When taking pictures, you might have come across strange, rainbow patterns in photographs that contain a lot of fine detail. These patterns are known as “moiré” (pronounced “more-ay”) and they can cause plenty of headaches for photographers. In this article, we will take a look at what moiré is, what causes it, how you can […]

    在众多的构图技巧中，其中一项最容易和最常见的技巧便是使用「引导线」了！     好的摄影师能利用相片说故事，那么我们可以怎样利用一些小技巧来吸引读者的眼光和焦点呢？其中一个答案便是善用「引导线」。现在便让我们看看一些选择引导线和使用它来构图的技巧吧！ 引导线的好处      通常一幅好的相片，我们会有一个「有趣点」(Point of Interest)，而这个「有趣点」便是整幅相片的重心了，目的便是希望读者能看到这个东西，然后感受到摄影师想表达的故事。而一个很简单直接的方法便是建立一条「线」，引导读者的目光，因此引导线能增加相片的故事性之余又能令读者更易了解含意，一举两得。 怎样选择引导线？      故名思义，引导线就是一些有方向、用作伸延和引导的「线条」，但其实这些「线条」不一定是明显和实在的「线」，只要它组识起来有方向性，能让读者的目光从一端走到另一端便可。现实生活中也很容易找到一些引导线，例如：马路、小桥、流水、整齐排列的灯柱、光线和阴影、楼梯、颜色线条、等等…… 由此可见，其实我们身旁确实有很多题材可以用来作「引导线」的，只要细心发掘一下，你也可以看到。   利用引导线要注意的地方  (一) 把引导线作为前景      通常引导线也可以作为前景，因为前景大多数是首先吸引人看的地方，把引导线放在前景的地方，我们可以更有效的发挥其作用。 (二) 引导线要明显      很多时引导线也不是一条真实的「线条」，因此寻找角度时要留意引导线是否够明确。 总结     使用引导线为一个简单但有用的构图方法，配合其他简单构图如黄金分割、框架构图等必定令相片更多变化和富内涵，各位可以多加利用！

有时我们会遇到颜色不对的相片，例如偏黄、偏蓝的情况，这是因为相机侦测色温时所产生的问题。所谓色温(Color Temperature)，从字面解就是颜色的“温度”，所以有冷暖之分，从直觉观察，暖色调偏红黄，冷色调偏青蓝，单位就以Kelvin (K) 表示。如果你打开相机的设定选项，在白平衡 (WB) 就有调校色温的选项。然后你可能会问题，为何色温会放在一个叫“白平衡”的地方，为何不干脆叫做色温呢？这是因为有一个色彩概念在背后。 何谓暖？何谓冷？ 我们在日常生活中会遇到不同类型的光线，一般有太阳光、灯胆光、光管光、蜡烛光等在摄影领域常见的色温值，通常介乎 2000K – 10000K 之间，以 5000 – 5600K 为中性的色温点，如正午时段的阳光。偏暖为低色温，见红光较多，如烛光及灯胆光，大约在 2000 – 3000K 左右；而偏冷色为高色温见蓝光较多，大约是7000K或以上，如阴天密云下的光线。不同光源所产生不同的色温，会影响到被照对象的色彩表现。 蜡烛光约 2000k 黄昏或日落 2000 – 3000k 晴天近午阳光 4000 – 5500k 阴天密云 7000-10000k 烟花的情况较特殊，因为其光源不断变化，但色温偏暖，而且更要考虑 背景大厦的色调环原，所以建议设定时用 3000 -5000k 之间的色温值。 白平衡─寻找相片的白色 人眼在辨色方面有颇高的灵敏度，可在大部份情况下辨别到白色的对象。但相机的感光组件则不如人眼，如果偏离了中性色温太远，在感测上无法修正，会令相片出现偏色问题。最常见是灯胆光下，远低于正常色温时，色调会偏黄，特别是人的肤色会特别难看，所以要将过暖的颜色“调冷”去中和，令相中对象的发色表现像日光照射下一样正常。而调校的基本原则，就是让原本白色的东西，在不同色温下仍看到白色，以之为“白平衡”。那为何没有“黑平衡”？因为黑色在任何色温下的表现也是一样，所以以黑色作为基准是无法达到色温修正的作用。 在菲林年代，菲林的预设色温通常为日光使用，约5500- 5600K，如果遇到偏离的色温，就要加有色滤镜去修正颜色，即遇到暖色时用冷色滤镜，反之冷色时用暖色滤镜。不过在数码年代，感光组件具有色温修正的功能，可以因应场合去调节色温范围。 这是自动白平衡(AWB)下在室内暖色光管下出现的效果(左)，如果AWB无法还原被摄者的颜色，而相机又支持RAW，可以在后期更改RAW内的色温值去修正(右)。 一般数码相机都已有自动、日光、密云、钨 丝灯、光管、闪光灯及手动模式。不过每部机的表现都有差异，如果相机受到设计局限，如自动白平衡的侦测范围大约在4000-7000K左右，遇偏离中性色温更夸张的环境时，就会显得无能为力，必要时就需要用预设色温收窄范围，或用手动白平衡。 以下是松下相机手动输入色温(K)的画面，可以看到左手边色温表由下至上有蜡烛、灯胆、日光、阴天、阴影等选项，数值介乎2500 – 10000K。室内光为日光型光管，当数值为5400K 时，与日光管的色温相近，所以可以看到背景都是白色。 输入的色温和光管对应，所以显示色调正常，背景是正常的白色。 输入低至 2500K，日光管色温比输入的色温高， 所以变成“相对冷”的色调，显示也会变青蓝。 输入至 10000K，日光管色温比输入的色温低，颜色会变得偏黄。 试用灯胆照明，输入数值为 […]

在家里多了小朋友之后，许多新手爸妈都乐于买台相机来记录自家宝贝的成长点滴。无论是想拍像日本摄影师 滨田英明 、 冢本匠人 那样风格，还是想要走想长能丰一 那样的搞怪系列，都可先来参考以下这几种经典构图及POSE，并在脑海中留下印象，才能在关键时刻知道要按下快门唷！ 一般拍摄孩童，想让他们像大人那样摆POSE比较困难，想要拍好小朋友，要懂得观察并与他们交流互动，在互动之中抓拍他们自然的一面。正是这样具有机动性，拍摄之前更要在脑中准备一些基本的构图概念，一方面可朝这些方向引导孩子拍摄，灵异方面在遇到精彩瞬间时，也能迅速构图并捕捉画面。 基础篇 ▲图片来源：Digital Photography School 拍摄小朋友讲求「高度」，要站在与孩子一样的视角来进行拍摄，画面较容易传达专属孩童的视界。无须刻意让他们笑，可通过叙述某些有趣或好笑的事情来逗他们笑，这样的笑容或许更加自然。 ▲图片来源：Digital Photography School 这样的趴姿似乎特别适合小女孩，充分表现出可爱甜美的感觉，可与柔软的床及可爱的娃娃等温馨的室内元素再做搭配。 ▲图片来源：Digital Photography School 相比上面的趴姿，这个姿势活泼俏皮些，不管是小男生还是小女生都能展现无限童心，且室内室外皆适宜。（编按：私心地觉得特别适合在绿色的草皮上拍摄耶！） ▲图片来源：Digital Photography School 当小朋友High起来的时候也是按快门的最佳时机，尖叫也好、大笑也好，（甚至大哭也可以？）不要错过宝贝任何欢乐的表情。但不建议常跟小朋友说「笑一个」来拍摄，至于原因嘛…你懂的！ ▲图片来源：Digital Photography School 食诱小朋友是一件有趣的事情，应该说小朋友吃东西本身就很有趣，蛋糕也好、冰淇淋也好、瓜果类的水果也好，就算知道他们会吃得一团乱，但能抓到他们吃得满嘴都是的可爱模样，一切都值得（？）吧。 ▲图片来源：Digital Photography School 玩躲猫猫游戏也是拍摄时可用的「手段」之一，也不是说真的叫小朋友躲起来让大人找，而是要制造小朋友从遮蔽物中探出脑袋的可爱效果。这样的场景动作无论用于室内室外都非常合适，且那时小朋友做出的表情往往能带给大家不少惊喜。 ▲图片来源：Digital Photography School 宠物与儿童是个很棒的题材，虽然难度可能稍微更高一些，毕竟两者都是比较难受控制的拍摄对象，但能成功捕捉到的画总是特别精彩而自然。 室内篇 ▲图片来源：Digital Photography School 趴在床上的baby再盖上毛毯拍摄，总能表现出小小孩的稚嫩纯净感，同样的方法用在大一点的孩子身上，也能带出俏皮的感觉。只是拍摄时要注意一下床单和毛毯的配色，白色的效果最佳。（编按：其实淡色系的优格色应该都还可以吧。） ▲图片来源：Digital Photography School 小孩总是离不开玩具滴，所以要与心爱的玩具一起合影，孩子们一般来说会比较愿意配合吧！而使用那种毛茸茸的大玩偶（编按：会有人还想用熊麻吉的Ted吗？XD），似乎更容易表现出温馨的感觉。 ▲图片来源：Digital Photography School 专注中的小朋友也是儿童摄影中必拍的画面，追随他们日常常做的事情，例如玩游戏、看书、画画、玩拼图之类的，都是很棒的题材，尤其是画画的画面，一方面画笔、颜料本身有缤纷色彩丰富画面，另一方面在拍摄孩子时也能带到他的创作，使纪录更具有意义。 ▲图片来源：Digital Photography School 阅读中的小朋友相对来说比较好控制，毕竟他们沉浸在书的世界中，没有那么动态。且过程中他们的表情会随著书本内容改变，大人们大可静静在旁陪同，在镜头中静静观察他们。 户外篇 ▲图片来源：Digital […]

一幅照片的色调，烘托某种气氛，对于主题的表现十分重要。而通过后期手段控制照片的色调，方便而又效果显著。本文以实例说明调整照片色调的方法。 原始图片 处理效果 开始处理 　　1：打开图片，选择图章工具(S)，按住alt+鼠标点击图片下方天空位置取样，然后将原图中左下多余的房子进行擦除 2：选择加深/减淡工具(O)，对图片中重要的位置进行优化，加强主体与背景之间的对比。 3：复制一层(ctrl+J)模式正片叠底，不透明度改为50%，添加图层蒙版，点击蒙版缩略图，然后选择画笔工具(B)，前景色设置为黑色(D)，在画布中擦出主体～营造lomo暗角效果。 　　4：点击图层面板下方的创建新的填充或调整图层按钮，选择通道混合器，弹出窗口中勾选“单色”。 5：接下来分布进行调整，首先调整旋转体，同步骤4的方法添加曲线调整层：(曲线的设置，同时观察旋转体的明度变化)。 　　6：点击曲线层蒙版，选择画笔工具(B)，在画布中将天空等部分擦去。 7：接着调整旋转柱，添加曲线调整层，同时观察旋转柱的对比度变化，曲线参数如下： 　　8：与步骤6的方法相同，擦去不需要的部分  9：接着调整天空的对比度，添加曲线层设置如下： 　10：接下 来，为图片渲染凝重的绿色调,添加曲线层，并设置：   11：为天空加一些淡淡的黄色，使照片具有时代感,同样添加曲线层，红色通道： 　　12：降低图层的不透明度,得到最终效果:

1963年，Canon公司曾在Photokina上展出了一架自动对焦照相机的样机。1985年2月，美能达向市场推出了世界上第一架机身一体化的AF单反机α7000，该单反机第一次使自动聚焦实用化。自此自动对焦成为广大摄影师拍摄的首选项，而手动对焦则成为老派、严谨、专业和顽固的代名词。 尽管自动对焦已经成为我们拍摄最常用到的功能，但是手动对焦依然有着广泛的运用空间，哪怕你还是一个新手也是如此，也需要在适当的时候使用手动对焦。不仅仅是因为这能够提升摄影技术，更多的是实际拍摄需要。今天带着您实战手动对焦，看看手动对焦有哪些广泛用途。 实例一：拍摄微距 ▲微距拍摄 微距拍摄时，使用自动对焦是非常困难的。首先我们很难保证相机中的对焦点正好在我们需要对焦的位置上。如果使用先对焦后构图的方式，肯定会造成失焦。其次，如果不使用脚架拍摄微距，因为身体的前后移动，即使对焦完成也会造成再次失焦。再次，有的对焦点表面不平，使用相机自动对焦会造成选取对焦面错误的情况。 上面的照片中，笔者并未使用三脚架，仅仅是靠手动对焦完成的拍摄。因为在拍摄微距摄影时，手动对焦正好能够克服自动对焦的三个不足。 1、手动对焦可以无视相机内对焦点。手动对焦从根本上说还是考眼力，不管你将焦点置于画面中的什么位置，只要你看到这个点清晰了就不会失焦。当然这眼力需要练习练习。 实例三： 拍摄高速运动物体 ▲手动对焦抓拍 在拍摄高速运动物体时，我们是不是经常对我们手动的相机抓狂。比如拍摄鸟类时，不但它们飞翔的速度快，而且毫无规律性，往往对焦没有完成它们已经飞得无影无踪了。 有的摄友就会想如果我换成了顶级相机例如：佳能1D系列或者尼康D3一类的就能够抓拍到。其实笔者可以很负责任地告诉您，也许换成了顶级相机，您连对焦点都来不及调整，它们就飞过去了。 真正能抓拍到飞鸟的只有手动对焦。使用长焦镜头时，鸟在取景器里停留的时间可能只有几十分之一秒，而且难以保证位置固定，这个速度是现在自动对焦不可能完成合焦的。 在拍摄上面的照片时笔者使用了手动对焦，这个确实需要一定的拍摄水平了。因为往往要在极短时间之内做到构图、对焦、拍摄一条龙，所以手动对焦一定要做到快速精准。笔者在拍摄时几乎是一边转对焦环一边就按下快门了。练习到一定程度时，合焦率还是非常高的，能够达到50%以上。相比自动对焦一张也拍不到要好很多。 其它样张： 2、即使没有三脚架时，也不会影响对焦。以上面照片为例，笔者并未使用三脚架，而是将镜头调整至最近对焦距离，然后前后移动身体直到蝴蝶眼睛清晰时迅速按下快门。 3、即使对焦平面周围有很多干扰也不会影响我们手动对焦。毕竟手动对焦的唯一标准就是我们眼睛看到的。 不过使用手动对焦还是需要一些技巧的，但是完全可以通过多练习做到。 　　其它样片： 实例二： 超焦距摄影 ▲远近都清晰的风景 超焦距是一个镜头能保持无限远对象处在可接受的锐度的前提下进行对焦所能达到的最近的对焦距离；也就是有着最大景深的对焦距离。当镜头对这个距离对焦，所有从超焦距离的1/2处起到无限远的对象的锐度都在可接受的范围以内。 另一说超焦距是指当一个镜头对无限远对焦时（镜头上对焦刻度的无限远处），在某段距离之后所有的对象都能有可接受的锐度。这个距离就是超焦距离。 不管是那种说法，我们不难发现，超焦距摄影能够给我们带来一个很大的好处：不需要对于某一处对焦就能获得远近都清晰的照片。这样一来我们在拍摄风景时就能够更好地表现远近的景物，再者说在新闻摄影时我们可以避免自动对焦或者手动对焦时造成的失焦情况，从而用最快的速度抓取到画面。 另一方面，从超焦距摄影的定义来看，我们同样需要通过手动对焦来完成摄影。而对于上述两种方法来说，一个是手动对焦至超焦距距离，另一个则是手动对焦至无穷远。 以笔者上述拍摄的照片为例，笔者将镜头焦距调整至24mm，光圈调整至F11，然后将镜头调整至手动对焦模式，并对焦在无穷远处，接着要做的仅仅是构图与拍摄。 其它样片：

想要摆脱数码相机的自动模式，试试手动摄影的乐趣？那么你就需要理解曝光。Beyan Peterson在他的《理解曝光》一书中讲到，一共有三个因素控制着曝光，这就是“曝光三角形”。这三个因素都与光如何进入相机有关。 影响曝光的三个因素 1.ISO（感光度）：数码相机传感器对光的敏感程度； 2.光圈：拍摄时镜头中叶片打开的尺寸； 3.快门速度：快门保持开启的时间。 照片的曝光量就由以上三个因素共同作用而决定。 重点：改变其中的一个因素，会影响到其他因素。也就是说你不能仅仅单独考虑其中任何一个因素，当你做调整时必须时刻在头脑中关注所有参数。 如何理解曝光三角形 很多人在描述ISO、光圈和快门速度时会使用不同的比喻，以求尽快记住这三者的关系。这里和大家分享3个实例的比喻。注意，任何比喻都是不完善的，起作用仅是帮助说明道理。 窗户 想象你的相机就像一个窗户的打开和关闭。 光圈就是窗户的大小。窗户越大（光圈越大），进入的光线就越多，屋内就会越亮。 快门速度是窗扇打开的时间。开启的时间越长，进入的光线就越多。 现在，想象一下你站在屋内，戴着一副太阳眼镜，此时你的眼睛对光线就不那么敏感了（正如低ISO）。 有很多种方法可以增加屋内的光线（指你站在屋内看到的光线）。你可以延长窗户打开的时间（降低快门速度），也可以增加窗户尺寸（加大光圈），或者你还可以摘掉太阳镜（增加ISO）。 好吧，这个比喻不是特别贴切，不过你应该能理解其中的含义。 日光浴 另一个理解曝光的比喻是，把数码相机曝光想象成一次日光浴。 晒出古铜色的皮肤是我一直以来的梦想，不幸的是我从来没成功过——我总是以烫伤结局。在这里，你的皮肤就相当于ISO值，有些人的皮肤对太阳比其他人更敏感。 此时快门速度就是你在太阳下暴晒的时间。你晒的时间越久，皮肤就会越黑（当然如果时间太久，就会过曝——烫伤）。 光圈相当于你涂在身上的防晒油。防晒油会阻挡太阳的光线，而且有不同的指数，阻挡的效果也不尽相同。防晒指数较高的防晒油（较小的光圈）会降低到达你皮肤的太阳光，结果即使是皮肤比较敏感的人也可以在太阳下多晒一会儿了（减小光圈可以降低快门速度或降低ISO）。 正如前面说的，这个比喻也不是特别完善，不过足以说明快门速度、光圈和ISO如何在数码相机中起作用。 第三个比喻是水管。水管的开口大小是光圈，水管开启的时间是快门速度，而水的压力就是ISO。 综合运用三者 掌握曝光艺术需要大量的练习。从有些方面来说这是一种略带欺骗性质的艺术，即使经验非常老道的摄影师也会尝试和他们惯用的不同的曝光设置。不过要记住，改变一个参数不仅会影响曝光，还会影响一张照片的其他效果，比如，改变光圈会改变景深；改变ISO会改变照片颗粒；改变快门会改变捕捉运动的效果。 数码相机的伟大之处就在于它是练习曝光的绝佳器材。你可以不花一分钱，高兴拍多少就拍多少。不要只用自动模式，多用手动模式——还可以使用半自动模式比如光圈优先/快门优先，此时你只需要考虑曝光三角形中的1、2个参数设置，而相机会自动判断另外一个。

寻找自然的画框     这张照片是Ralph Morse 1942年为《时代》杂志拍摄的。“我喜欢这张照片，”Stalman说，“为你的主体寻找自然的画框。对这张照片来说，即使那里没有这个舱门，它也是张不错的照片。但额外的画框让它更好：你可以透过门框获得一种类似‘偷窥’的感觉，照片中的模特没有看向照相机更强化了这种感觉，他仿佛根本没注意到相机的存在。” 不要把主体放在画面中心（有时）     Spencer Platt在Rio拍摄了这张走绳索的人的照片。“从这张照片上能学到的东西，”Stalman说，“并不新鲜，但很有用：让主体偏离画面中央可以——在恰当的时候——让照片更有张力。这是普通照片所不具有的。” 寻找图案     对这张J. R. Eyerman拍摄的3D电影观众的著名照片，Stalman说：“吸引住我的正是重复出现的人脸。这里没有特别醒目的一个，整个画面变成一种令人印象深刻的抽象的图案。从远处看这张照片，你就能得到一种确定的印象，在靠近之后才突然发现这些人脸。在不同的观赏距离上，这张照片产生了不同的效果。” 尝试不同角度     Alfred Eisenstaedt拍摄了这张布鲁克林大桥的照片。“这张照片最主要的构图元素，”Stalman说，“是大桥底部形成的穿过整个画面的醒目的深色线条，它同时将观众的视线引导至画面低处曼哈顿的摩天大楼上。不过从这张照片上还能学到另外一课。看看这座桥是如何在世贸中心北楼与较低的伍尔沃斯大厦之间取得平衡的。非常漂亮。摄影师在对这张照片构图时一定花了很多心思——在桥下反复寻找合适的位置。有时你必须花一些时间，到处看看，尝试不同的角度，当你感觉所有东西都到位后再拍照。” 不要怕复杂，要回避混乱     这张玛丽皇后号蒸汽船的照片由Andreas Feininger使用长焦镜头从3公里外拍摄。“值得赞赏，”Stalman说，“在很多方面都是。我们能从中学到的一课是，一个复杂的场景，并不一定意味着只能拍出复杂的画面。这张照片中有太多的看点——蒸汽船的烟囱，42大街的交通，建筑群顶部飘荡的小旗等等。但即便如此，这张照片也足够吸引人。它内容充实，但并不混乱。最后，注意这张照片的剪裁。你可以看到船边的水面，它给画面增加了动感。但同时，照片底部的河流也有助于让画面‘安静’下来。如果没有它，这张照片就会感觉杂乱了。” 对称     Al Bello在佛罗里达的一场网球赛中拍下这张照片。“摄影师所在的位置，刚好位于球场中央。边线、球员及光线都形成完美的对称。”Stalman说道。“另外，我特别喜欢的地方在于，照片中体育场上方的天空很容易被裁掉，以强调球场内的画面，但是摄影师没有这么做。极具戏剧化的云层增强了场内对抗的气氛。” 不要太直白     “从这张照片上能学到的，”Stalman评价George Silk在职业棒球赛上拍摄的匹兹堡海盗队球迷的庆祝画面，“是摄影师从人群的头顶拍摄。多数人会觉得在这个位置已经够高了，他们会努力靠近边缘尽量离球场近一点拍摄。相反，Silk向我们展示了其他努力探出身子的人。很明显他自己站得更高，并将拍摄对象改成这些观众。现在，右下角的这些人比球赛本身更醒目。最后，这张照片呈现出强烈的对角线构图，远处的球赛与兴奋的球迷相互辉映。” 运用直线     摄影师Johannes Simon 2010年1月在德国拍到这张照片。“这张照片构图的想法，”Stalman说，“非常简单且有效。摄影师将画面一分为二，将地平线置于画面正中，利用小路形成的直线，将观众的视线引至画面中唯一的小屋。” 在画面中留白     对Grey Villet拍摄的这张高校失学青年的照片，Stalman说：“这张照片第一个引起你注意的是画面中大量的空白。这里给你留出想象的空间——这些孩子们要去哪里？这里发生了什么？这里还是一个利用斜面的好例子——倾斜的道路令观众产生了动态的感觉，而画面中其实并没有任何移动的物体。人物的深色衣服是画面中唯一的对比——除了那一小捆铁丝外。” 从下方仰拍     摄影师Spencer Platt的另一张照片。这次是纽约街头艺人Robert Burck，一位在时代广场演唱的裸体牛仔。“这里用到了一个简单且有效的技巧。它能让本来单调的画面变得有趣起来，”Stalman说。“如果这张照片是从正面拍摄牛仔，从眼睛的高度，那么画面就会显得很凌乱。尽管半裸，但人物还是有些融入到背景之中。通过降低机位仰拍，摄影师将人物与背景有效地分离开，并以一种有些滑稽的方式给人物添加了一些英雄气概般的感觉。” 平衡醒目的形状     这张由Margaret Bourke-White拍摄的圣雄甘地的照片，为摄影师们上了良好的一课，Stalman说，并不是因为照片中的人物是甘地，尽管拍的就是甘地。“在这张照片中，”Stalman说，“我们当然会看见甘地。但是，从构图上来说，这张照片可以成为所有人学习的榜样。最重要的一点，是在2种形状——深色的纺车与安静的甘地——之间取得平衡。这张照片放到任何尺寸都是一幅有力的画面——即使是缩略图，并且可以作为判断一张照片是否构图良好的标准。”

　初学摄影的时候只知道大师的作品很震撼，后来慢慢才知道，他们的作品带给我的震撼，不光是在内容上的，还有形式感上的。摄影创作离不开构图，这就像写文章离不开章法一样重要，不是可有可无的，实属作品成败的关键。摄影构图与绘画构图有其相同之处，有些是可以相互借鉴的，但有不能完全代替，每一种艺术形式都有它独特的规律和原理，这是不能违背的，对于从事艺术创作活动的人，只有在他对所从事的那个艺术规律掌握的娴熟的时候，才能在创作实践纵横驰骋不“逾矩”。 三分式构图 　将画面左右或上下一分为比例2:1的两部分，形成左右呼应或上下呼应，表现的空间比较宽阔。其中画面的一部分是主体，另一半是陪体。常用于表现人物、运动、风景、建筑等题材。 均衡式构图 　给人以满足的感觉，画面结构完美无缺，安排巧妙，对应而平衡。常用于月夜、水面、夜景、新闻等题材。 对称式构图 　具有平衡、稳定、相对的特点。缺点：呆板、缺少变化。常用于表现对称的物体、建筑、特殊风格的物体。 对角线构图 　把主体安排在对角线上，能有效利用画面对角线的长度，同时也能使陪体与主体发生直接关系。富于动感，显得活泼，容易产生线条的汇聚趋势，吸引人的视线，达到突出主体的效果(例如聚光灯照射主体)。 X型构图 　线条、影调按X形布局，透视感强，有利于把人们视线由四周引向中心，或景物具有从中心向四周逐渐放大的特点。常用于建筑、大桥、公路、田野等题材。 紧凑式构图 　将景物主体以特写的形式加以放大，使其以局部布满画面，具有紧凑、细腻、微观等特点。常用于人物肖像、显微摄影，或者表现局部细节。对刻画人物的面部往往能达到传神的境地，令人难忘。 三角形构图 　以三个视觉中心为景物的主要位置，有时是以三点成一面的几何形成安排景物的位置，形成一个稳定的三角形。这种三角形可以是正三角、也可以是斜三角或倒三角。其中斜三角形较为常用，也较为灵活。三角形构图具有安定、均衡、灵活等特点。 S型构图 　画面上的景物呈S形曲线的构图形式，具有延长、变化的特点，使人看上去有韵律感，产生优美、雅致、协调的感觉。当需要采用曲线形式表现被摄体时，应首先想到使用S形构图。常用于河流、溪水、曲径、小路等。 变化式构图 　景物故意安排在某一角或某一边，能给人以思考和想象，并留下进一步判断的余地。富于韵味和情趣。常用于山水小景、体育运动、艺术摄影、幽默照片等。

对于绝大部分同学来说，对焦时也会用上「半按快门」的动作，这个方法基本上很实用，能够把对焦到释放快门的功能放到同一颗按钮上，令拍摄更快速方便，但在一些时候半按快门来对焦并不适合，因此便有了「后键对焦」(Back Button Focusing) 这个功能了！今天便让我们学习一下这个专业摄影师也会用到的功能吧！   什么是后键对焦 (Back Button Focusing) 「半按快门」可以应付大部分的拍摄，但在一些情况「半按快门」会变得不好用，例如你很容易便把整个快门按钮按下启动拍摄，或是你在等待其中一个物件进入拍摄范围，当你按下整个快门键时对焦可能已经改变，令相片模糊。这时我们可以把「对焦」和「释放快门」这两个动作分开，用另一个按钮 AF-On 来代替，而通常这个按钮也是在机背接近拇指的位置，因此便被称作「后键对焦」(Back Button Focusing) 了！ 应用后键对焦的时刻 (一) 当你在拍摄移动中的物件时 后键对焦对于拍摄移动中的物件很好用，特别是使用连续对焦 (Continues AF/AF-C) + 连拍 (Continuous Shooting)时，你只需要利用拇指按下机背的AF-On，便可以一直对焦，并于适当时机全按快门键来拍摄。 在拍摄移动中的物件，你可以使用AF-On按钮锁定物件，再用连拍全按快门拍摄。 (Photo by Rynjim) (二)  当你在等待拍摄时机时 有些相机于半按时也会强行一并锁定曝光，若果我们使用后键AF-On便可以让你对焦、等待合适时间、全按快门拍摄，而不用害怕因光线变化而重新半按快门。 当你在等待合适的时机时，可以利用AF-On按钮对焦，避免等待时半按一并锁定曝光(对于一些相机)。 (三) 当你的目标物有机会被遮挡时 另外一个应用半按快门键的时机便是当你目标主体突然有其他物件挡着，你可以不按AF-On按扭但继续按快门键拍摄，试想想若果你不用后键对焦，按下快门时对焦点便会放在遮挡物了！例如在拍摄足球比赛，可能突然会有另外一名球员走到镜头前面，这使你便可以放开AF-On按钮，以免对焦错误。 例如在拍摄足球比赛时，利用AF-On来对焦可以避免对焦落在遮挡的球员身上。 (四) 当你在有风的情况下拍摄花朵时 虽然在拍摄微距或花朵时比较多使用手动对焦(Manuel Focus)，但若果你希望使用自动对焦，AF-On可以让你对焦后放开按钮，即使有风时你也可以全按快门键拍摄而不怕相机胡乱对焦了！ 利用AF-On对焦后可以全按快门随时摄，即使有风时也不用重新对焦。 (五) 当你常常对焦后再构图时 另外一个后键对焦很好用的时候便是「对焦后再构图」，你只需要利用AF-On按钮对焦一次，便可以重新构图并任意拍摄，免却设定手动对焦或每次也重新半按对焦的麻烦。