关于后期，我没有完整的psd或者lr预设作为分享，但是我分享的是我几年来不断摸索积累的一个后期方式。大家应该都理解，调色是否好看，不关乎参数与技巧，最重要的是个人色感。我原本的专业是艺术设计，学习了十多年的美术，所以在色彩上有自己的体会，希望我的分享不要误导你，因为方法太多，只是我是这样做的，而你可以有自己的修改或者更好的方式去做。 我经常后期使用的软件是lightroom和ps常用的插件是 Lightroom的vsco ,（非手机vsco的app） 胶片滤镜：exposure7，  调色滤镜：color efex pro4， 不知道的朋友可以百度搜索，自主学习很重要，不要私信我要，百度一下没有那么难，这些滤镜在网络上太多了，我无有分享提供，因为我自己很头疼于Mac平台使用这些插件，所以是淘宝购买远程安装。 必须提一下 vsco。它是lr里的一个预设插件，从1-7，有很多的胶片预设，我的片子底色都是从vsco里挑选的预设修改而来。经常使用的是vsco5，6里面的。 对于没有后期基础的小伙伴来说，需要熟悉手里的这些软件，若是基础的设置都不明白其作用，又怎么能调好色彩呢？掌握他们最好的方法就是百度基础的教程，还有练习，大量的练习。还有最重要的一点是修图时显示器对你色感的影响，千万不要小看显示器的色差。我之前饱受显示器色差困扰，换过很多次显示器，最终听从老师建议，在今年购入了Macbookpro，才得以解决，色感也随之提升。 这里和大家分享一个胶片色调后期思，大家参考一下就好。 选择一个vsco胶片预设作为底色 根据自己的色感和喜好调整个参数 最后的蓝原色，增加其饱和度会让画面更透亮，不过片子蓝色会饱和度过高，一般我会再到前面的颜色里单独再调整蓝色，降低其饱和。 使用了一个渐变滤镜进行调整 接着用了画笔调整工具，一个画笔调整了整个画面，一个画笔压了前面桌子的高光。画笔工具起到了非常大的作用，它可以单独调整你想调整的地方。 LR初修完后，还可以再次LR调整，也可以PS里微调出图，方式不是固定的，思路仅供参考。  

一、概述 定义：拍摄时，光圈和快门设定值。 因为互易律的存在让我们在取得一个影调时有很多种曝光组合。 选择不同的曝光组合，表现着摄影师对于题材的掌控力，反映了摄影师的创作意图。 本章的内容将帮助大家明白摄影师为什么选择他最终确定的曝光组合。   二、三种模式 三种模式 一般来说摄影师的相机都有强大的手动曝光功能，即AV TV M（尼康相机为A S M） AV A 光圈优先 TV S 快门优先 M 手动（手动控制光圈、快门） 前面一章提到了，绝大多数时候，环境光是不受控制的，而同一场景下也几乎不会反复操作感光度，所以大多数时间 影调＝光圈×快门 而这3个参数在相机上都是可以被控制的。 稍有数学常识的人都知道上述公式中只要有两个数据被确定了，那么第3个数数值也将被确定。 这也应证了如果环境光不变，我们设定感光度后，只要调节光圈和快门就能确定影调。 不要嫌嗦，反复重复的都是重要的。 所以我们对相机曝光的操控实际上就是对光圈大小和快门快慢的操控。 但是因为前文提到影调、光圈、快门，3者之中只要有两个被确定下来，第3个数据也会被确定。 这样一来，在相机内测光机构的帮助下，我们的相机就有了前文的三种模式。 M档 手动 摄影师设定光圈、快门，相机告诉你影调如何。 当相机处于M档时，摄影师手动设定光圈值和快门。设定之后，相机信息窗会显示曝光补偿的标尺，以提示目前的影调。 如图所示，当摄影师将快门速度设定为1/4秒，光圈为F4.0时，曝光补偿标尺显示为-1EV。如果我们要一张正常曝光（0EV）的作品，我们可以调慢一档快门，或者加大一档光圈。如1/4秒 F2.8或者1/2秒 F4.0，都可以得到0EV。 这就是手动曝光M档。 直接确定影调的模式――光圈优先和快门优先 在我们拍摄时，相机拍摄的环境光虽然不受我们控制，但是环境光是会变化的，且不说日出日落，单是相机换一个角度，也会因为镜头里的被摄物反光率不同而面对不同的环境光。 所以在我们设定好快门和光圈之后，对着天空是一个影调，对着大地可能又是另一个影调。这样在用M档拍摄的时候，我们可能会因为摄影主体的不断变化而一直在每次按下快门前重新设定光圈和快门。如果这样，那么摄影师会因为这些错过很多精彩瞬间，尤其在体育新闻类摄影中。 如何能让我们不会为取得影调而耽误时间呢？其实相机的另两种模式很好地解决了这个问题。 前面提到过3个参数确定两个，那么第三个参数将被确定。那么我们可不可以将设定快门和光圈中的一项变为设定影调(曝光补偿)呢? 答案是肯定的。 AV A 档光圈优先：摄影师设定影调（曝光补偿）和光圈，相机会自动选择合适的快门速度。 TV S 档快门优先：摄影师设定影调（曝光补偿）和快门，相机会自动选择合适的光圈。 光圈优先和快门优先都有设定影调的特点。多数场景，我们不需要改变影调，而且需要相对固定的光圈值和快门，所以用A档或S档的拍摄我们只要构图之后按快门就可以了，这样不管场景怎么变化也可以随时捕捉。 切记一点，A档和S档并非只能控制光圈或快门，同时也能控制影调。 下面详细讲解何种条件下使用这三种模式。 三、光圈优先 可以设定光圈和影调，相机本身为你提供快门速度。用光圈优先模式，一般都是对光圈有特殊要求或对快门速度没有特殊要求时使用的。 […]

说起来运用点测光还真需要一些技术含量的，本期总结一些影友们提出的问题并详细解答，摄影中常用的点测光技巧和作者心得分享给大家，用实例告诉您到底怎么用点测光。 拍摄人物或是风光片的时候，不少人会问：怎么回事？拍的人物就是没有别人拍的那种质感？人物的金色头发是怎样形成的？拍的风光片也没有他人拍的那种透视效果？ 拍人物的时候尽可能选择使人物出于背着光源的状态、 这样的光照有如下几个好处： 1、被摄人因为背着光源，眼睛和表情可以放松自如（被摄人面朝着光源的的时候会睁不开眼镜而使面部表情发紧，眯着眼等等） 2、如果我们拍摄逆光女孩，这种方式还可以拍出特定的效果，如：金色轮廓的头发，明亮的眼神等，注意要点就是使用点测光要根据人的面部来确定曝光量，这时候的曝光量是根据面部的光照确定的，所以背景和人物的头发就会出现过曝，而这种过曝就是金色的头发的起因。 3、严格意义上说：点测光适合于任何场景，例如舞台摄影、体育摄影、风光片（这些场景的点测光要根据被摄物的主题来选定），目的就是只要能把手中的器材发挥好了就是，也大可不必去烧器材。 什么是点测光？ 点测光，顾名思义就是对一个点测光。与我们常说的“点”不同的是，点测光的“点”一般指的是取景范围1%-5%的区域。对这个区域测光，从而让这个区域在拍出的照片里呈现0EV的影调，也就是18%灰。一般常用于摄影师需要极力保证某区域曝光的时候。 点测光的目标区域 即测光点仅为画面整体面积的1.5%到3%（具体比例因相机而异），测光点位置在默认情况下位于画面正中央。有些相机也可以将测光点自动设为当前处于激活状态的自动对焦点，这在拍摄主体偏离画面中心的时候，就变得非常实用了。 如何使用点测光，确保你的拍摄对象得到正确曝光 1. 选择点测光模式 在大多数相机上，都会有一个测光模式选择器，一般位于机身顶部，通过按动按钮或者旋转拨盘来选择测光模式，点测光的标志是一个圆点。 2. 如何使用 假设测光点就是中央对焦点。将这一对焦点对准拍摄主体，半按快门合焦后，完全按下快门即可完成拍摄。如果测光点所在位置不是中间调，要适当应用曝光补偿。 3. 主体不在画面中央 当拍摄主体不在画面中央，以上述方式进行测光，在显示合焦后，按下自动曝光锁定按钮（AE-L），锁定曝光设置，然后改变构图，完成拍摄。 拍摄风光，掌握点测光覆盖面积精准测光 测光点所覆盖的面积是非常小的，所以测光结果非常精准，从而让你能够对特定的位置进行准确的曝光。不过，它仍然会产生问题。相机的测光系统会将测光点所在的区域按照中间调来进行曝光，所以，如果这一实际区域很暗，而点测光系统仍然将其判定为中间调，那么被摄对象就会太亮甚至过曝。相反地，如果测光点所在的实际区域是很明亮的，那么使用点测光的拍摄结果就会欠曝。因此，我们需要根据实际情况进行相应地调整，适当地应用曝光补偿。 个人感受是测光方式要看具体的环境，以及要表现的主题，在光比反差非常大的情况下点测光相对较准，可以保证需要的主题部分测光准确。在拍摄川西高原需要经常表现天空和云层的丰富细节，经常是点测光对天空的中间部位云层进行点测光。 拍摄人像，掌握点测光模式精准的测光 在测光模式方面，你的相机提供了多个选择。其中包括了中央重点测光、平均测光、局部测光、多区测光以及点测光等。而点测光模式，让你根据现场环境，能够针对所选择的拍摄对象上很小的局部区域进行精确、独立的测光。在光线不均匀的条件下（背景与主体人物之间的亮度差异非常大的情况点测光有着非常大的优势）。在白纱以及海水、沙滩的情况下，你可以使用点测光模式仅仅对拍摄人物主体进行测光。 拍摄心得：说实话除了拍摄这组海滩新娘人像我会根据场景选择点测光外，平时也没有太多注意用那种测光方式，也没用曝光锁。因为最早的时候学的是胶片机，所以习惯判断参数，现在用数码就更方便了，我们能够很准确的控制曝光。拍摄这组片那天刚好是多云，偶尔露点阳光拍些小逆光很漂亮，整体有减曝光，测光的话不容易达到理想效果，虽然我的片子也很少用后期，但这组原片灰了些，所以后期稍加处理，调色阶、曲线亮起来对画面就有很好调节作用。 拍摄花卉，根据背景设定点测光 在反差强烈的复杂光线条件下，点测光模式能帮助你有针对性地准确曝光。在拍摄花卉或者微距生态作品时，根据画面场景，我们对花朵中央进行测光，排除了深色背景对于测光系统的不利影响。“有些相机也可以将测光点自动设为当前处于激活状态的自动对焦点，这在拍摄主体偏离画面中心的时候，就变得非常实用了。” 采光的角度上来分析，通常把自然光的采光角度划分为五种。即正面光、侧光、逆光、顶光和散射光。比较适合拍摄花卉的是散射光和逆光。运用散射光拍摄，是因为它运用灵活，不受光源的方向性局限，受光面均匀，影调柔和，反差适中。如果选择雨后的散光拍摄会使花卉显得楚清新，光彩诱人。对于有点测光的机器来说，只要将测光点放在拍摄主体上基本就可得到正确的曝光。

一般玩家在以闪灯进行补光时，均是使用TTL 模式居多，且成像大多也都令人感到满意，不过由于TTL 是以相机测得被摄主体的反光量作为补光依据，因此有时会因环境因素或人为操作不当，而导致主体曝光正确，但背景却偏暗的情况发生。本次的闪灯教学专栏将探讨主体与环境的光比控制，让玩家在用光拍摄场合上能有更灵活的运用。 若想要让整张照片能有更精准的曝光效果，如何有效控制主体与环境两者的光比，便是玩家首要学习的课题，所以在开始之前，要先了解光圈、ISO与闪灯的之间关系。 ▲光比是掌握影像立体度的重要关键。 光圈与闪光灯 我们都知道光圈是用来控制画面景深程度，但它也是决定镜头进光量的主要因素之一。在快门速度和ISO感光度皆固定的情况下，光圈大小和进光量的关系是成正比，也就是说当光圈越大时进光量会越多，整张照片（主体和背景）也就越明亮，而光圈缩得越小，则会越显得曝光不足。读者可以试着想像，在相同开启时间（快门）下，将水管的孔径（光圈）开大和转小，所得到的结果会是不同的，而从右侧的图例可得知，当维持相同的快门和ISO感光度，照片整体的曝光量会随着光圈大小的不同而有所差异。 ▲光圈F2.8。 ▲ 光圈 F8。在闪灯出力（1/16）、快门（1/200秒）和ISO（200）皆固定的情况下，光圈越大，照片整体的曝光量也就会越明亮。 ISO感光度与闪光灯 在了解光圈基于闪灯的影响后，接下来来谈谈ISO 感光度。ISO 对于闪灯的运用则是相当有趣的一项因素，因为ISO 感光度和GN值（闪灯出力指数）有很大的关系，当ISO 越高，其闪灯的GN 值也就越大，而这其中有固定的系数可参考（如表格）。 ISO 100 200 400 800 1600 3200 6400 GN系数 1 1.4 2 2.8 4 5.6 8 ISO感光度系数 以Canon Speed​​lite 600EX-RT为例，其闪灯全出力的最大GN值为60（ISO100），当把ISO调高至200时，全出力的GN值就会变成84(60×1.4），ISO设为400时，则变成12（60×2），以此类推！所以由此可得知，ISO 高低是决定闪灯的出力程度，也就是当ISO 越高时，闪灯能照射到的距离也就越远。 ▲ISO100。 ▲ISO800。当ISO感光度越高时，闪灯出力会越大，其照亮的距离也就越远。 快门与闪光灯 无论是闪灯、棚灯或是外拍灯，所打出的光都是属于「瞬间光」，和阳光、日光灯、台灯等「持续光」不同，两者最大的差异在于，由于「瞬间光」远比相机快门开启的时间还要短暂许多，再加上已先决定好的光圈大小，所以当闪灯发光的刹那，就已决定主体的曝光量，因此在快门帘尚未完全关闭之前，剩下的时间都是在进行除了主题之外的曝光，读者可从上图中清楚看出其结果，快门速度只会对背景光的明暗有所影响。 ▲1/200秒。 ▲1/60秒。 该用什么模式拍照？ 相信玩家一般在拍照时，均习惯以光圈先决（A）模式为主，但若要精准的控制主体与环境的光比关系，建议不妨试着以全手动（M）模式来拍摄。原因在于在M模式底下，所有的拍摄参数皆由玩家自行决定，因此对于控制画面的光比控制将能有更大的弹性。 ▲相机模式转盘上的M，代表全手动模式。 TTL 模式 前面提到，由于TTL 模式是以被摄主体的曝光为优先考量，所以在此模式下，无论如何变更光圈值，均不会影响到被摄主体的曝光效果，闪灯将会自动调整出力，让主体获得最正确的曝光，因此这个时候变动光圈值，只会影响画面的景深，和背景的明暗程度而已。 光比控制实例 在了解了曝光参数和闪灯之间的关系后，接下来就以实际范例来说明常见的两种不同环境下，该如何利用闪灯拍出主体和背景皆清楚的照片。 场景一：背景亮主体暗 假日和好友相约在咖啡厅聚会享用下午茶，落地窗洒进来的自然光令人感到无比舒服。这时的你要帮友人拍张照留念，于是拿起相机构好图就按下快门。从LCD发现画面中友人的脸似乎过暗，原来是主角身后的大片户外光源影响了测光系统，进而导致相机误判，所以采用适当的测光模式后接着再拍一张，结果虽然主角的脸部已曝光正常，但背景却也变得过曝。要克服这样的问题其实很简单，玩家只要先对着主体身后的背景测光并试拍，以确保能背景能有正确的曝光之后，接着便固定此参数并开启闪灯以TTL模式对主体补光，如此便能得到主体与环境光比平衡的影像作品。 […]

如果你能驾驭光圈，则你就可以完全掌握你的相机。光圈是拍摄出魔法般照片的最关键的因素之一。 什么是光圈？ 简单地说——光圈就是“拍摄时镜头打开的大小。” 当你按下相机上的快门时，会有一个孔被打开以使传感器捕捉进入相机的光线（译者注：光圈实际是一直打开的，在按下快门时会收缩至设定值）。你设置的光圈值就影响着这个孔打开的大小。孔开的越大，就会有越多的光线进来，孔开的越小，进入的光线就越少。 光圈是以“f/”标注的。你会经常在摄影教程中看到f/值，比如f/2.8、f/4、f/5.6、f/22等等。改变一次f/值，镜头中开孔的大小会变为当前大小的一倍或一半，进光量也随之增加一倍或减少一半。 摄影初学者经常会把光圈搞混的一个原因是，f/的数字越小，则表示光圈越大（进光量越多），反之f/数字越大，则光圈越小。所以f/2.8光圈比f/22光圈要大。一定不要搞混了。 景深与光圈 改变光圈会对拍摄造成众多影响，其中最值得注意的就是景深问题。 景深（DOF）是指照片中在对焦平面前后画面清晰的部分。大景深意味着照片无论远近静物大部分都是清晰的（比如用f/22光圈拍摄的照片中前后景都非常清晰）。 小（或浅）景深意味着照片中只有一部分画面是清晰的，其他画面都被虚化掉了。 光圈对景深起着重要的作用。大光圈（小f/值）会减少景深，小光圈（大f/值）增加景深。 第一次看到这些可能会使你有些混乱，不过我记住这一点的方法是：小f/值等于小景深，大f/值等于大景深。 下面这张照片说明了浅景深效果： 此图用f/1.8光圈拍摄的，除了最前面的两朵花外，后面的花朵全部都虚化了，花朵和叶子从背景中脱离了出来（译者注：原图链接失效，这张照片由译者拍摄并作讲解）。 理解光圈最好的办法就是带着你的相机出门做一些练习。出门找一处场景，就有靠近你的物体也有远处的物体，用不同的光圈拍摄一组照片。你很快就会看到光圈的影响和作用。 不同的摄影题材需要不同的景深 例如在大部分风光摄影中，你会看到摄影师多选择小光圈。这样可以保证从前景到远处地平线的所有静物都是清晰的。 另一方面，在人像摄影中，利用光圈可以很容易地使模特清晰而背景被虚化，这样可以突出模特，使其他东西不会分散观众的注意力。此时你要选择大光圈来保证小景深。 微距摄影师倾倾向于使用大光圈，保证拍摄主体可以抓住观众的全部注意力，而把其他内容统统忽略掉。

在人像摄影中，人物是摄影者明确表现的摄影主体。人像摄影的构图就是把被摄者放置到画面的什么位置，如何来突出被摄者这个主体的构图技法。在人像摄影中，简化画面中的其他元素来突出人物的构图方法是一切拍摄人像的基础，这是拍摄人像时摄影者必须掌握的基本常识。在人像拍摄中，简洁的构图是成功的关键。常见的人像摄影构图技法有：直线构图、三角形构图、对角线构图和曲线构图。 怎样选择适合不同人像的摄影构图技法呢？拍摄前，摄影者首先要根据拍摄的主体人物的不同有意识地选择合适的构图方法。然后感受主体人物的心情与周围环境，确定拍摄的风格。比如，可以使用三角构图将一位智慧的老者拍出大气稳重的感觉，但如果使用这种构图方式直接拍摄小孩，不论怎么拍摄都不会拍出小孩的稳重感，只会出现戏剧效果。具体情况还需灵活掌握。 1/1600s　f/2.8　焦距85mm　ISO 50 水平构图适合拍摄人景合一 1/320s　f/7.1焦距 45mmISO 100 该照片简洁大方，背景是层次分明的浑然一色的碧海蓝天，模特肌肤的颜色与背景的蓝色形成对比，白色泳装更使画面亮白洁净。 1/250s　f/11焦距 35mmISO 200 该图采用了以海滩为主题背景的水平构图，模特双手伸展的姿态让画面增添张力与动感。 L形构图给予肢体视觉延伸 1/250s　f/8　焦距20mm　ISO 100 画面中的模特以伸展的坐姿构成L形的构图。模特的视线与腿部伸展的方向一致，整个身体的中心稍往画面中心倾斜，这样能避免L形的构图为画面带来的失重效果。 三角形构图拍室内人像 1/200s　f/ 8.0焦距 125mm　ISO 200 照片拍摄时让被摄者身体呈半下蹲状，以人的脸部、手部、臀部3个点为顶点在视觉上构成变相的三角构图。双手向下扶着膝盖并用手掌覆盖住膝盖部位，减轻了人像下肢被截取拍摄的不完整感觉。垂下的双臂也略微弯曲，避免了垂直线条的呆板。 三角形构图的稳定与大气 1/125s　f/ 16.0　焦距 40mm　ISO 200 照片拍摄了较暗背景中明亮的人物坐姿，直接获得了三角构图。灯光从人的头顶部打下来,照亮了人物裸露出的肌肤，展现出女性的性感美。这两者结合让人物表现得性感而大气。 曲线构图让女性更柔美 1/200s　f/ 9.0　焦距 135mm 　ISO 200 拍摄时让被摄者身体前倾，突出胸部的曲线，然后手臂自然提起，手背压住腰部，突出臀部的曲线，这样就完美地表现了女性的S形曲线。拍摄时还要注意人物的头部自然上仰，以显其气质。 让构图体现小孩的活泼、好动 1/100s　f/ 7.1　焦距 50mm　ISO 100 使用九宫格拍摄室内的小孩。首先布置好画面让小孩和玩具占据了“井”字下方的两个交叉点来稳定画面，然后抓拍了小孩倒地的瞬间来体现小孩的好动，使画面充满活力。 九宫格与三角形构图的动静结合 1/800s　f8.0　焦距 38mmISO 100 照片结合使用了九宫格构图与三角形构图。以小孩的脚、头和空中踢起的球为三个顶点构建视觉三角形，表现出小孩动作的稳定感。然后结合九宫格构图协调画面主体位置，让画面动中有静 中央构图突出老人的神情 1/125s　f/ 11.0　焦距 90mm　ISO 100 照片使用中央构图技法从艺术的角度刻画了一副满脸皱纹却目光犀利的老人面孔。再结合画面只用黑白色调的表现手法，凸显出老人面部的苍老与内心世界的复杂。 框景构图锁定主题 1/200s　f/5.6 […]

后期制作后 云南丽江玉龙雪山下的牦牛坪，是一处很有特色的高原牧场。躲过景点入口喧闹的摊点，三五好友沿着景区长长的栈道缓缓而行，去看雪山，去看草甸，去看湖水…… 后期制作前 脚下栈道甩出一条曲线划过草甸，草甸平淡；栈道向前直伸天际，天际阴沉。没有了想象中的草长莺飞，不见了希望中的风舞云行，那就把对自然的憧憬落实到后期制作中去吧。 第一步 制作地面区域光效果 首先打开这张片子的直方图，看到色阶基本完整，左边暗调稍欠一点点。尽管画面上的草甸看起来很昏暗，但地面部分的色阶还是比较宽的，有很大的调整空间。而天空部分的色阶很窄，再想调整出影调变化是不行了。 很多朋友觉得Photoshop很大，很难，对学习它有望而生畏之意，这很正常。但是如果你是一个摄影爱好者，你只想用Photoshop来处理数码照片，那就不必运足了气去系统学习Photoshop，只要有针对性地学习掌握与照片处理相关的技术，能够解决一般数码照片处理问题就行了，首先是软件的基础操作，重点是“调整”菜单下的各项命令，关键是调整层和蒙版的运用，抓住这3部分，就抓住了数码照片处理的主干。 既然地面的色阶比较宽，那就可以通过制作一个暗调层、一个亮调层，然后制作出区域光效果来。 先制作一个暗调层。创建一个曲线调整层，以草地上的亮点和暗点为依据，在曲线上建立相关的控制点。将这两个点都向下压，整个草地的影调暗下来了。这将来就是草地上的暗调部分。单击“关闭”按钮退出。 再制作一个亮调层。创建一个曲线调整层，以草地上的亮点为依据在曲线上建立控制点。将这个点向上移动，看到草地整体亮起来了。这就是将来草地上的亮调部分。单击“关闭”按钮退出。 平坦的草地是风光摄影中常见的场景，在草地上处理出区域光效果，可以使得原本平淡的画面顿显生动，这是这一类照片常用的处理方法之一。基本思路是：为草地分别创建两个调整层，一个亮调层和一个暗调层，哪个层在上哪个层在下无所谓，只要将上面的层用蒙版遮挡掉不需要的部分就是了。 在工具箱中设前景色为黑，按Alt+Del键，在蒙版中填充黑色，亮调草地完全被遮挡掉了。 在工具箱中选画笔，前景色为白色，上面选项栏中设置合适的笔刷直径和硬度参数。用白色在图像中需要为亮调的地面上精细涂抹，亮调的草地显现出来了。 感觉较近的草地上一片较大面积的亮调与远处一缕较小的亮调相呼应，这样效果较好。 第二步 调整栈桥的影调 感觉栈桥的影调偏灰，反差较弱。 创建一个曲线调整层，按照桥面的亮点和暗点在曲线上建立相关的控制点。将这两个控制点分别上下移动，桥面的反差出来了。单击“关闭”按钮退出。 风光摄影不仅仅是对眼前所看到的景物的纪录，还应该是摄影者对这一景物的情感的表达。当这种情感受当时拍摄条件的限制，不能充分表达的时候，就可以通过后期处理来加强，来完善。 桥面的反差出来了，但因此影响到草地的反差太大了。在工具箱中选画笔，前景色为黑，上面选项栏中设置合适的笔刷直径和硬度参数。将反差太大的草地局部涂抹掉。 第三步 提高草地色彩饱和度 现在希望草地的颜色再鲜艳一些。创建一个“色相/饱和度”调整层。打开面板上的“编辑”下拉框，选择“黄色”选项。将饱和度滑标向右移动，提高到25左右，感觉草地的颜色鲜艳了。单击“关闭”按钮退出。 第四步 替换天空 草地有了变化，而天空过于平淡了，可以做替换。这张片子的天空几乎是单一色调的，因此可以用通道或者“色彩范围”命令来建立相关的选区。 选择“选择色彩范围”命令，在弹出的面板中，用默认的吸管工具在远处天空单击，在面板的“选择范围”缩览窗口中看到选区了，调整好上面“容差值”的滑标，让需要选中的区域为白，不需要选中的区域尽可能为黑。单击“确定”按钮退出。看到蚂蚁线了。 另外打开一张天空云彩较好的片子。按Ctrl+A键将图像全选，按F3键拷贝。 并不是说本书里所讲的方法都是惟一的，也并不是说本书所设的参数都是绝对的。本书中所讲的只是一个基本的思路。按照这个思路，每个操作者都可以有自己习惯的方法和自己喜欢的参数，处理出自己满意的效果来，思路有了，思路对了，具体技术问题总会有办法的。 回到刚才的目标图像文件，蚂蚁线还在。选择“编辑贴入”命令，可以看到蓝天白云贴进来了。图层面板上多了一个新的层，刚才的选区作为当前层的蒙版，准确控制了蓝天白云的显示区域。 白云的位置感觉并不满意，没关系，在工具箱中选择移动工具，按住蓝天白云就可以随意移动了。因为当前层是处于图像操作状态，缩览图与蒙版之间没有做链接，因此现在移动的就是当前层的图像。 将蓝天白云移动到满意位置。 发现栈桥上有很明显的蓝天白云图像的影子，需要修掉。在工具箱中选画笔，前景色为黑，选项栏中设置好合适的笔刷直径和硬度参数。 在图层面板上单击当前层的蒙版图标，进入蒙版操作状态。并不想将栈桥上的天光云影都遮挡掉，因此还要将画笔的“不透明度”参数降低到50%左右。在栈桥上将所需的桥面、桥栏细心涂抹出来。 现在看这个片子，天光云影动地来，整个画面生动多了。这正是牦牛坪应有的景色，它也肯定有这样的景色。只不过我们没有赶上好天气，幸亏我们都有PS的好身手哦。 照片的后期处理并不是随意玩弄技巧，照片所要表现的内容和方式，都与主题和情感紧密相关，手段是为内容服务的。 很多片子也不是按快门的时候就想好了要如何做后期处理效果的，往往都是回来后看着片子反复琢磨，反复试验做出各种后期处理效果的。

Rebekka Guðleif，冰岛视觉艺术家和摄影师，她的摄影题材很广泛，从美丽的冰岛风光到动物到人像。Rebekka自2005年来一直为华尔街日报、纽约时报、花花公子、BBC等众多著名机构进行拍摄工作。虽然涉足各种商业拍摄任务，但Rebekka仍然对艺术摄影情有独钟。目前她和她的两个儿子一起生活在冰岛Hafnarfjörður。 她最著名的摄影作品是她的自拍作品。在这篇文章里，Rebekka为我们讲述了她开始拍摄克隆自拍作品的契机和故事，摄影师本人还将亲自为你介绍如何用简单的两步克隆自我！ 　如何想到克隆自我 有些日子里我真想复制出另一个自己。 我想克隆出一个自己，像上图里的Rebekka（左边那个倒啤酒，而不是右边那个心不在焉的）那样的姑娘，我可以把家务活都安排给她，当然还有收发邮件等一切有关养家糊口的繁琐事情。这样，真正的我就能把精力集中在拍摄艺术作品上，也就有时间整理以前的作品，出版计划好久的摄影集了。我还要喝啤酒、到处旅行、花更多的时间和我的孩子待在一起。这一切，想想就很美好呀。 但是对现实中的我来说，这一切都只是泡影。所以我只能在我擅长的视觉领域实现这个美好的梦想。这就是为什么我花了2年的时间，拍摄了这套克隆自拍作品。下面这张照片就是一个典型案例。 慢慢地我开始发现，克隆人像拍摄成为了一个流行趋势，在Flickr里经常能看到各种各样的模仿作品，甚至还有沙特阿拉伯版本的，我觉得这是一件特别好玩的事儿。到最后，甚至连冰岛的丰田公司都邀请我用这个创意为他们的新款汽车拍摄广告。到现在我仍然觉得这是一个非常大胆而且冒险的举动，那时我才刚刚从学校毕业，商业广告摄影的经验几乎为零。我告诉自己只要像平常一样拍摄就好。于是2006年，我花了一个夏天的时间来拍摄克隆自拍作品。 克隆自我完全教程 　　经常有人会问我是怎么做到的，说实话，如今克隆人像拍摄已经大范围普及了，很多人都会自己拍摄合成。实际上早在19世纪就有人尝试这种方法了，当时他在暗室里用负片手工合成的。所以每当有人询问我是怎么做时，我都非常惊讶。但鉴于如此多的人发问，我就在此提供大家一个教程。 　步骤一：准备工作 您需要的： ·任何可以手动控制的相机 ·三脚架 ·一个快门遥控器 ·一个拍摄主题 一旦你决定了拍摄场景，就可以架设三脚架取好景，然后设置好相机的ISO感光度、快门速度、光圈等等。以上的设置在拍摄过程中都不要擅自改变。 如果是在室内拍摄，由于照明和用光处于可控制状态，拍摄环境比较稳定，拍摄会变得更容易。但如果在户外的话，拍摄环境不好控制，你必须把握好时间，有时候随风飘过的一朵云就会毁了一切。 使用快门遥控器是为了防止相机的位移，否则你恩了两下快门以后，相机的位置可能就变了，你你也就没法拍到两个相同的完整背景。这是一个关键的因素，以确保你拍摄的每一张素材都可以用于照片的合成。 如果你和我一样在进行克隆自拍的话，我推荐你采用计时器，让自己有充裕的时间调整自己在画面中的位置。换衣服和头发都是不错的选择，在下面这张照片里，我就尝试了不同的发色，虽然这看上去有点疯狂。 好吧，我承认，我并不是为了这次拍摄染的头发。这两张照片并不是一天拍摄的。 步骤二：合成照片 　　这一步可能很简单，也可能很复杂。这取决于照片中两个人物是否有肢体上的互动和接触。我从来没尝试过太复杂的动作，因为我觉得我的后期水平并不高。 首先，让我们来看看如何合成一张人物间无肢体接触的照片。 如果你你选择拍摄RAW格式的照片（我强烈推荐），请确定合成素材照片在Lightroom和Photoshop中打开时，照片中的背景是相同的。因为有时，CR2格式的文件在错误打开时，会出现色彩、曲线或者白平衡失真的情况。 在PhotoShop里打开你想合成的两张照片以后，只需将其中一张简单的复制（Ctrl+C）并粘贴（Ctrl+V）到另外一张上去，再简单地用橡皮工具擦除上层图片中的部分像素，以露出你想露出的下层图片部分。如果这两张图片中的人物没有任何重叠的话，就是这么简单。 处理好以上步骤，确定照片中的人物部分都露出以后，再简单地拼合图层（Ctrl+E）。接下来，你就可以像处理一张图片那样任意进行后期创作了，直到达到了你满意的结果为止。 这张照片拍摄于2006年5月，在阳光直射的环境下拍摄，采用了ND400滤镜，曝光时间1/20。这条河现在已经不存在了，一年前回到这时我发现小河已经完全干涸了，让人很沮丧。 在这《持刀的精神病人》作品中，我合成了3张照片，分别是镜子里的倒影、持刀的病人以及在照镜子的人。虽然看上去有点复杂，但是采用的也是相同的步骤。 而在这张为丰田拍摄的照片中，我则在一座桥上做一些很傻的武打动作。这张照片在合成时会有一些问题，就是右边人物的影子和左侧人物的小腿相重合了，其实这也很容易解决，只需要在Photoshop里用套索工具选中小腿部分，然后将其复制到第三层并前置。接下来的步骤就跟前面说的一样了。 　　还有一些要说的 如果想合成更有意思的作品，你需要更有创意。有一次，我试图和自己一起跳绳，结果合成完了我发现第二个人物没有抓住绳子的另一端。结果，照片看起来非常怪异，不过我希望我的坏例子能够给你一些灵感上的启发。 如果你非得要创作一张自己和自己在进行法式热吻的照片，那我就帮不到你了。我最多也就能制作一张像上面这样自己和自己亲热的照片。

想必大家都知道三分法、直线构图法，在照相取景的时候大家通常都会遵循这样的规则去照相。下面就向大家介绍一些不那么常见的构图技法。 1.从左到右 把你的主体焦点更多地聚焦在右侧而不是左侧。我们的眼睛在阅读文本的时候，习惯从左到右，就如同你现在在阅读这篇文章一样。所以，同样我们可以把这个想法放到关于摄影上。这并不是三分构图法的三分之二处，而是在更多地吸引观看者注意照片主体。 你可以在家试试做这个小练习：找出一些你把焦点放在左边的照片，然后使用一些修图软件，将其翻转过来。你能看出他们的区别吗？把主体放在右边，会使照片更具有阅览性。当然，你可能还不太习惯使用这个规则，但是在某些情况下，它可以照出很有趣的照片。 2.讲述一个故事 一张图片可以胜过千言万语，对不对？想想看，每一次在你按动快门的时候，是要传到什么样的情绪呢？比如拍摄漂亮的日落，如何通过图像展现它在一天结束时的平静与和平感呢？你心里想的是什么样的故事，就要表现出来。在下一次按动快门的时候，不要忘记你想要传达的信息。 讲故事并不是新鲜事，但如何通过摄影来体现你的故事，照片的组成部分是关键因素，你要分析照片中的每一个单一细节，想办法突出或增加主题。 比如上面的两张照片，左边照片中湖边上的小屋，应该只是照片的一部分，左边的照片更多的是在表达整体环境的宁静。而右边的照片，经过剪裁更突出了小屋的细节，更多地想要表达出了关于小屋和家庭的感觉。这两张照片，你更喜欢哪个呢？ 3.简化你的作品 把你的重点放在主体上，不要过多地重视所有细节。太多的细节会让人们的视线偏离焦点，更难弄清楚你要传达的意思。 有一个技巧，就是将你的重点放在有光的地方。人的眼睛会自然地随着光线移动，通过光线，定位主体，令观看者对于主体一目了然，这样会令你照片更具影响力。 4.三角构图法 奇数的东西往往比偶数更让人善心悦目。正因为如此，三角形比正方形更让人觉得具有活力。 当照多人集体照的时候，大家常规的想法是站成三行：前排，中间，然后身材高大的人在后排。其实这是一个非常沉闷的组合。如果让图中的人站成三角形则会令照片更生动，即使有偶数个人，也可以用三角构图法将它们放在三角中。 人数众多的时候可以忽略奇数偶数，但是人数比较少的时候，你可以试着尝试三角构图法。 5.适当遮挡 不要害怕切断图中的一部分元素。比如下图，帽子虽然遮挡住了脸的一部分，但是反而让面部细节更加突出。 6.打破常规 不要害怕打破规则，勇敢尝试新的东西。打破常规，也恰恰是使照片脱颖而出的好方法。

寻找自然的画框     这张照片是Ralph Morse 1942年为《时代》杂志拍摄的。“我喜欢这张照片，”Stalman说，“为你的主体寻找自然的画框。对这张照片来说，即使那里没有这个舱门，它也是张不错的照片。但额外的画框让它更好：你可以透过门框获得一种类似‘偷窥’的感觉，照片中的模特没有看向照相机更强化了这种感觉，他仿佛根本没注意到相机的存在。” 不要把主体放在画面中心（有时）     Spencer Platt在Rio拍摄了这张走绳索的人的照片。“从这张照片上能学到的东西，”Stalman说，“并不新鲜，但很有用：让主体偏离画面中央可以——在恰当的时候——让照片更有张力。这是普通照片所不具有的。” 寻找图案     对这张J. R. Eyerman拍摄的3D电影观众的著名照片，Stalman说：“吸引住我的正是重复出现的人脸。这里没有特别醒目的一个，整个画面变成一种令人印象深刻的抽象的图案。从远处看这张照片，你就能得到一种确定的印象，在靠近之后才突然发现这些人脸。在不同的观赏距离上，这张照片产生了不同的效果。” 尝试不同角度     Alfred Eisenstaedt拍摄了这张布鲁克林大桥的照片。“这张照片最主要的构图元素，”Stalman说，“是大桥底部形成的穿过整个画面的醒目的深色线条，它同时将观众的视线引导至画面低处曼哈顿的摩天大楼上。不过从这张照片上还能学到另外一课。看看这座桥是如何在世贸中心北楼与较低的伍尔沃斯大厦之间取得平衡的。非常漂亮。摄影师在对这张照片构图时一定花了很多心思——在桥下反复寻找合适的位置。有时你必须花一些时间，到处看看，尝试不同的角度，当你感觉所有东西都到位后再拍照。” 不要怕复杂，要回避混乱     这张玛丽皇后号蒸汽船的照片由Andreas Feininger使用长焦镜头从3公里外拍摄。“值得赞赏，”Stalman说，“在很多方面都是。我们能从中学到的一课是，一个复杂的场景，并不一定意味着只能拍出复杂的画面。这张照片中有太多的看点——蒸汽船的烟囱，42大街的交通，建筑群顶部飘荡的小旗等等。但即便如此，这张照片也足够吸引人。它内容充实，但并不混乱。最后，注意这张照片的剪裁。你可以看到船边的水面，它给画面增加了动感。但同时，照片底部的河流也有助于让画面‘安静’下来。如果没有它，这张照片就会感觉杂乱了。” 对称     Al Bello在佛罗里达的一场网球赛中拍下这张照片。“摄影师所在的位置，刚好位于球场中央。边线、球员及光线都形成完美的对称。”Stalman说道。“另外，我特别喜欢的地方在于，照片中体育场上方的天空很容易被裁掉，以强调球场内的画面，但是摄影师没有这么做。极具戏剧化的云层增强了场内对抗的气氛。” 不要太直白     “从这张照片上能学到的，”Stalman评价George Silk在职业棒球赛上拍摄的匹兹堡海盗队球迷的庆祝画面，“是摄影师从人群的头顶拍摄。多数人会觉得在这个位置已经够高了，他们会努力靠近边缘尽量离球场近一点拍摄。相反，Silk向我们展示了其他努力探出身子的人。很明显他自己站得更高，并将拍摄对象改成这些观众。现在，右下角的这些人比球赛本身更醒目。最后，这张照片呈现出强烈的对角线构图，远处的球赛与兴奋的球迷相互辉映。” 运用直线     摄影师Johannes Simon 2010年1月在德国拍到这张照片。“这张照片构图的想法，”Stalman说，“非常简单且有效。摄影师将画面一分为二，将地平线置于画面正中，利用小路形成的直线，将观众的视线引至画面中唯一的小屋。” 在画面中留白     对Grey Villet拍摄的这张高校失学青年的照片，Stalman说：“这张照片第一个引起你注意的是画面中大量的空白。这里给你留出想象的空间——这些孩子们要去哪里？这里发生了什么？这里还是一个利用斜面的好例子——倾斜的道路令观众产生了动态的感觉，而画面中其实并没有任何移动的物体。人物的深色衣服是画面中唯一的对比——除了那一小捆铁丝外。” 从下方仰拍     摄影师Spencer Platt的另一张照片。这次是纽约街头艺人Robert Burck，一位在时代广场演唱的裸体牛仔。“这里用到了一个简单且有效的技巧。它能让本来单调的画面变得有趣起来，”Stalman说。“如果这张照片是从正面拍摄牛仔，从眼睛的高度，那么画面就会显得很凌乱。尽管半裸，但人物还是有些融入到背景之中。通过降低机位仰拍，摄影师将人物与背景有效地分离开，并以一种有些滑稽的方式给人物添加了一些英雄气概般的感觉。” 平衡醒目的形状     这张由Margaret Bourke-White拍摄的圣雄甘地的照片，为摄影师们上了良好的一课，Stalman说，并不是因为照片中的人物是甘地，尽管拍的就是甘地。“在这张照片中，”Stalman说，“我们当然会看见甘地。但是，从构图上来说，这张照片可以成为所有人学习的榜样。最重要的一点，是在2种形状——深色的纺车与安静的甘地——之间取得平衡。这张照片放到任何尺寸都是一幅有力的画面——即使是缩略图，并且可以作为判断一张照片是否构图良好的标准。”