谷仓的红色，引起了我们的注意。 Traditional Norwegian Barn near Ulvik in Norway 除了主色调，或二级色，我们还可以使用类似的颜色来平衡图像。在奥德萨庭院里的一辆旧汽车的照片中，这个主体被黄色的树叶和周围建筑的柔和色彩所补充和平衡。 光影 另一个我们可以努力平衡图像的地方是使用光和影。在这张照片里，岩石投下的阴影不仅创造了线条，还创造了一种视觉平衡，在黑暗、空荡的海水和浅浅的阴影之间，引导我们看到小船。并且这张照片也达到了对称与不对称的结合。我们可以使用阴影来减少我们镜头中的视觉元素的重要性，同时我们也可以用光来突出它们。 概念平衡 概念上的视觉平衡可能是一件很难理解的事情，但也许最明显的例子是旧与新、传统与现代。在这个例子中，有两个概念上的平衡。古老的圣保罗大教堂倒映在现代办公大楼的玻璃上，而这棵树与人造的有机玻璃形成了对比。在生活中有很多概念平衡的例子，一旦你寻找到规律，你就会在任何地方看到它们。 视觉平衡是我们摄影作品的重要组成部分，但经常被忽视。一些摄影师可以通过取景器看到图像是否平衡。但对另一些人来说，这需要时间和不断的练习。下一次拍摄的时候，你可以回想一下这篇文章，检查一下自己的作品有没有达到视觉平衡。

曾经的我执迷于黄金分割、引导线、层次法等等五花八门的构图法则长达5年之久。以至于偶然间意识到摄影构图的核心技巧时，我是如此的震惊。因为构图的核心真的是如此简单。简单到大部分人都知道，却又不以为然的在实际应用时忽视掉它。从而陷入各种构图套路和技法的泥潭之中。 1、摄影构图的核心技巧 托马斯以前在微博询问了大家常用的构图技巧，从300多份回答中，我把各种技巧名称按提及次数排列如下： 三分法（井字构图、黄金分割）、居中构图（对称）、引导线（延长线、汇聚线）、对角线（X线构图）、画框、减法原则、对比构图、平衡法则（和谐）、层次构图（前中后景）、三角形构图、透视（比例）。三分法毫无压力的占据了答案的80%以上，其次各种摄影书籍中常常提及的引导线、画框、减法等等也多次出现。 只有几个回答很有意思： “构图技巧有好多，斜线，井字，对比，三角等，但我觉得拍之前脑子里先预想一下最终的效果最重要。而不是到了现场拿起相机直接各种拍。” “构图技巧最重要的那条是，并且始终是，去掉画面中与主题无关的因素” “我觉得有一句话说得蛮好：突出重点。反复在取景器中转换构图直到你所要表达的重点最突出就是不错的构图。” 摄影构图的核心技巧真的很简单，简单到大部分人都早已知道却选择忽视的地步：摄影构图的核心技巧就是先思考并确认照片的主体，或者是想要表达的主题。真的，很多人甚至看到上面这句话的时候任然会不以为然。但当我换一种说法的时候，包括托马斯自己在内都会不觉大吃一惊，后背流汗：大多数人构图失败的原因，不是因为不懂三分法、对称法，而是因为他们从来没有思考过照片的主体、表达的主题是什么。只是凭感觉，碰运气，或者简单的套上各种条条框框的构图技巧来构图。 托马斯自己也常常在这样的不知不觉中按下了快门，根本没有想过自己要突出的主体是什么，能表达的主题是什么，最后想得到的效果是什么。（如果你融会贯通一下，甚至可以发现另外一个惊人的事实：大多数人后期不好的原因，不是因为不会Lightroom、PS、美图秀秀，而是因为他们从来没有思考过照片最后要调成什么样子！） 明白的摄影构图的核心原则，我们还可以发现很多流传很广，但并不严谨的说法。 错误说法1：摄影是一个做减法的艺术。 修正：摄影既是减法，又是加法。其核心就在于我们要突出的主体和要表达的主题是什么。会干扰主体、不符合主题的元素，我们要把他们从画面中减掉。能衬托主体、有利于主题表达的元素，我们反而要把他们加到画面之中。 错误说法2：不要把拍摄的物体放在相机画面正中央，而是要放在照片的三分之一处。 修正：到底使用哪种几何构图形式，关键还是看我们的主体和主题。三分构图法（井字构图、黄金分割构图）适用于比较自然、轻松的场景。而中央构图法，适用于主体过大、严肃庄重、天然对称等场景。 重要的事情再强调一次：大多数人构图失败的原因，不是因为不懂三分法、对称法，而是因为他们从来没有思考过照片的主体、表达的主题是什么！ 2、摄影既是减法，又是加法 一旦我们理解了，摄影构图的核心是确认主体和主题，我们自然而然的就明白了照片中该加上什么，该减去什么： 有助于突出主体，表达主题的元素，我们可以加到画面中。和主体、主题无关，甚至会干扰到他们的，我们要从画面中减去。同样一个场景，我们只要变换一下主体或者主题，我们在构图上也需要做出改变。 比如下面这个场景： 如果我们的主体是雪山，主题是想表达世界第三高峰-干城章嘉峰的雄壮威严。那么上一幅图无疑构图元素取得太多了，前景的草地不仅没有衬托出雪山的壮丽，反而占据了大量构图空间，让雪山显得很小。 因此需要做减法，减去无关的前景草地和中景云海，把构图改成下面这样。 那么要不要继续做减法，人也不要了，只给雪山一个特写呢？ 像下图这样，雪山占据了画面的更多空间，但反而觉得没有上图壮阔了。这是因为我们把能和雪山呼应的，衬托出雪山宏大的人物也给减掉了。 所以摄影中的减法，并不是简单的把除了主体外的东西都统统去掉。我们只需要去掉不能衬托主体、表达主题的元素。而和主体、主题相关的元素，我们要保留在画面中，决不能简单的减去。 上面的构图，我的主题是想突出世界第三高峰的雄壮，所以需要做减法。 但是如果我改变一下主题，照片的主题是想表达当时的宏伟风光。那么我不仅不需要做减法，反而需要做加法，用全景构图的方式，把更多的元素给加进来。 下面的构图中，雪山显得更小了，但是不要紧。因为我不是想突出雪山的宏伟，而是需要表现整个日落场景的壮阔。所以草地、人、雪山、云海以及太阳，我都不放过，全部放进了构图中。 同样要注意的是，加法也不是毫无规则，什么都可以加进来的。只有能表达自然壮美的元素，比如云海、夕阳等等我才能加上去。如果有特别破坏气氛的元素，比如电线杆、发射塔等等，我们是决不能把它们给取进画面的。 通过上面的例子，我们还能总结出一个道理。 没有最好的构图，只有最适合你的主体或者主题的构图。 同一个场景，你想突出的主体，或者表达的主题不一样，那么构图也应该相应调整。下面三张丽江黑龙潭拍摄的照片，因为想突出的兴趣点不同，构图也完全不一样。 如果我只是想突出玉龙雪山日照金山的壮丽景象，那么下面这张局部特写无疑是最好的，没有其他元素的干扰，读者的视线被金色雪山牢牢吸引。 如果我想加入一些表现地理和环境的信息，表现这是中国的、东方的雪山，就可以多取入一个中式楼阁，作为衬托。 如果我是想表现整个丽江黑龙潭湖光山色的美景，那么继续取入黑龙潭的倒影、雾气、小桥等等，都是符合我想突出的主题的。 总而言之，没有最好的构图，只有最适合你的主体或者主题的构图。 3、举一反三，融会贯通 多年来，在对数千名纽约摄影学院学员的教学中，我们体会到所谓的构图法则，只能使学生困惑不解。照片的成败与这些法则关系不大。而所有摄影家一致认可的唯一规则却是“一切法则都注定要被突破”!《纽约摄影学院教材》 一切的构图法则，三分法、引导线、居中对称等等，甚至“一切法则都注定要被突破”这句话，都是为了照片的主体和主题服务的，一旦我们理解了，摄影构图的核心是确认主体和主题，我们自然而然的就明白了什么时候该用三分法，什么时候该用居中法，什么时候又需要另辟蹊径。 比如三分法（把物体放在照片的三分之一处，而不是正中间）是大家最熟悉的构图技巧。三分法最好用的原因是主体放正中间会比较严肃死板，主体放在过于靠边的位置又不容易让画面平衡，而三分之一附近的位置一般恰到好处。 三分法是为主体服务的，它可以让主体不太死板的同时保证画面的平衡。理解了这点，你也许可以想象到有的情况，三分法是反而不如居中对称构图的。 第一种情况是主体和主题本来就比较严肃、正经，比如教堂、皇宫、会议，那么中心对称的构图方法就更加适合了。（你也可以思考一下，为什么旅行人像大部分不会把人物放中间，而证件照、职业照却几乎把人放在正中？） 第二种情况，是主体本身比较大，即使放在三分之一的位置也会让画面失去平衡。 主体占据大片画面，又没有其他物体来平衡画面，就只能把主体放在中间附近的位置了。 还有一种情况是主体天然对称，比如倒影。这时用对称构图来表达也是更加合适。 不光是三分法和居中对称，引导线、框构图、层次构图等等，都是为了主体和主题服务的。抓住主体和主题这个中心，我们可以举一反三的理解和应用各种构图技法。 理解了无论哪种构图法则，都是为了主体和主题服务的。那么我们就可以根据主体的特点，分析出哪种构图法则更加适合，甚至打破常规，另辟蹊径。 总结 1. 大多数人构图失败的原因，不是因为不懂三分法、对称法，而是因为他们从来没有思考过照片的主体、表达的主题是什么。只是凭感觉，碰运气，或者简单的套上各种条条框框的构图技巧来构图。 2. 摄影既是减法，又是加法。其核心就在于我们要突出的主体和要表达的主题是什么。会干扰主体、不符合主题的元素，我们要把他们从画面中减掉。能衬托主体、有利于主题表达的元素，我们反而要把他们加到画面之中。 3. 一切的构图法则，三分法、引导线、居中对称等等，甚至“一切法则都注定要被突破”这句话，都是为了照片的主体和主题服务的。 抓住照片的主体和主题，融会贯通，举一反三，你会发现摄影构图真的很简单！

几何和对称听起来好像和摄影没什么关系，而更像是数学课堂上学的内容，小时候学习数学的时候，可能很多同学代数成绩一般般，但是几何成绩非常好。 相比代数的抽象，几何可以很直观的表现出数学之美。是的，有规律的几何永远都是美的根源。 尤其是对称，对称是美学的基础。在摄影中，无序可能可以创造出美感，但是却是对拍摄者美学功底的极大考验，况且并不存在真正的无序，任何内容都是靠有限的或无限的规律所连接，即使是那些看似无需的画面，也需要寻找一定的规律才能更好的去阅读。最简单的创造美，拍出让别人第一眼看到就觉得很舒服的画面，那就当属几何对称的画面了。 这里的对称可以指狭义的镜像，也可以指广义的对比，通过某种方式，让画面中的元素呈现一种对比上的对称，这里的元素，可以指情绪，可以指光影，可以指形状或者颜色或者其他。 我们先来说一说狭义的对称，利用几何对称来拍摄的内容。 在城市环境中，这样的对称并不少见，尤其在建筑物中，广泛的用到了重复，而对称则存在于这些无限的重复之中。 正像是建筑物会广泛使用的几何形状那样，无论是方形、三角形还是圆形，我们都能轻易的从中寻找一个中心点使之左右扩散。 当然我们也可以不用局限于物理上的对称，明暗同样也可以包含几何形状以及对称性。 在想要拍摄这些对称画面之前，对于我们来说，首先需要学习如何去观察，在生活中寻找那些平时经常会被我们所忽略的对称美学。 在发现对称元素之后，你需要站在中心位置之前，千万不要偏离中心线，否则你拍下来的画面会因为透视关系使对称不复存在。 虽然说能在后期中矫正透视关系，但是后期能做的也只是对镜头畸变的微调，在前期我们应该尽量的拍好，前期能做好的事，千万不要留给后期，好在现在很多相机都会内置水平仪，我们可以很清楚的看到我们的画面是否水平对称。 除了建筑物所表现出来的物理性质的左右对称以外，我们还可以通过水面来拍摄上下对称的画面，这里的对称就不是元素的镜像对称了，而是分界线的对比对称，在水面和地面相接之处，总会存在一条分界线，我们将此界限作为对称中心，拍摄上下分离的画面。 这样的拍摄简单之处在于我们可以很轻易的找到水平线，在画面分割上，使用中心对称，一半对一半，或者三分构图，1/3 天或者 2/3 天由你来决定。 虽然拍摄这种水面的画面看似上下构图，而且单纯的水面画面可能也不够吸引眼球，我们可以通过利用对面的一个中心元素，或建筑，或自然景观来同样创造一个左右对称的画面。来人为的创造一种视觉平衡。 通常在拍摄几何或对称的画面的同时，引导线的问题也会相应的得到解决，我们可以很容易的在画面中找到引导线来指导我们观看图像的顺序，这里的引导线可以是中心线亦可以是分界线。 如果你觉得简单的分割画面还是不够醒目，不够生动，可以尝试在中心线之外的重心点——通常是三分点——处，添加一个主体，打破画面的平衡，同样可以让图像更加生动有趣。 对称和几何，无论在绘画中，还是在摄影中，都是我们创造美的一个强大工具，在建筑摄影或者风景摄影中，甚至是人像摄影的背景中，利用好这一元素特性，都能够为我们所拍摄的画面加分，让我们更容易的创造出更能让观看者喜爱并接受的画面。 无论你有没有带着相机，在平时，都应该养成一个习惯，观察周围的世界，如果发现了好看的画面，下一次再带着相机来拍也不迟。

若是在摄影或者生活中遇到了瓶颈期，我的建议是去尝试一下微距摄影——或者只需将镜头贴紧去捕捉细节。 为什么谈「微距」色变？ 独眼巨人。拍摄于马赛，2017年 首先，微距摄影因为「菜鸟」（新手）玩家太多，所以名声不佳。但是我认为，摄影师能够在一生中保持创意不断的秘诀，恰恰是保持做一名「菜鸟」（新手摄影师）的感觉。 1928年，雷内·马格利特（Rene Magritte）创作的云端幻目 举个例子，在我从事街头摄影之前，我只有一台佳能 SD600 数码相机。我喜欢贴近拍摄任何微距题材——花卉、地面上的杂物或某处吸引我的细节。 然而，当我的摄影经验日渐丰满后，再去拍摄花卉或者食物就不够「严肃」了。随后，我停止拍摄这类题材。 当我不再拍摄这些幼稚的、初学者风格的照片——我发现原本天真的好奇心也随着消散了。 作为新手摄影师的良多趣味 家中的奶酪刨丝器。拍摄于马赛。2017年 现在，我又回归到了「菜鸟」摄影风格，全心全意地享受摄影带给我的乐趣。无论任何题材，我都选择放飞自我、肆意创作。事实上，我非常喜欢拍摄食物——尽管有时候会被其他「严肃风格」的摄影师所嘲笑。 毫厘之间，探寻真美 与蓝色和红色相伴的灯泡。拍摄于马赛，2017年 好吧，让我们回归到微距摄影本身：拍摄事物的细节本身就已经乐趣非凡了。这能让我们在毫厘之间、探寻真美。 辛迪与面旁的蓝色蜡烛。拍摄于马赛。2017年 我使用理光 GR II 的微距模式配合机顶弹出式闪光灯，拍摄微距照片。我非常喜欢微距摄影，因为我可以记录下任何有趣的事物——地面上的垃圾杂物、墙面上的纹理甚至我的食物。 玩转微距摄影的七个秘籍 一、干净整洁的构图背景以及边缘结构 纽约 CULTURE ESPRESSO 创作微距摄影的时候，要留心构图的边缘结构，同时要保证背景的简单整洁。这样才能让观察者的注意力集中在主体上。 二、使用闪光灯 卡利斯特猫眼睛。使用微距模式拍摄。拍摄于马赛，2017年 在创作微距摄影的时候，一定使用相机的自带闪光灯。如果没有自带闪光灯，就使用一只小型的闪光灯代替。 使用闪光灯的乐趣：将你所拍摄的一切都转化为全新的事物——更加特殊、超现实。 可以通过荒木经惟（Araki）的花卉微距摄影寻找创意（他的作品看起来像生殖器官）；还有马丁·帕尔（Martin Parr）出版的《常识》一书，他赋予食物和其他英伦事物以全新的感觉。 三、不要一味追求拍摄美照 小便池和红色滤网 对我而言，我更喜欢拍摄有趣的（不容易让人感到厌倦）照片，而不是看起来美美的照片。 微距拍摄土豆烧牛肉。布拉格，2017年 这意味着，当我创作微距摄影的时候，主题看起来会比较粗糙。我拍摄的食物看起来就有点粗糙。除此以外，还有我拍摄的小便池。恩，是的，这看起来也有点粗糙。 咖喱多味腊肠。布拉格，2017年 四、短暂地停留，真正用心地去观察 抽象的矮个子男人。马赛，2017年 对我而言，微距摄影的真谛就是短暂地停留，真正用心地去观察——然后近距离地检验。这意味着，当你看向大衣的时候，停下来，用心去真正的观察。 粉色的厕纸。马赛，2017年 我们已经习惯了像衣架、灯泡和咖啡杯这样的日常物品，已经很难从形状和形式上发现其内在美。 爱德华·韦斯顿（Edward Weston）拍摄的卫生间。 韦斯顿用了两周的时间，从不同的角度研究和拍摄了普通的卫生洁具。上图这个版本，他没有使用三脚架，只是将他的 8×10 英寸的 Seneca 像机放在地板上，镜头向上拍摄，却获得了令人惊喜的效果，同时让主题更加具有纪念意义。他这样写道：「轮廓细腻，边界清晰，同时具有很好的倾向性。」这让韦斯顿想起了萨莫色雷斯的胜利（Victory of Samothrace）。 所以微距摄影可以很好地帮助我们将节奏慢下来，短暂地停留，用心地思考，真正发现表象背后的真实。 […]

剪影照片拥有着难以估测的视觉吸引力， 把戏剧感、神秘感和乐趣糅合在一起，强调主题的形状，让其在构图中创造强烈的焦点。 这看起来很酷炫。事实上，用手机去捕捉这些图像很容易。在本次教程中，你可以看到如何才能用手机拍出精彩的剪影照片。 明确什么是剪影 剪影是指只拍摄人、物体或其他场景外形轮廓效果的照片。大多数情况下主体是黑色的，通过轮廓去认出。但这不是固定的标准。只要你拍摄的对象在较量的背景下显得较暗，那就可以得到了剪影。有时候你也可以创作局部剪影，这便是剪影的奇妙之处，如服装图案、面部轮廓特征等。 这取决于你希望得到一个怎样的剪影。 怎样才是一个好的剪影主题？ 关于拍摄剪影，有许多主题可以选择，但也需要适当地做出选择。拍摄剪影意味着需要放弃被摄主体的细节，被摄对象相对简单，轮廓分明，容易识别，同时与外界环境截然不同，有充分的辨识度。 你可以去考虑自然界的任何物体，树木、树叶、动物等。如果你所在的城市拥有好看的建筑时，即使是使用天际线也会有很好的轮廓。只要其形状出色，任何东西都可以成为剪影摄影的好题材，只要有创造性和实验性，不要担心或者害怕去做新的尝试。 如何创造剪影 通常我们会想到拍摄一个光线饱满的主题。然而，当拍摄剪影的时候，需要逆光，即光线需要在拍摄主体的背后，而不是从前面照亮拍摄主题。同时在光源与拍摄对象这件，最好没有遮挡物，避免剪影轮廓遭到破坏。 把你的镜头准备好，在取景器内选好构图框架，以照片中最亮的部分为测光点，通过曝光最亮的地方，那么其他区域例如前景或主体就会显得相对较暗，这时候剪影就出来了。但如果希望得到更加明显的轮廓效果，可以通过手动降低曝光而实现。 同时，你要记住肉眼所看到的并不是相机所拍摄到的。 使用简单的背景 剪影的构图需要突出被摄主体的分明轮廓，空间立体感相对较弱，因此需要降低其他杂乱元素对画面的影像，因此要确保拍摄背景尽可能的简洁化。 为了达到这个目的，有时候需要从低视角，以取景得到更多的纯净的天空为背景。大多数时候你需要以尽可能低的角度，才能得到一张最好的照片。 室外拍摄：以阳光为光源 在室外拍摄剪影最好的时间是在日出或者日落时的黄金时刻，这个时候的阳光柔和，是最佳拍摄光源。 有时候太阳可以作为摄影主体或者摄影道具使用，作为画面中的一个元素，会带来一些令人惊叹的神奇效果。 甚至，也可以使用太阳光斑来增强拍摄对象的形象，有时候操作上略难。但当你做到的时候，会发现充满趣味。试着从不同的角度去利用太阳光斑，使它让画面更加形象化，而不是破坏了主题的完整。 同时，拍摄剪影也是街头摄影的重要手法，在室外可以通过剪影更增添街头趣味。 室内拍摄：善用灯光 在室内拍摄剪影的时候，若使用太阳作为光源，可以通过相同的方式来完美地捕捉。如果使用其他光源，那你只需要在其中找到一个强大的光源，例如一盏灯。 把你的拍摄对象放置在灯光前面进行取景，这一种方式充满戏剧性和神秘感，可以引起观者的想象。同时通过足够的练习，你甚至可以尝试去拍摄一个人的轮廓或者整个身体被光芒包围。 当然任何光源都可以成为拍摄的灵感，如室内柔和灯光、舞台灯都可以成为形成绝佳剪影的光源。只要你用心发现，就能从点滴生活中挖掘到许多用剪影记录瞬间和创造神秘感的机会。 注意视角和多个元素重叠 若有多个被摄主体的时候，多个元素之间的互动容易造成轮廓重叠，若重叠部分过多，则会破坏轮廓的完整性和美感，同时增加了厚重感，更让人看不清拍摄的主体到底是什么。因此，在拍摄的时候，需要力求各个对象从个体角度来说，也是轮廓分明、清晰可见的。

摄影是一门艺术，这当然没有错。但是任何艺术都是以技术为前提的，不要以为那些艺术家们看似随意的创作就真的很随意了，随意的前提也是在掌握的基础上融会贯通的，没有技术的积淀就很难达到完美的艺术。 因此积累非常重要。 如何学习摄影？可能每个人都有自己不同的方式，这主要要取决于你个人的学习风格以及如何接受新的信息。当然，对于技术来说，不断的练习是必须的，就像我在《记得每天都要拍照啊》里面说的那样。 Photo by Esmee Holdijk on Unsplash 当然，没有相机就不能拍照，摄影永远都是一门借助工具来创作的艺术，但是工具永远只是工具，不能忽视更不能抬得过高。我们需要的永远都不是那台最贵的相机，而是最适合自己的相机。 如何找到适合自己的相机？千万不要去听别人说的，也不要轻易去找别人推荐，大部分人都带有不可避免的主观心理，他们会推荐给你他们认为好的或者适合他们的相机，而可能并不是你真正想要的。你需要自己来做功课，了解各种类型的相机以及各种不同的焦段所适合拍摄的主题。 Photo by adrian on Unsplash 譬如说如果你想要拍摄街头，那么你需要的可能只是一台 Compact Camera；如果你想要拍摄人像，那么你就要考虑一支中长焦的大光圈镜头，再进一步可能还需要考虑灯光的扩展；如果你想要拍摄野生摄影或者运动摄影，那就必须要一台连拍性能出众的机身以及一支素质不错的长焦镜头了。 不会有任何相机适合所有主题，能适合的主题越多可能就代表素质越一般。单反（或者高端无反）之所以专业并不是因为外形唬人，而是因为镜头的扩展性，而不同焦段的镜头，则用来应对不同的主题。 所以最重要的，是根据自己习惯的主题去选择适合自己的相机。 Photo by Sirotorn Sumpunkulpak on Unsplash 要拍好就需要多拍，这句话永远都不会错，我们应该将拍照变成我们的习惯，看到喜欢的画面就拍下来吧。好在现在能够拍照的设备到处都是，手机也能拍出不错的画面。 你拍的照片越多，你看待画面的感觉就会越敏锐，就越容易分辨什么样的画面比较好，什么样的画面不容易拍出来。 Photo by Angelina Litvin on Unsplash 对于初学者来说，生活中的画面永远都是学习摄影的最好方法。一上来就拍摄人像拍摄运动拍摄街头可能会比较困难，我们不知道怎么构图不知道什么样的焦段适合此刻的画面，更别说用最快的速度来抓住瞬间这样的肌肉反应了。 但是生活场景中的静物就没那么复杂了，或者是一些小物件，或者生活中的一些简单场景，甚至是平常经常会路过的街道，都可以作为我们日常练习的一部分。 相对于那些不断运动中的画面，静止的画面让我们有丰富的时间可以根据自己的喜好来组合和重构图像，我们也可以用不同的焦段拍摄来感受其中带来的差异。 虽然说不应该总是拍摄这些静物，但是在初学阶段显然可以帮助我们更好的开始，更好的去理解影像。随着我们拍摄的越多，对影像的理解越透彻，就应该去尝试一下更多不同的类型和题材，帮助我们去适应不同的情况。 Photo by Mia Domenico on Unsplash 同样也不要总是窝在自己舒适的角落里，在产生惰性的同时也会丧失对身边的一切的新鲜感，也会丧失对摄影的热情。 趁着放假出去走走，都不用走太远，去城市里你从未去过的角落，记得带着相机，也不要给自己太多的压力，不要期望自己能拍出什么惊天动地的好照片，就抱着随便走走的心态，去观察去发现那些自己从未注意过的世界，拍下自己想要记录的瞬间，一定会有不错的收获。

出门在外，大家都有个共同的心愿：捕捉美丽的景色，然后发个精致的朋友圈！或者你喜欢宅在家里，没关系，一样也可以！因为今天我为大家带来了有关风光和静物的手机摄影小秘籍，小本本准备好了吗！ 首先是风光篇： ①日落 提到“温柔”这一概念，日落前的太阳大概是我头脑中第一时间蹦出的意象，尤其是在多云的季节，云朵被晕染成不同的颜色，时而被镶上金边，时而被涂成淡淡的粉紫色，似乎每一天的落日都不尽相同，但却一样美妙，都是拍摄的好时机。 为了突出霞光的感觉，可以选择冷调滤镜进行拍摄，这样可以更好地表现透过云层射出的光线。拍摄时，可以通过降低曝光补偿，使得画面的色彩饱和度提高，从而让画面呈现出更加鲜艳的色彩，层次也会更加丰富。在逆光下拍摄日落景象时，由于光比较大，非常适合拍摄剪影效果的画面，这种表现方式不仅可以增加画面的美感，还可以营造出日暮静谧的气氛。如果照片偏灰，可适当减少曝光补偿，使剪影呈纯黑调，还可调节画面的色彩使之更加浓郁。 ②雨天 下雨天，可以选择在夜间灯火璀璨的时候再拍摄，灯光透过玻璃上的水汽和水珠呈现出朦胧的美感，晶莹的雨点可以将画面晕染成了一幅油画。这个方法和拍摄细节的方法大同小异，利用手机微距对焦的优势，透过玻璃窗上的水珠捕捉朦胧的城市景象可以使画面更富意境。还可以利用车窗拍照，寻找有雨滴划过的地方，对准车窗外面有光源的位置，例如路灯、建筑物的灯光等。 雨天拍摄的乐趣是在其他天气里感受不到的。由于雨天的地面都被雨水打湿了，如果是大理石的地面，会出现明显的反光，把镜头对向反光的地面也是不错的选择。如果地面不是很光滑，小水洼也可以。换个角度，翻转世界，表现不一样的雨景。 ③线条 手机摄影中，拍摄道路和建筑线条的作品占了很大一部分，道路的延伸感使平面变得立体起来，画面也变得具有故事感和意境。不仅是道路和建筑，树的线条也是我常常取景的对象。 我一直很喜欢北方冬天的树，淡然有致，却不乏张力。冬树束生涩，有情有意。采用紧凑型构图，让树木占满整个画面，也是非常具有视觉冲击力的！ ④窗户 从窗户向外拍摄的风景很像是一幅画，打破常规画面，形成画中画的效果。这样可令画面更有层次和趣味性。不仅是真正的窗子，也可以是手中的窗子——相机的取景器。 ⑤拍摄全景 全景有一定的“留白”作用，可以赋予画面更深远的意境。需要注意的是，拍摄大场景构图时人物的比例都相对较小，空间环境要“干净”，色调、元素尽量统一，以便于突出主体。 然后就是静物篇： ①色彩 大多数手机都没有大光圈，可以使画面通过虚化得到一个突出的主体，手机摄影得到的画面通常都是较为平实的。而色彩是能直接吸引人眼球的因素。可以在一张照片中捕捉单一颜色，或将同一色系的小物件搭配在一起，这样的画面简明统一且非常具有视觉冲击力。我们也可以拍摄九张以同色系颜色为主题的照片，在“九宫格”中进行展示，也别有一番趣味。 ②摆放 静物的拍摄实际上我们可以通过摆放角度的不同，来赋予画面生气。同时通过摆放方阵的不同，也能够更好地展现静物的特点，有时候还能表现拍摄者的心境。可以整齐地摆放在一起，也可以故意营造出“随意摆放”的感觉。这些都取决于你拍的是什么，和你要传达什么。 也可以单手把想拍的物件举起来，这样主体会更加突出！ ③光线 光潜伏在生活的每个角落，善于捕捉生活中的那一抹光线，增加明暗的对比，可以让画面更有层次感和温度。 ④微距 手机可以利用其微距对焦功能拍摄距离比较近的画面，展现被摄物体的质感。例如，这只阳光下的蜻蜓，透明翅膀的纹理清晰可见，而后面的花丛被虚化成色块，既有了前后景的层次感，也制造了梦幻的氛围。 好啦~看完这些小技巧，拿小本本记下来之后，就开拍吧！ 最后还想再跟大家唠叨一下，手机可以帮助我们随时随地地进行拍摄，但也不要举起手机想都没想就随意按下快门，在此之前，最好还是有所思考，构图、光线、色彩等，盲目地机械式扫射，手机里只会多出很多无用的废片。谨记随时拍但是不能随便拍！积极思考，珍惜快门，带着想法去拍摄，才能用手机拍出更好的照片。

摄影师Sreeranj Sreedhar开始他的一个摄影计划——在年内366天每天上街拍摄，而且只用手上的iPhone6手机。 Sreeranj说：萌生这个主意，主要想通过练习，把自己的摄影知识学以致用，并且尝试捕捉街头的精彩时刻。确实非常有挑战性，而是还是个不错的体验。 在这期间，他也向许多摄影师请教拍摄上的建议，加上自己的亲身总结，有20个要点，他觉得应该告诉对街拍充满热情的你—— 1、认真考虑，选定你的拍摄总体风格类型，比如，是选黑白还是彩色，专攻这种风格，把它坚持到底。 2、每月选定一个拍摄的主题（例如光影、动物等等），在这个月内只专注拍这个题材；或者在一个地点区域范围内，自由地尝试各种随机出现的题材，练习抓拍。 3、试着让自己每次出手只按一次快门。同一个时间，对同一个场景题材不进行重复拍摄，重视当下这一次快门时机。 4、「读懂」光线。看准光线和阴影的变化时刻，选中一个理想的场景，第二天在适合的时间点再拍一次，看看能否拍出更好的作品。 5、看清主体与光线的关系。通过主动走位调整光位，多数情况下，顺光比逆光更容易表现主体。 6、标记下街道上的趣味元素，比如指示牌、海报广告、图形绘画等等。记录下位置地点，之后适合的主体出现时，预判其行进的路线，你可以提前在这些背景前待命。 7、留意人们的情绪、手势、重复动作，大胆观察不用怕。 8、在拍摄中创作出你的故事。提应一句：你的照片能引起观众共鸣的其实寥寥无几。不过一旦当中某张能吸引住观众，你就已经成功。 9拍摄人像时，情绪表情再好，也别忘了同样需要好的光线来衬托。 10、如果眼前的场景够经典，即便已经被拍得烂俗老套也没所谓，尝试用更好的方法处理它（前期的拍摄角度，后期的调整方式）。 11、与街拍同好的朋友交流分享，对拍摄更有帮助，虚心听取意见。 12、至少用两种形式备份你的照片素材，如果是用手机拍摄，每星期或每月，在其他地方（电脑、网盘等）多备份一次。 13、反省拍摄方法，如果你认为对某个场景现在有更好的方法来拍摄，不妨再去拍一次，不要拍罢便算。 14、最大限度地利用好手机拍摄便捷性和隐蔽性。你可以假装正在通话中，迷惑你的拍摄目标，抓住机会，转头看屏幕按下快门，完成拍摄。 15、不要抱着获得别人称赞的心态来拍摄，以你自己为出发点。 16、不应该毫无意义地「随手拍」，每张照片都应该有它的信息量和内容形式，可以只主体神态、造型、色彩、构图等等，没有内容形式就要去创造内容形式。这对你拍摄计划会有很大提升。 17、如果你计划在一天不同的时间拍摄，不必急于边拍边发图，抓紧时间投入拍摄当中，拍摄结束后再发图。这样你才有充分的时间对照片筛选和后期调整，而不是见一张发一张。 18、拍不出感觉不要沮丧。可能开始的头几个月，你会认为自己完成不了这个拍摄计划，只要相信自己，可以把计划分解成月份阶段任务，逐个月份冲刺完成。 19、拍摄的机会无处不在，你只需要两样东西：观察和耐心。 20、最后也是最重要的一点，了解你所在地方的拍摄方面规则和禁忌，小心遵守，再挖掘拍摄创意的可能性。

静物摄影看起来很简单，但是就是因为太简单了，所以难免会落入平庸，怎么拍都觉得不对味儿，怎么拍都觉得感觉。。。没什么感觉。对于静物摄影来说，关键点就不能在于抓住瞬间了，而应该考虑我们画面中的每个元素之间的关系，然后编排它们的位置，利用基本的构图法则，给观看者以感官上的刺激，从而让观看者对你拍摄的作品在第一眼就有了好感。 说到构图法则，最基础的莫过于三分法了，只要是说到构图就不能不提三分法，因为三分法的基础是黄金分割，三分点接近图像中的黄金分割位置，因此能够给予观看者最基础的美学感受。 想要拍好三分构图很简单，很多相机中都可以添加辅助线，将图像分割成为等分的九宫格，然后将你所想要拍摄的主体放置在图像中的三分线位置上，四条三分线以及四个交叉点都是可以放置主体的好位置，我们可以根据主体的具体性质来摆放。三分线除了可以辅助摆放主体的位置以外，还可以作为画面中空间的分割，比方说墙面和桌面的分割线可以落在三分线之上。 除了使用摆放位置上单一的三分原则，我们还可以增加另外一个维度，姑且可以将之称为 L 型结构，将主体坐落于三分线之外，从垂直角度再构建一个维度，增加支撑点，同时也将画面重心平行过度，偏移到画面的另一边，从而让整体的画面平衡。 对于主体内容的选择，还有一个重要的原则就是奇数原则。说起来很简单，当我们选择主体数量的时候，最好选择奇数数量的主体。 由于对称性的关系，当主体数量为偶数的时候，我们的大脑会不自觉的将主体等分，很难形成一个明确的焦点，让观看者在相等视觉重量之下迷失而不知道应该将视线集中在哪一个主体身上。但是当主体数量为奇数的时候，观看者往往会主动将多个主体视为一个整体，然后在其中沿着拍摄者所设置的引导规则寻找重心元素，让其他元素成为整个画面中的辅助元素。 但是即使是选择奇数个主体，也要遵循优势原则，最常见的是使用三个或五个主体，当使用超过七个以上的主体的时候会让画面看起来相当拥挤，这样同样不利于突出主体。如果你的作品中含有多个主体，而又想要表现主体的话，最好的方法就是让某个主体孤立开来而不是将其平均摆放。