想拍出最顶尖的摄影作品，你并不需要专业级数码单反相机。拍出好照片的关键不在于相机，而在于你的观察方法和技巧运用。我们将会告诉你如何把手中的器材发挥到最大限度。 世界顶尖摄影师能用任何相机创作出优秀的作品。专业摄影师们之所以需要顶级专业数码相机，是因为他们的每日衣食全仰仗于手中的相机。但对普通人而言，战斗机式的自动对焦系统、机关枪似的连拍速度、坦克车一样坚固的机身设计并不能成为照片的品质保障。使用正确的拍摄技巧，即便是入门级数码单反相机，也能得到媲美高端器材的结果。 好好想想，无论你手中拥有顶尖单反，还是佳能EOS 1100D、尼康5100等入门级单反，它们的成像原理都几乎一样。光线通过镜头照射到感光元件上成像，而曝光值则通过快门速度和光圈大小来控制。 看完这篇文章所介绍的小知识和创意拍摄技巧，你也能用手中现有的设备拍摄出专业级的作品。下次如果你身边有谁打算一掷万金购买最新款设备，别忘记把这篇文章和他分享。 快门速度 无论场面明暗动静，想拍摄出优秀的摄影作品，首先需要掌握的就是正确的快门速度设置。 选择拍摄一幅照片时，首先要确定的就是画面的清晰或者模糊。很多摄影师都偏好清晰锐利的照片，而忽略了模糊可能给画面带来的韵味。模糊的海水能创造出梦境般安逸的氛围，而静止的波涛则能表现大自然的恢弘气势。与之类似，稍带动感模糊的田径运动作品能传递观看比赛时的真实体验，而静止不动的画面则能表现出运动员肌肉的分明线条。影响你决策的因素包括画面主体的感染力、你的心情、天气和环境等，根据所需的模糊程度设置快门速度。1/500秒或更短的曝光时间能凝固极高速度运动的被摄对象，而快门速度较长，在快门开启过程中记录的动态也就更多，画面模糊也就更加明显。 水面模糊 无论是瀑布还是小溪，水流的轨迹都较为固定，只需要0.5到1秒左右的快门就能得到丝绸一般的白色效果。但如果希望海面也能达到类似的模糊效果，需要的时间则1到2分钟甚至更长。 在弱光环境下或冬天，使用最低感光度和最小光圈很容易实现所需的曝光时间，但在大部分其它情况下则需要用到中灰密度镜。中灰密度镜不改变画面色彩，只减少进入画面的光线强度，有1、2、3挡等不同规格，分别能将曝光时间延长2倍、4倍和8倍。除此之外，还有保谷的NDx400和Lee的超级挡光镜(Big Stopper)等能降低9到10挡光线强度的中灰镜可供选择。正常情况下使用1/60秒快门拍摄的照片，在加上10挡中灰镜后，曝光时间将被延长至15 秒。而1秒快门能被延长至16分钟。这类中灰镜价格不算便宜， Lee的超级减光镜价格非常昂贵，所以不妨将多片普通中灰镜叠加使用。如果图便宜的话，甚至可以使用电焊眼镜充当中灰密度镜，只不过不要对其光学品质过于苛刻。 相机动起来 即便是静止不动的对象，稍微增加一些模糊也会变得很有趣。在遮天蔽日的森林里，你可以使用慢门来发挥创意。只需选择好构图，按动快门并平滑的移动相机，就能得到如上图所示的神奇结果。 光圈 景深表示焦点前后的画面清晰范围。光圈越小，景深范围越大，这是摄影的基本规律之一。有不少人因此认为选择最小光圈就能得到最清晰的图片。遗憾的是，一条物理定律否定了他们的想法。光圈越小，光的衍射也就越强烈。光线在通过光圈叶片边缘时发生了混合，造成影像模糊。所以最好在镜头最小光圈的基础上开大1到2挡 对焦堆叠 有些时候，即便使用小光圈也无法得到满足需要的景深范围。幸运的是，我们还可以使用对焦堆叠轻松解决这个问题。对焦堆叠可用于静物、微距和风光拍摄，还可用于任何静止画面的拍摄。通过将多张焦点不同景深有限的照片合并，得到一张画面中所有对象均保持清晰的合成照片。 拍摄对焦堆叠所用素材时需要逐张调整焦点位置，在此过程中很重要的一点就是保持画面内容不变，因此相机需要安放在一个稳固的三脚架上。在画面主体周围留下一定空间，因为最后的合成结果需要裁除少量边缘画面。 将相机设置为手动模式，选择最佳光圈，对焦在景物中需要保持清晰的最近部分拍摄第一张照片。然后向远景部分依次移动焦点拍摄，得到清晰部分从近到远的一系列照片。尽管使用任何支持图层的图像处理软件都能将这些照片合并为一张，但最好还是使用为此目的设计的软件。 CombineZM就是这样一款易于使用、表现优良的软件，Windows用户可以从 www.hadleyweb.pwp.blueyonder.co.uk上免费下载。Photoshop CS4或CS5用户可以依次执行“编辑>自动对齐图层”、“编辑>自动混合图层”得到相同的效果。 白平衡 自动白平衡系统能较好的分辨环境光线、保证色彩还原，但这套系统并不是没有问题。当它们极力避免出现偏色时，也许被“纠正”的正是画面应有的氛围，例如说夕阳的暖色调等等。但我们可以使用白平衡预设或指定色温值代替自动白平衡，得到更具画面氛围的拍摄结果。 单反相机白平衡菜单中的日光或阳光选项非常实用，即便在我们的眼睛和大脑被欺骗的情况下，通常也能如实记录拍摄时的色彩。而阴影或多云设置拍摄的照片则略微偏暖，有时还可能偏棕色，但对于某些特定场合效果会很好。 自定义白平衡 很多摄影师对手动设置白平衡感到为难，其实这非常简单。自定义白平衡允许我们自由选择画面中的中性色，非常适合在混合色温条件下拍摄使用。 对大多数单反相机而言，使用自定义白平衡的第一步是选择自定义白平衡选项。以尼康D3100为例，可通过白平衡菜单设置。下一步是将白色或中灰色对象放在主体所处的光线条件下拍摄校准，白纸或灰卡是最理想的参考。在混合色温条件下校正白平衡时，参考对象的角度必须与主体受光角度一致，这一点非常重要。假设被摄对象一面受窗口光线照射，另一面受室内白炽灯照射，那么参考对象单独朝向任何一面都是不正确的。 自定义白平衡设置在重新设置之前都会保持不变，所以即便使用其它设置或自动白平衡设置，依旧可以随时用回设定的自定义值。 将错就错 有时候，选择“错误”的白平衡设置能得到更加有趣的拍摄效果。例如说在日光环境下，如果使用白炽灯白平衡设置拍摄，拍摄结果会笼上一层深蓝色色罩，非常适合表现冰雪或晨雾等风景。而阴影或多云等选项则会让拍摄结果变得更加温暖，非常适合“山雨欲来风满楼”的景象。所以不要害怕尝试。 使用滤镜 虽然很多滤镜都能使用Photoshop模拟，但为了得到高品质的画面表现，有些时候我们还是需要真正的滤镜。这里我们介绍两类专业摄影时最常用的滤镜，一类叫做中灰渐变镜，另一种叫做偏振镜。如果你喜欢长时间曝光，那么还需要加上中灰密度镜。 中灰渐变镜是风光摄影师必不可少的工具之一，它能从拍摄源头避免天空过曝，无需依靠Photoshop完成。中灰镜从一段透明柔和过渡到另一端的中灰镜，使用中灰部分遮盖在画面中较明亮的部分，就能降低这部分的曝光值，常用来压暗天空。这时，正常拍摄下过曝的云朵就能在蓝天的映衬下表现出更多细节。 和相机生产商们着力研发的机内动态范围优化不同，中灰渐变镜不会给画面阴影部分带来噪点，也无需使用若干曝光不同的照片后期合成，因此更适合画面中有移动对象的场合拍摄。不用再担心惊涛拍岸、风吹杨柳等画面无法被正确记录。 偏振镜所实现的功能同样是Photoshop无法实现的。除了能增强色彩饱和度，偏振镜还能削弱反光和眩光。拍摄流水、汽车、树叶等有意想不到的神奇效果。在使用时，要注意偏振镜与反光物体的角度。角度不同，对反光的削弱程度也不一样。同时转动偏振镜，以达到最理想的效果。 使用中灰渐变镜 书上说，使用中灰镜的正确方法是依次读取天空和地面的曝光值，然后根据两次读数的差值选择对应规格的中灰镜，并按照地面曝光值设置相机光圈快门。不过，更简单的方式是将相机直接设置为评价或矩阵测光模式，然后使用相应ND规格的渐变灰镜，压暗天空2挡进行拍摄。 安装中灰渐变镜是一件很简单的事情，但要慢慢来，把握渐变的位置非常重要。先将滤镜架安装在镜头上，然后将滤镜片缓缓插在套座上。 通过取景器或取景模式观察渐变所处的位置，并调整滤镜，直到灰色渐变部分清楚明了的处在地平线上方。如果你重新调整画面构图改变了地平线在画面中的位置，切记这时需要相应的重新调整滤镜，让地平线与滤镜渐变位置重合。如果地平线不是水平的，只需调整套座的角度。 使用偏振镜 偏振镜一般是圆形的，这是因为它们需要旋转到正确位置使用。当镜头与太阳呈90度角，偏振镜与阳光或反射光调整为最佳角度时，能得到深蓝的天空，同时最大程度消除画面反光。 由于偏振镜效果和与反光的角度息息相关，所以用在超广角镜头上经常会出现天空一边暗一边亮的情况。检查偏振镜效果非常简单，只需将其安装在镜头上，旋转观察即可，当色彩达到最饱和、反光完全被消除或天空压暗最明显时停止转动。 当你掌握了每种滤镜的用法和效果，就可以尝试使用组合滤镜,实现你要得到的效果。当你发现身上只有一块中灰渐变镜时，可以使用偏振镜，进一步压暗天空，同时还能抑制地面物体的反光。

天气还不算暖和，如果你喜欢摄影，又想宅在家里，这篇文章就很适合你。我们将教你拍摄一些在家中就能完成的拍摄题材，你不必花钱购买什么设备，就能拍摄出专业的效果。 想在家中进行摄影艺术创作，一方面需要创造力，二方面需要想象力。至于说器材多少、空间大小并不能成为我们创作道路上的绊脚石。只要一点点想象力和创造力，我们就能开始自己的创作。本期专题中，我们将为大家提供五个在家中就能完成的简单拍摄项目，希望能起到抛砖引玉的作用，帮助大家利用闲暇时光创作出美丽动人的摄影艺术作品。 首当其冲的是如何使用窗口透进来的光线拍摄鲜花，这个项目虽然简单，但是经典。然后我们将告诉大家如何在闪光灯的帮助下捕捉水滴和烟雾。另外我们还会告诉大家一种全新的微距拍摄手段以及创建自己的迷你工作室的方法。 一、静物之美 在起居室的硬纸盒里享受专业影棚才有的灯光效果。 使用窗口射进来的光线在家中进行摄影创作是一个很完美的解决方案，但只能在白天进行。可冬日的白天实在短暂，如果我们希望自己的创作热情不会因阳光的慷慨或吝啬至极而受到影响，那么就需要一个更加稳定、更加可靠的光源。 影棚灯组也许是最好的一种解决方案，但更简单、更廉价的解决方案也并非不存在。台灯简单而廉价，但由于它们并非为满足摄影需要而设计，光线不够柔和，直接使用只能得到反差强烈的结果，乍看并非我们的理想选择。但事实上我们完全可以以台灯作为基础，搭建一个属于自己的迷你静物影棚。 开始搭建 选择一个足够放下拍摄对象的硬纸盒，切掉硬纸盒的底部，只留下足够帮助纸盒位置站立的边缘。接下来使用黑纸贴满纸盒的内部，减少反射光线、避免干扰。保留纸盒的顶盖，在两侧向外粘贴更多的黑纸，它们能起到额外的挡光作用。最后，在原本的纸盒底部粘上一张描图纸或其他白色半透明材料。 影棚布光 在家中获得专业拍摄结果的最佳方法。 背景布光 为了模拟我们所追求的窗口光线的感觉，我们将一盏台灯对准“小影棚”背后的墙壁，试图用反射光线模拟窗口光线匀称而柔和的质感。 前景布光 我们将第二盏台灯放在硬纸盒的右后方，然后使用一块自制的银色反光板将其光线反射到位于“影棚”内的拍摄对象上面。 相机设置 为了模拟窗口光线的逆光效果，我们提高了一挡曝光补偿，并使用f/4的光圈设置模糊背景。拍摄时焦点设置在酒瓶上。 二、水滴飞溅 想捕捉水滴跃出水面时的优美细节与形态，我们除了需要一支离机闪光灯，还需要很多很多的耐心。 布列松在谈到他著名的“决定性瞬间”理论时一定没有想过水滴摄影这件事，但是这个理论用在水滴摄影领域却再合适不过。水滴四溅的美，确实只属于短暂的瞬间。 为了拍摄出优美的水滴摄影作品，有人用上了花费不菲的高科技设备。例如说使用电子阀门产生时间固定的水滴，然后结合动态捕捉装置触发闪光灯闪光。事实上我们使用最简单的设备与手段也能得到令人惊叹的拍摄结果。 首先我们要考虑的是如何自动生成不断滴落的水滴。其实方法有很多，例如说在塑料袋上钻一个小孔，把水龙头拧开一丁点，使用沾水的毛巾或海绵，再或者找一支吸管都行。关键有两点，一是确保水滴每一次都能落在相同的位置上，二是确保水滴滴落的频率基本相当。我们使用了一支连接软管的注射器安装在支架上作为水源。 除了准备好水源之外，我们还需要一个容器接住落下来的水滴。虽然任何盘子或盒子都能担当此任，但是它们的深度和形状却会对涟漪的样式造成影响。如果我们希望得到足够规则的水波纹，就必须选择足够大的容器，圆形为佳。 点睛之光 照明水滴的方式有很多，但是要记住一点——光源的照明范围一定要控制在水滴而不是水面上。只有这样，才能让水滴成为画面中显而易见的主角。所以在拍摄时除了必须使用离机闪光灯之外，还需要使用一块面积较大的卡纸反光，或直接将闪光灯放在面积较大的半透明薄膜背后提供照明。 万事俱备之后，我们唯一需要的就是把握正确的拍摄时机，在水滴接触水面的一瞬间释放快门。想做到时机恰好需要一定的练习，按照我们在拍摄例图时搭设的装置，使用遥控器释放快门的最佳时机是水滴刚刚从注射器滴落的瞬间。 水滴摄影 看过水滴摄影的简明入门介绍，你也能拍摄出精彩的照片。 水滴的来源 我们使用了一个安装在简易支架上连接着软管的注射器作为水滴来源。确保水滴每次滴落的位置一致非常重要。一个容量仅为1mL的小注射器能帮助我们更加精确的控制水滴。我们需要反复试验加水的力度，才能掌握其中的规律。 光线的位置 将一块磨砂玻璃放在盛水的容器后面，然后将离机闪光灯放在磨砂玻璃背后，这是我们经过试验找到的最简单的布光方法。闪光灯使用同步引闪触发，出光功率手动设置为1/32。这种布光能制造纯净的渐变背景。 相机的设置 相机安装在云台上，设置为手动对焦与曝光模式。先找准水滴落下的位置，放置一个标记物辅助对焦。确认对焦点之后再移除标记物进行实际拍摄。调整好三脚架之后，尽量避免碰到相机，脚架腿每次细微的移动，都会影响构图。 玩转水滴效果 使用不同类型和颜色的液体得到不同的拍摄效果。 将相机放在与水面平行的位置上能捕捉到更加明显的水面反光，得到更富艺术气质的画面感觉。此时洁净的背景非常重要。 给液体内加入不同颜色的颜料能丰富画面的色彩变化。如果给上方的水滴和下方的水面加入不同的颜色，效果还能更有趣，你可以在牛奶上小心浇上一层染过颜色的水。 不同液体的粘度和特性完全不同，使用牛奶作为替代能得到和水滴完全不同的形状与效果，此处我们可以看到牛奶呈现出这种皇冠一样的效果。 掌握单个水滴的拍摄技巧后，我们就可以加快水滴的滴落频率，从而捕捉两个水滴在空中碰撞的瞬间，得到更震撼的效果。 三、烟雾缭绕 无论是静物小品还是艺术抽象，这儿介绍的技巧都能让你的画面效果变得更酷。 烟雾变化多端、神鬼莫测，想把这个题材拍好可不是一件容易的事情。我们永远也无法把握自己究竟能拍到什么，但这正是该题材的魅力源泉之一。很可能在不经意之间，我们就捕捉到永远无法再现的自然与形态之美。 事实上在拍摄烟雾的时候，我们并非全无控制的余地，尤其在加入布光因素后更是如此。从烟雾后方打光能帮助我们得到最优秀的拍摄结果，这个方向的光线最能表现烟雾的形态与纹理。但是为了让烟雾的形态与纹理在画面中显得更加突出，我们还需要使用黑色的背景布才行。天鹅绒布由于其吸光特性，比普通背景布效果更好。但是它比较容易粘灰，所以在拍摄之前必须做好清洁才行。 熟能生巧 尽管我们能精确的控制灯光，却没有办法完全把握烟雾的数量和形态。虽说接下来我们会告诉大家几条行之有效的简单拍摄技巧，但是想真正拍摄出完美的作品还得依靠不断的实验和实践。大量的废片是精品诞生的基础。 烟雾简洁的美感已经足够让人着迷，但如果我们添加一点点小静物又能给画面带来不一样的魅力。我们选择了一个红辣椒，从“辣到冒烟”这个俗语来看它倒是烟雾不错的伴侣，而且红辣椒简单的外形与明艳的色彩也正好符合我们的需要。 我们把一根牙签从背后插在辣椒里面后再用一支黑色的夹子夹住牙签固定辣椒的位置，从拍摄结果来看支撑物很好隐藏在了黑色的背景布中。辣椒的照明使用了单独的一支闪光灯，灯头前同样安装了我们自制的卡纸束光桶，防止光线照射到背景或夹子上。 后期处理 尽管我们在布光时已经再三留心，但是在拍摄完成后还是需要进行少许软件调整才能保证结果的尽善尽美。留神观察成片，我们还能隐隐约约看到支撑辣椒的夹子。偷懒的话可以使用Photoshop工具栏中的加深工具直接将其压暗为黑色，追求精确则可以使用仿制图章工具将其覆盖。另外我们还使用了色阶命令加强照片的饱和度。 烟雾与灯光 三步还原用作本节范例的烟雾辣椒静物图。 烟雾的布光 为了表现出烟雾的细节，我们在烟雾轨迹的背后使用了一支闪光灯提供照明。我们使用黑卡纸制作了一支束光桶装在灯头前面，一来避免光线对背景造成影响，二来避免出现镜头眩光。 静物的布光 […]

新手刚接触风景摄影时，在对焦、曝光…..等方面，比较无法确切掌握其要害，到底相机该怎么设定，才能让眼前的这片好山好水纳入镜头里面呢？下面将从拍摄风景时的对焦方式、利用EV值曝光的方法、动态风景与静态风景的拍摄模式切入，来告诉大家风景这样拍就能收得好画面哦！ 选择最佳对焦方式 现阶段的自动对焦系统可以在几乎完全黑暗的条件下进行对焦，或是针对飞行中的鸟类持续对焦，且能自动选择要对焦在实景中的哪个部份。有些新一代系统可以辨识人脸优先对焦，或是多人脸部同时在一画面时，自动选择最佳对焦点。总而言之，各种对焦模式都有其优点，建议针对想要拍摄的对象选择适当的对焦模式即可。 对焦模式 单张自动对焦：适用于静止主题的单张自动对焦。对准拍摄目标半按快门按钮，相机会进行一次对焦。 连续自动对焦：适用于对焦距离不断变更的运动主体。如果持续半按快门按钮，将会对主体连续对焦。 手动对焦： 将镜头对焦模式开关设为<MF>，转动镜头对焦环进行对焦，以肉眼确认观景器中的主体是否变得清晰。 使用AF和MF的时机 一般说来，摄影的基础就是对焦要准确。拍摄山岳、湖泊等静态景观时，可使用单张自动对焦；拍摄自由车、运动类等题材时，则建议使用连续自动对焦。 使用单张自动对焦时，当对焦点与主体重叠，相机就会自动对物体进行对焦。在半按下快门时，对焦位置会被锁定，可以在固定焦点的状态下重新构图。如果使用连续自动对焦的功能，就必须从观景器中追踪拍摄主体的移动状态。 而下列情况，可能无法成功对焦时，则须改用手动对焦： 对比度低的主体【范例】蓝天、色彩单一的墙壁 低光照下的主体【范例】夜景、星空 强烈逆光或反光的主体【范例】车身反光的汽车 远近主体同时覆盖自动对焦点【范例】笼中的鸟儿 重复图案【范例】格子状的窗户、电脑键盘 对焦位置与成像的差异 对焦位置不同也会改变照片给人的印象，即使是同样的一个画面，也会因对焦的位置不同，而给人印象很大的差异。对焦点对在离自己很近的位置时，背景就会很模糊，而焦点对准的地方则会很清晰；相对于拍摄距离，相机与背景的距离愈远，背景就会愈模糊。因此如果想拍摄清晰的背景，那背景与拍摄对象的距离也要很近才行。另外，对焦点在最远处时，模糊的前景，可衬托出拍摄对象的距离感。在强调空间距离感的时候可以采用此种方法。 ▲对焦点在最近处的树干上，背景很模糊。 ▲对焦点在中央时，前后景物都会模糊。 ▲对焦点在最远处的树林时，前面景物愈靠近拍摄点就愈模糊。 曝光模式 决定好测光模式后，接下来就要选择正确的曝光模式。拍摄动态景物时，可以选择能自行决定快门速度的快门先决模式，以准确补捉动作；拍摄静态景物时，能够自由控制景深范围的光圈优先模式则较为适合。 依据拍摄题材选择曝光模式 快门先决（shutter priority）拍摄动态风景时，选择快门先决 ▲拍摄海水快速在礁石间流动的景象时，将快门设定为1/2秒，太短拍不出流动感，太长则水流易过曝无细节。（新北市／老梅） 光圈先决（aperture priority）拍摄静态风景时，选择光圈先决 ▲为了拍摄大尖山的景色，以及翠绿的草原与天空有漂亮的蓝天白云，将光圈设定为F10，让前、中、后景皆清晰，对焦点对准大尖山。（垦丁国家公园／垦丁牧场） Auto ISO 在底片摄影中表示不同底片对光线感光的灵敏度。在数位时代，感光度则可藉由调整感光元件（CCD或CMOS）对光线的灵敏度来改变。现在的相机可直接改变感光度，以获得不同程度的曝光，部分高阶相机甚至会在现场光线不足时，自动提高感光元件的灵敏度，也就是Auto ISO（自动感光度功能），可将快门时间缩短至手持拍摄时之安全快门（稍后会说明）左右，避免引起手震。 曝光补偿 根据表现的意图，我们可能会认为若能将曝光量增加或减少，照片的效果会更好，通常这是主观性的影响。有时并非相机的测光系统出错，而是它无法解读你的创意。这时，只要减少曝光量（减eV或负补偿），影像就会变暗，而增加曝光量（加eV或正补偿）就会变亮，可增加作品的创作力。如果当下无法确定最佳的曝光值，你可以利用包围曝光拍摄，之后再选取最好的成像。 ▲暗部占画面的一大半时，-1.67eV ▲雪白的亮部占画面的一大半时，+1.67eV 依据拍摄意图，决定曝光补偿值   ▲（左）负补偿（-1eV），（右）未补偿。为了将黄昏的气氛表现出来，最后决定将整体画面调暗一点（-1eV）   ▲（左）正补偿（+1eV），（右）未补偿。为了强调雪地上拍照的人，我决定增加1格曝光补偿，使白雪亮一点、人的穿着鲜艳一点。（+1eV）

在我刚开始接触相机的时候，自动对焦就好象是科幻小说里的东西。我的意思是，它在现实中是不会存在的，不是吗？其他的先不说，它怎么会知道你到底想对哪里对焦呢？ 现在，小说变成了现实。AF系统已经成了所有相机的标配。它不仅能用，而且做得还不错。但它并不是总是工作得很完美。AF系统可能会对错焦点，或者找不到任何焦点。有时你甚至无法按动快门。所以，这里就有10种情况，你应该关闭AF系统，重新回到手动对焦上来。 1. 弱光环境 在弱光环境中，物体的反差很小，而AF系统依赖光线和反差来工作。你的相机可能会有对焦辅助灯。但在像上图这样的环境中，对焦辅助灯也起不到作用。尽管上图看起来曝光正常，事实上当时的光线很弱。这张照片的曝光时间长达30s。 2. 低反差物体 当你对着例如光滑的墙面这样的地方时，无论光线有多么充足，相机也不可能完成对焦。你可以对着其他有细节的地方对焦，半按住快门锁定焦点，然后平移相机重新构图。或者手动对焦。 3. 拍摄野生动物 大部分野生动物都有极佳的听觉。无论你的AF系统多么优秀，它总是会发出声音。即使最轻的对焦声也有可能惊扰到动物。如果你想拍到最自然的照片，关闭自动对焦吧。 4. 拍摄风光 拍摄风光时一般会希望从前景到远处的山脉都保持清晰。这需要收小光圈增加景深，并使用超焦距对焦。记得关闭自动对焦，不然当你按下快门时相机就会重新对焦，一般会对在无限远位置。 5. HDR 制作HDR照片要求所有单张照片都必须保证相同的对焦点。如果使用自动对焦，每张照片的焦点都会有轻微的变化。 6. 拍摄运动物体 拍摄高速运动的物体时，相机会尝试随着距离的变化改变对焦，但通常都会失败。下面这张照片使用自动对焦和连拍，结果并不理想。 然后关闭自动对焦，使用手动对焦预先与赛车的落地点对焦，结果好多了。 7. 透过玻璃拍摄 透过玻璃拍摄一般不是个好主意。应该尽量避免。但有时这是不可避免的，比如在飞机上，水族馆等等。此时AF系统的问题是它可能会对焦在倒影或玻璃上。所以关闭它吧。 8. 拍摄人像 拍摄人像的黄金法则是对焦在眼睛上。此外还经常使用大光圈浅景深效果。但如果AF系统对焦在眉毛或鼻子上，眼睛就会模糊了。 9. 微距 对微距摄影而言自动对焦很难工作。此时景深极浅，相机也无法判断对哪里对焦。你必须掌握控制权。 10. 使用三分法构图 如果相机的对焦点固定在中央，或者边缘没有足够的对焦点，此时要运用三分法则构图就有一些不方便。 总而言之，自动对焦是很好，但并非全能。好的摄影师应该知道何时需要自己来控制相机。

我们在使用RAW格式拍摄时应该注意些什么？ 相信有不少读者都曾经尝试过使用RAW格式拍摄。JPEG格式是我们手中大部分相机的默认选择，尽管它非常方便，但这意味着我们在不知不觉中丢失了许多图像细节，使用RAW格式拍摄，这些细节都能保留下来。 遗憾的是，很多读者在选择RAW格式后不得不面对一些更大的问题。RAW文件非常大，而且不是所有后期处理软件都能直接打开的。相机厂商并不愿意选择相同格式保存相机的原始影像信息，这实在是一件伤脑筋的事情，给我们带来了许多不便。 可一旦我们解决了这些问题，习惯RAW格式的拍摄和处理，就会发现实际情况并不如开始所想象的那么痛苦，而你的摄影水平也会一举进入一个新的层次。我们将从头开始向大家解释使用RAW拍摄的原因与必要性，并一一解答和RAW有关的问题。 作为摄影师，RAW格式是查尔斯拍摄时的唯一选择。 1. RAW格式的特点 在开始拍摄前，先弄明白什么是RAW格式。什么是RAW格式？ RAW英文译为原料。理解RAW格式，首先需要大致了解数码相机的实际成像过程。我们按下快门后，光线通过镜头照射到相机的感光元件上，感光元件将其转换为形成影像数据的电子信号。简而言之，这些电子信号就是组成RAW文件的主要原料。 16位图像包含的影调信息更加丰富，进行相同处理操作得到的结果画质更好     区分RAW格式和JPEG格式的关键就是这些电子信号在收集之后的处理过程。RAW文件由感光元件记录的原始电子信号和与相关的基本信息组成，这些内容不经过任何压缩和处理就被直接保存到存储卡上。而JPEG文件在保存到存储卡上之前，感光元件记录的原始电子信号已经根据我们选择的白平衡、图片风格等设置由相机内部的处理器进行了相应的处理。处理结果被转换为JPEG格式，然后写入存储卡。换句话说，无论使用哪一种格式拍摄相机都需要采集原始图片数据，而我们决定是将这些原始数据交给相机处理为JPEG格式提供给我们，还是保存为RAW格式由我们自行处理。 所有RAW文件都是一样的吗？ 不是，围绕RAW格式的大多数困惑正出于这个问题。和JPEG格式不同的是，RAW格式并没有一个统一的标准。各大厂各行其是，使用的RAW文件格式各不相同，甚至同一厂商不同型号相机之间使用的标准也不一样。举例来说，尽管佳能数码单反现在的RAW文件后缀均为.CR2，但EOS 1100D和EOS 7D拍摄的RAW文件之间还是存在一些小小的差异。 相同相机使用的RAW文件格式并不会发生变化，所以如果你找到一款趁手的转换软件，就不会给你的工作带来影响。但是如果我们需要处理来自多台不同型号的相机文件或在没有更新对应软件版本的情况下换用了一台新的相机，就能体会到这种差异带来的不便之处了，你将无法转换照片格式。 DNG格式是这种混乱局面中的唯一例外，这是一种由Adobe开发的公开文件格式，可供任意数码相机制造商选用。但所有主流数码单反相机制造商中，只有宾得在自己的相机中提供了这种格式。不过即便我们选择了其他厂家的相机，DNG格式依旧能给我们带来便捷。将相机自有的RAW格式通过Adobe提供的转换工具转换为DNG格式之后，我们就能使用版本较老的Photoshop中提供的Adobe Camera Raw打开新款数码相机拍摄的RAW文件了。 为什么我只能通过专用软件预览我电脑上存储的RAW文件？ RAW文件是一个数据包文件，而非图像文件。我们的电脑并不知道应该如何解读这种数据包，和JPEG等标准格式不同的是，RAW文件并不包含供电脑解码所需的信息。我想下面这个比方也许能帮助大家理解这个问题：JPEG格式就好比字词句段划分清晰、标点格式标注整齐的文章；而RAW格式中虽然也包含同样一篇文章，但其中的所有文字均被打散为基本笔画，无序组合在一起。因此我们完全没有办法浏览。 RAW格式是一种非压缩格式吗？ 有一部分是。为了缩小图像文件大小，人们设计了种种复杂的压缩算法。这些算法之间存在一个非常重要的差异，那就是有损与无损。 顾名思义，有损压缩表示在压缩处理过程中，部分图像数据将会被丢弃。但是抛弃这些信息后，能得到比无损压缩小得多的文件。有些RAW格式，例如尼康公司的.NEF格式就能通过这种形式进行保存，从而可以得到占据空间更小的文件。但这样做会造成画质的下降，在天空等影调过渡较为平滑的部分表现得尤为明显。 所有JPEG文件均使用有损压缩算法。JPEG文件在保存时会提供一个画质设置供我们选择，我们选择的画质越低，丢弃的图像数据越多，得到的图像文件也就越小。反之，画质较高的JPEG文件和画质较低的相比文件尺寸也更大一些。如果我们对于得到的图像文件只执行一次保存操作，那么保存过程造成的画质下降是几乎无法察觉的。但随着保存次数的增加，丢失的图像数据会变得越来越多，因此整体画质下降就变得越厉害。无损压缩格式包含原始文件中的所有数据，但得到的文件大小也会占据更多的储存空间。大多数RAW格式为了保证图像信息不在反复保存的过程中丢失，均使用这种方式进行压缩，因此画质也就更高。 这两种压缩模式是厂家设置的，我们无法在相机中进行选择，但是无论如何，RAW格式文件所包含的信息都比JPEG文件丰富得多。 RAW文件的8位、12位、14位、16位等有什么区别？     我们拍摄的每张照片均由从黑到白之间的不同影调组成，而“位”则表示黑白之间影调范围的多少。位越大，黑白之间的影调就越丰富。所有的JPEG格式文件都是8位图像文件，因此在黑白之间只包含256级影调变化。而RAW格式文件大多为12位或14位，在黑白之间至少包含4096级影调变化。普遍观点认为，想表达柔和、自然的画面至少需要250级左右的影调，所以包含256级影调变化的8位图像文件能满足大多数情况下的需要。 但是当我们在Photoshop中使用色阶或曲线命令对照片进行调整时，问题就出现了。这类命令会压缩或扩展照片的影调范围，导致图像直方图中间出现断裂，就像上一页所展示的那样。此时画面中就会出现色带、色块等的瑕疵。在天空等影调过渡平滑的区域这种现象尤为明显。RAW文件从一开始就为我们提供了更加丰富的影调，即便进行更加极端的操作也不会出现上述的类似问题。这在修复曝光不准的照片时也尤为明显，即便是大幅度调节曝光，照片上也能保留细腻的纹理。 Photoshop不能直接编辑12位或14位文件，大多数RAW编辑或转换软件在将RAW输出为其他通用图像格式时均提供了8位和16位两种选择。 2. RAW格式的转换 这个过程虽然简短，但能为你带来极大的便利。我应该使用什么软件打开和编辑我的RAW文件？ 可供选择的RAW转换软件数不胜数，哪个最合适取决于你的拍片数量、作品内容和后期处理的程度。 绝大部分数码相机为用户提供了专供该相机使用的RAW转换软件，我们能以此作为学习RAW处理的起点。不过这类软件大多存在效率低下、技术过时、功能有限的缺点。 如果需要对RAW文件进行高光、阴影还原等更为专业的调整，那么就应该选择Adobe Camera Raw（ACR）这样的专业处理软件。ACR是Photoshop CS系列中的一款集成转换软件，提供了非常丰富的调整选项，使用得当甚至能取代Photoshop的地位，你可以在ACR中完成大部分照片处理工作。 目前最新的ACR 6.x提供的污点去除工具和Photoshop中的修复画笔工具类似，能用来移除画面中的感光器污渍等瑕疵；而HSL/灰度中的黑白照片转换功能，比Photoshop中黑白转换功能还要强大。虽然其他版本较老的ACR并不如新版那么强大，但凭借其功能和易用性依旧是一款适合大多数摄影爱好者使用的RAW转换软件。 如果你经常需要处理大批量的RAW图像文件，那么也可以考虑Adobe Photoshop Lightroom、Apple Aperture或Capture One Express/Pro 6等专业RAW处理软件。和Adobe Camera Raw及相机制造商出品的原厂软件相比，这类软件在强大与丰富的功能之外，还提供了更为灵活易用的工作流程。如果你已经习惯了Photoshop的界面与功能，那么Lightroom无疑是三者之中最容易上手的一款软件，基本上它就是工作流程改进之后的Adobe Camera Raw。     […]

高调（High-key）和低调（Low-key）照片的拍摄技巧 当大家对曝光已经有一定认识时，不妨挑战自已，做这个练习：拍摄高调和低调照片。看似简单的照片，实为挑战你对曝光有多了解。前者目标是把影像保持至最白，从最白中保留细节；后者目标是把影像保持至最黑，并从最黑中保留细节。 高调照片  摄影：Jo vh 严格来讲，最黑和最白中，不应该存在绝对的相应颜色，也就是低调照片中不应该看见绝对白色，高调中不应该看见绝对黑色。当然，这视乎你选择拍摄的主体和如何控制曝光。举个例子，以高调人像作目标，拍摄亚洲人而言，眼睛和毛发是一大障碍。就此看看上面的照片，黑色的眼珠在高调中特别显眼，所谓万绿丛中一点红，我们就要避免那一点红才算最成功。 灰阶、测光与高低调的关系 上面由黑至白，每个读数相差一级曝光。通过灰阶，更能明白什么是高调和低调： •低调： 尽量保持颜色在Zone 1-4；避免Zone 10的绝对白色，也是完全没有细节的地方，例如光源。 •高调： 尽量保持颜色在Zone 6-9；避免Zone 0的绝对黑色，也就是完全没有细节的地方。 Zone 5是整个灰阶中最常用的。有听过别人测白平衡用的灰卡吗？那就是Zone 5的灰了，准确一点就是18%灰。所有的测光系统，目标也是把测光的地方，调至Zone 5，这样照片看起来就较平均了。 选择主体 摄影：David Comejo 由于这次题材的照片要控制至最黑和最白，换句话说，较易成功的就是低反差（深色/浅色不是相差很多）的东西。下面分享几个例子： •人像： 要注意眼睛和毛发带来的反差，可靠化妆和假发等补救。不过如果你不是追求绝对完美的话，就算只有一点黑色和白色，看起来也不错。 •微距： 这是最容易成功的选择。反差低，曝光也较容易控制。 •风景： 不建议，因为反差性极高，难控制曝光，除非你对照片做后期或拍摄红外线照片。 为什么要拍摄高低色的照片呢？除了让你更了解曝光外，这些照片的色调表达的情感也跟平常不同： •高调照片看起来明亮轻快，感觉简洁，甚至乎带点未来感； •低调照片看起来沉实稳重，带有点点哀伤。 这些照片感觉比较抽像，更偏向艺术，更像画像。 怎样拍摄出高调和低调照片？ 要拍摄出高调和低调照片，我们目标是要把测光范围平均化，看看以下步骤如何决定曝光： •首先把相机调至光圈优先模式，利用相机内置的测光表测光。 •使用评价或中央重点测光，留意光圈、快门和ISO的读数。 •例如测光在光圈f/5.6，快门1/60s和ISO 200，因是评价测光，所以这个便是预设Zone 5的读数。 •根据要拍摄高调还是低调，调整曝光，一般要把曝光加减2至3级（调整光圈或快门），例如：高调照片要光圈f/5.6，快门1/15s，低调照片要光圈f/5.6，快门1/250s。 •有需要时可以把相机调至手动模式去完成计算后的曝光。 高调照片  摄影：Moogs 拍摄时要注意的地方 决定主体后，还有其他需要留意的地方，才能使照片更完美。 •建议使用Raw拍摄 计算时靠自已未必对准，使用Raw有更大的修图空间。 •数码和胶片的不同情况 相机测光计算不确定时，使用数码的请选择较暗的，胶片的请选择较亮的，因为数码对曝光不足的照片、胶片对过曝的照片，更容易补救。 •光线柔和更容易拍摄 建议使用柔和的光线，自然光就用窗口光，影楼就用柔光箱，这样可以减低光位和暗位的反差度。 •相机屏幕不一定准确 有时照片在相机看起来会太亮或太暗，放到电脑里看或印出来会发现更多细节。 •环境和主体设定的配合 留意现场光带来的影响，高调照片可在窗边配合反光板拍摄，低调照片可以在房间暗角拍摄，主体设定为被摄者/物本来的色调，需作出配合，例如衣着颜色和化妆。 […]

摄影是光与影交织的艺术，光线让镜头中的事物产生明暗层次、线条与色彩。掌握用光控制因素，包括光的聚散、 光与物体间的亮度关系、反光率、光位、光比和色温，及其能呈现的效果，可是成为摄影达人必修的学分喔。 光的亮度和物体亮度 光的明亮程度是指被摄物体接受光照后反射出来的光线强弱，它由光源的强度和被摄物体的反光率综合而成，因此也被称作反射光。光的明亮程度取决于光源与被摄体之间的距离以及被摄体面积的大小。发光强度完全相同的两个光源，发光面积大，它的亮度就小，发光面积小，它的亮度就大，两者成反比。从光源发光面积大小来看，发光面积大，光照范围大、光线较均匀；发光面积小，光照范围小，光线较集中。物体亮度由两种因素决定，一是照度的强弱，二是被照射物体对光的表现。光照射在物体表面上时，物体对光有三种表现:一是反射，二是吸收，三是透过。物体对光的这三种表现，通常会同时出现，但各种物体对光的这三种表现，却各不相同，也正因为各种物体对光的反射、吸收、透过的程度不同，从而表现了物体各自的特性。反射力强的为明亮体，弱的为暗光体；吸收光强的为彩色体，弱的为无色体；透过力强的为透明体，弱的为不透明体。   ▲光圈  F7.1，快门  1/160s，焦距  48mm，ISO 50。 同一个光源，依据距离被摄体远近不同，所呈现的光照效果也不同。 离被摄体近，其光照面积就小，光照强度就强；反之，则其光照面积就大，光照强度就弱。 反光率 反光率表示物体反射光线的能力，是反射光强度和入射光强度的比值，它是由物体自身的质地及其吸光的能力等所决定的，同时它还受光照条件和光照角度的影响。不同质地的物质具有不同的反光率，如白雪反光率为98%，而黑碳的反光率则仅为  2%。不管是晴天还是阴天，相机的测光系统将测光区域中的所有不同物质的反光率都视为  18% 的标准灰。摄影的曝光控制主要就是根据物体表面的反射光来进行操作的，而物体的反光率对于相机的测光系统有着重要影响。不同质地的物体反射光线的能力也不一样，镜面的物体要比粗糙面的物体反射的光线多。要获得正确曝光，就必须在相机测光值的基础上灵活地加以调整曝光补偿。 ▲光圈  F4.5，快门  1/200s，焦距  135mm，ISO 100。 亚洲人皮肤的反光率约为  20% 的灰度，接近于  18% 的标准灰度，在拍摄时对着人物的皮肤直接测光，得到的曝光值基本准确，人物的肤色基本能够得到还原。 光位(投射方向和投射高度) 光位是指光源相对于被摄体的位置，即光线的方向与角度。决定光线角度的因素主要就是光位，不同的光位决定了不同的光线投射角度或者照明角度，同一物件在不同的光位下会产生不同的明暗效果，顺光下被摄体就亮，逆光下被摄体相对较暗。摄影的光位可以千变万化，但是，归纳起来主要有正面光、前侧光、侧光、后侧光、逆光、顶光以及底光等几种形式。顶光与底光是相对特殊的光线，在摄影创作中很少碰触。 ▲光位示意图。 ▲光圈  F4，快门  1/400s，焦距  70mm，ISO 50。后侧光有利于强调人物的立体感。 光比(主光和辅光) 除了 ​​平面的物体，任何非平面的物体在光线的照射下，都存在着明暗面，物体的明暗面受光量多与少的比例即为「光比」。光比通常是指主光与辅光的差别。光比大，物体的反差就大，有利于表现边缘硬朗的物体;光比小，物体的反差就小，有利于表现柔和的效果。通常情况下，主光和辅光的强弱与被摄体的距离决定了光比的大小，利用调整主辅光的强度及与被摄体的距离，可以改变物体受光的光比。除此之外，还可以利用反光板或者闪光灯对暗部进行补光，以此来调整物体的光比，使物体产生柔和的明暗过渡。 ▲光圈  F11，快门  1/160s，焦距  24mm，ISO 100。 这是一幅典型的逆光人像图片，主光从人物后面照射，辅光在人物的前面形成补光，人物的轮廓线极为明显，画面的反差较大。 色温 色温是一个物理学的概念，它表示的是光源的放射能。色温理论是由科学家开尔文  ( Kelvin ) 发现并制定的，所以用他名字的第一个字母「  K 」作为计量单位，热力学温度的零度就是  -273 °C，因此可以说色温就是光源色的温度。K 值越高，显现的颜色就愈趋向于白蓝色；K值越低，显现的颜色就愈趋向于黄红色。一天当中光的色温会随时间的推移而发生变化：日出后  40 分钟光色较黄，色温在  3000K 左右；正午阳光强烈，色温上升至  5400 ~ 5600K；阴天正午时分则约  6500K；日落前光色偏红，色温又降至  2200K 左右。 ▲光圈  F9，快门  1/200s，焦距  16mm，ISO 100。 晴朗的天空漂浮着白云，极高的色温使整个画面呈现出蓝色调。

最开始我要先好好说说器材，其实对于器材我了解的并不多，只是比较熟悉自己手里使用过的一些，基于自己的经历来聊一下，也有一些小伙伴提问了关于器材的事情，在这里给予解答。 在我看来，器材在摄影学习中是非常重要的，我们可以不贪多，贪好，但也一定是要够用，不能将就，条件允许，就买自己喜欢的最好的器材，有钱绝对可以任性。我条件有限，但我也买齐了够用的器材。我现在手里的器材是，佳能5d3，镜头，佳能50，1.4和35，1.4还有一个om55，1.2，一个八羽怪。电脑是苹果的15寸MacBookpro。 我在大三的时候就已经有了自己的第一台相机，是佳能400d，当做傻瓜机一样用了好几年。真正开始钻研人像摄影应该是在孩子出生以后。那是六年前，随着孩子的年龄增长，变得好动，发现用400d的各个方面都不尽人意，拍摄起来越来越困难。孩子十八个月时我就任性的换了一台全副相机，买了全新的镜头24-70.501.4.手上还有85.1.4.后来又入了16-35.70-200.不过到现在，很多镜头已经卖掉了。换了新相机后对摄影更加喜欢，这算是我学习摄影上的一个新的开始。 当时换的是佳能5d2。其实当时5d3已经出来了，价格相对较高，于是我自以为省钱还是买了5d2.这个决定在两年后，让我后悔不已。由5d2升级到5d3的原因主要是因为对焦系统，由于我使用的大都是定焦头，拍摄小朋友居多，所以在我完全忍受不了5d2地跑焦时，变卖器材升级了5d3，而这个时候二手的5d2已经掉到了五千左右，又添了一万多元买新机。还不如两年前不省钱直接买，这样还可以早几年用上好太多的新机。 关于更换后期修片用的电脑，其实也是一样经历了很多。大家都知道，后期上电脑屏幕对于片子色彩的影响有多么大，它就好像自己的眼睛一样，如果屏幕的色彩层次打不到要求，那就好比自己戴了一副有色眼镜，无论你在后期上付出多少的努力与辛苦，恐怕都很难收获到想要的。所以在我不停更换了几台显示器以后，老师笑我，催着我买苹果电脑。因为苹果电脑价格高，我一直犹豫。在色差苦恼了很长一段时间后，感觉再用下去会发狂时，就向好朋友借了一笔巨款，背着老公买了一台新电脑。用了新电脑以后，视觉上有种豁然开朗的感觉，色感在这一年中有了很大的提升，工作效率也提高特别多。所以，我做了太多傻事，犹豫，苦恼，浪费了时间也浪费了钱。 我记得以前和老师聊天时提到，看到一张好作品会想要知道这个作品是什么机器镜头拍摄的，也会询问一些优秀的摄影师他们所使用的器材。我想只有在器材上达到了同一起跑线，才可能有机会去追赶他，甚至超越他。现在我喜欢的摄影师，都在用大法和徕卡，我又要努力存钱了。 我的摄影态度 有了足够使用的器材后，我们就要开启啪啪啪的模式了，你想要在摄影上有所收获，那么你在啪啪的同时还需要有一个良好的态度。我个人来说是希望自己在拍摄中能坚持拍自己喜欢的，可以用心拍好自己喜欢的。可是要拍出心中想要的片子，调出喜欢的色彩，并不简单，所以这四年里，我花在摄影上的时间，更多的是在学习。 想起初期学习摄影时，以为摄影主要靠的就是后期，忽略了很多前期的问题。那时候花太多时间来钻后期，总是忘记吃饭，睡觉是常有的事情，有个很不好的毛病，就是不爱与人交流，只低头拍自己的学自己的。会在淘宝上买各种教程，滤镜插件也没少花钱，走了很多弯路买了很多没用的东西，同样浪费了不少钱。在我老公眼里，简直是个天天趴在电脑前的败家娘们。这条弯路走下来也让我有所收获，一个是后期软件基础上的学习，积累了经验，一个是我认知到了前期远比后期更重要。 在自主学习初期时我其实对摄影有了一些自己简单的想法，也在按心中喜欢的思路去拍着，却总是拍不到心中想要的画面。那时候很沮丧，迷茫，焦虑，甚至对自己失望。幸运是我那时候遇到了老师gyeonlee，他刚开始做教学班，我当时就好像在黑夜里看到了一盏指路的明灯，义无反顾的加入了他的私教班，在这个班级里，他的引导对我帮助实在太大，也是他让我对摄影有了新的理解，我明确了内心的目标和坚定了心里最初的想法。 早段时间，喜欢的摄影师j神和海螺壳开班教学了，我应该是第一个报的名。在这里我又学习到了新思路，认识一群好玩又优秀的小伙伴们。在我看来，学习的平台和氛围非常重要，摄影的学习也一定要和他人交流探讨，这样的环境足够影响到你的心态，你的审美，你的生活。好的老师和高审美的环境氛围会让你改变，差的摄影氛围低审美的氛围也会让你改变，一个是变的越来越好，一个是变的越来越糟。一个能给你指引正确的思路，一个很有可能带着你越走越歪。 总的来说，我的态度是要虚心学习，开心拍摄，保持热情，认真的对待。总觉得作品是可以看到摄影师内心的，你对拍摄的态度，在你拿着相机时会一直影响着你，引导着你，从而体现在你所拍摄的画面里。 客片拍摄和摄影爱好的平衡点 前面介绍过，我在周末会拍摄一些客单，来维持生活与摄影这个高消费的爱好，也正因为如此，我走进了很多个家庭，去为他们记录，并得到认可。作为一个兼职摄影师该怎么找到客片拍摄和摄影爱好的平衡点，相信很多小伙伴有这样的疑惑。我还是从自己的经历来和大家说说吧。 先说下我处在的城市，营口市不大，是一个二线小城市，整体的文化氛围也不算浓厚，几年前，独立的创作型摄影模式在这里算是一个新生事物。大家认知的还大都是传统的影楼拍摄模式和报价。当我刚开始拍摄时，我自己也是一个懵懂的爱好者，并不是一下就像现在这样坚定现在的拍摄思路，很是走了一些弯路。好在我坚持下来了，并在这个过程中成长起来。 在我成长过程当中有几个关键点我觉得很重要。 第一，认真拍好每一次，每次拍摄都是在现有条件基础下达到目前阶段能达到的最好水平。 第二，制定合理的价格，当我觉得自己进步和成本不断增加的情况下，我会调整拍摄报价，有一年里涨了三次，毕竟最开始拍摄时实在是太便宜。 第三，没有用商业标准来束缚我的拍摄。 第四，也是最重要一点，我找到了正确的思路，坚持下来。一切拍摄以接受报价和拍摄理念为前提。不会讨价还价，也不会接拍不符合自己思路模式的任何客单，只等拍懂我的人来，只拍可以理解我的人。 由于自己摄影的态度影响，所以摄影对于我来说，从来不是商品，我也注定做不了商人，我需要用她来维持生活与爱好，在此基础上，去用心拍摄，仅此而已，也是为什么我的拍摄模式与其商业摄影不一样的地方。每一次拍摄出片多少我也不知道具体数量的，客人不选片，我只按照自己心中的作品标准来修片选片制作。 说实话，这其中的平衡很难掌握，让大家认知并接受也是一个非常非常漫长的过程，我付出了太多，但是到今天为止，我因为摄影结识了好多的朋友，也是因为她们请我拍摄，才让我能坚定的在摄影之路上走下去，我非常感恩，能回报大家的，就是不断学习努力让自己进步。 当我可以没有任何压力的拍摄时，我在客片拍摄中进步了，越来越喜欢克服各种困难去完成拍摄，同时也有了一些收入可以维持爱好和生活。每个月拍摄有限，赚的不多，也会辛苦，可是更多的是精神上的收获，这是摄影带给我带给大家的快乐，我很幸运的找到了这样一个平衡点，虽然花费的时间这样长。 讲了这样多，后面我会再给大家讲关于儿童和大人的一些拍摄思路，这中间会配不少图片，也会把大家的一些疑问融入到分享中去。先说说儿童家庭式拍摄的思路。在去年我有写一个关于儿童拍摄的长篇分享，应该有小伙伴看到过，2016年5月的《人像摄影》也有登我的分享文章，里面还有我喜欢的妈妈摄影师延延的关于拍摄自己两个可爱女儿的文章。感兴趣的小伙伴可以去买来看看。 儿童摄影的镜头使用和拍摄中器材上的设置 平时的拍摄我不用闪光灯，依靠自然光完成拍摄，儿童拍摄中，室内我会用35，1.4，户外会用50，1.4.有小伙伴觉得我这样的搭配不太合理，提出两个镜头只存在一个就好，不过在我长时间的使用中，发现这两个镜头的区别其实是挺大的。 35在家里可以让我近距离与孩子沟通，边玩边拍，大光圈配合相机高感可以不担心室内光线的多变，拍摄时能带入更多的家中环境。35的拍摄，在后期时也有很多二次构图的空间。50用在户外，它的焦外效果很棒，还可以与孩子保持比较近的距离，他们稍跑远一点也不用担心。 我喜欢用AV档拍摄，光圈优先模式。在室内光线不够充足时经常会提高感光度来保障足够的快门速度，保持片子的明亮。白平衡会根据环境手动设置k值，环境变化时我也会快速调整。使用raw和jpg两种格式，Wi-Fi卡，可以方便分享jpg原片到手机。光圈经常保持在1.6-2.8，有时候光线较暗时会全开光圈。 儿童拍摄的时间和快门数量 每次的拍摄时间大概是半天，早上根据孩子起床时间，会比较早去到小朋友家里。从孩子的精力和我自己的精力来看，半天时间正好。每次完整的拍摄大概的快门会在800－1000张，甚至更多，我会从里面精选我觉得好的有故事的片子来修。有小伙伴提出拍的片子太多了，其实，当你拿着相机关注着孩子的一举一动，相机就成了你的眼，我经常和孩子们指着相机说，这就是阿姨的眼睛，我在这后面能看到你的所有。如果这时候你还在意快门的次数，那真的不知道，你会错过多少。 为孩子做真实的故事记录 故事性拍摄的关键点：好玩，真实，分镜头记录。 儿童的拍摄，我喜欢的摄影师是日本的滨田英明，他用胶片给两个孩子所记录的生活日常，非常有爱。还有川岛小鸟花几年时间拍摄朋友孩子未来酱的写真也是我的收藏之一。我欣赏他们对于记录生活的态度，这样真实好玩，让人温暖。内心觉得这才是应该留给孩子们的记忆。今天要说的其实大概的思路没有改变，但是这次我再重新的整理了一些新内容，从最近的作品来和大家分享，怎样为孩子们做有故事感的拍摄。 作为一个妈妈摄影师，我没少拍小宣一，他从小就很搞逗，我为他的拍摄，几乎都是黑照，一贯的风格是这样的。他的片子我不常修，原片储存。 对于我来说呢，这些片子里都有当时的小故事，看到就令人怀念。 他出生的时候，我带着我的400D去的，当时因为特殊原因我做的剖宫产手术，等到了医生说可以下床走动时，我第一时间下地开始为他拍摄。 现在大都是为他记录的日常，相机确实比较重，不方便，所以我也经常是手机帮他拍。 客片拍摄，融入家庭之中 给其他小朋友的拍摄，我的身份有了变化，在他们的家庭中，我变成了他们的朋友，有时候，也是一个隐形人。如果一个摄影师想要做到隐形，那就要看这个家庭和孩子是不是能给予足够的信任。当孩子信任了你，你一定可以记录到他们有趣的事情。前提是你还要有足够的耐心和时间。因为性别的原因，自己也有了孩子，对于孩子的心理我是比较了解的，这种了解会让我在与孩子的沟通上顺利很多。我还是觉得良好的沟通技能，与个人性格，经验，包括用心有关。 有小伙伴问我可不可以推荐儿童拍摄的道具，其实我现在每一次拍摄，都只带着相机去到孩子家里，玩具和场景都是孩子自己的，只有最真实生活。如果没有很特殊的原因，比如家在外地的这样情况，我是拒绝做全外景拍摄的。我很坚持走进家里拍摄。家里有太多太多爱的承载，这里才是孩子一切故事的发源地。分享一些我拍到孩子们在家里的有趣事。 孩子的那些小举动，都是天性使然，还有挖鼻屎吃鼻屎的，超萌。我一直不喜欢刻意给孩子摆姿势，更爱拍他们专心做自己的事情。所以我大部分的画面孩子都不是看我镜头的，有时候家里的老人会说，快快，看阿姨镜头笑一个，我都会委婉告知不用这样和孩子说，让他自己玩耍就好了。   关于拍摄中的光源 拍摄中常利用的是窗户的光源，也会用家里的物品来进行补光，增加画面的光感。如果遇到多云阴天，其实提高感光度，利用窗户。一样可以拍到明亮的照片。不过这样的天气需要年龄段上可以配合的孩子。 孩子手里的杯子就是一个补光体。还有浅色沙发垫子都是可利用的。当时孩子可以在其他任意地方喝水，我引导他到我觉得适合的窗户沙发上。 孩子的澡盆颜色舒服，可以给身体上补上柔和的光线，平衡光比。我的处理是把澡盆的位置放在了跟窗户之间一个合理的位置，我有足够的空间活动，又不让孩子处于会有过于强烈的光线下。 这个孩子的拍摄当天是阴天，她在窗边认真看我给她带去的礼物，一本立体书。书的位置正好给她的面部形成了补光。有小伙伴说孩子的脚颜色不像面部那么白，会不会不整体，需不需要要后期调整。其实我是不会调整的，因为这是一个合理的光线分布，孩子的脚本就处在暗的环境里，没有必要违背自然规律去调整到和面部一样。 当时房间比较暗，开了房间的灯，做一个整体的补光，孩子面部面向的是墙壁，墙壁反射了窗户的光道她的眼睛。 这是下午的强烈的窗户光下，孩子的白色沙发垫在孩子回头时，补了光。其实光线的控制，真的不像大家想象的有那么多花俏的技巧，你所要做的就是在明亮或者暗的环境中都能保持正常的曝光。这些是相机使用的基础，而不是很难的技巧，在与你对机器的各功能理解和按键配合的熟练度。我经常利用曝光补偿这个功能，可以在过于亮的时候降低补偿，在暗的时候增加补偿，大家可以自己尝试摸索。 孩子睡着了 很多小一点的孩子都会有早午睡的习惯，这时候其实也是可以拍摄的。我个人很喜欢的一组。小妞的玩偶非常可爱，当她午睡的房间里北面窗户有光线过来，房间里颜色简洁，孩子盖的小被和身下的铺被颜色都不错。我移除了当时放在窗户边的一些其他刺眼颜色的物品，把颜色比较重的窗帘尽量藏起来一些，让画面变的简洁。 这是一个连贯的拍摄，用孩子的玩具和她互动，形成有意思的画面，这里就是一个小故事。我用手机给她拍了照片，她看到哭成这样，估计是不满意的。哈哈哈，其实只是起床气而已。 细节里的环境和情景 熟悉我作品的小伙都知道，我超级爱拍摄细节画面，但是想在每个家庭都不一样的复杂环境中，让画面干净并不容易。需要摄影师的现场控制力，这是经验的积累，我去到不同家庭里，会先看过家里的环境，寻找适合的拍摄场地，把场地里不适合拍摄或者影响拍摄的可以移动获取遮挡的物体会尽量的隐藏起来。引导孩子玩耍时也是要考虑光线和环境的影响。抓拍和预见性也是靠摄影师敏锐的观察力。在儿童拍摄方面，我总觉得自己并没有用什么技巧，光感这些都是经验的积累，熟练的控制了相机的正常曝光，用最简单原始的方法去拍感兴趣的画面。这些都是长时间的积累的基础，并不是技巧。 一开始去到家里小朋友都会害羞或者认生，有小伙伴问怎样迅速和孩子搞好关系。其实在我的拍摄字典里没有迅速这个词，只有耐心和慢慢来。 […]

一.EV的基本概念 EV值是一种曝光量大小的表示方法，它以1EV表示一档光圈或者一档快门速度的对应，每相差1EV值，光圈或快门速度便差一档，单位面积感光物质上接收到的光亮相差一倍。 ISO100下常用EV值和快门、光圈的对应 二.EV的测量 1.测光表（独立式——内置式） 2.经验（以阳光十六法为基本） 三.常见用光条件下EV值估算 1.烛光或明月下EV=4 2.阳光直射物体EV=15（阳光十六法之依据） 3.阳光强烈的白天（10～15）EV=16，早于10点或晚于15点EV=14 4.室内自然光条件下的EV值估算（被摄物体距窗1.5米） 四.各种条件变化对EV值的影响 1.白昼变化 曝光基本值：以晴天日出后、日落前2.5小时前后为基本值B。 日出、日落时：1/10B 日出后、日落前1小时：1/4B 日出后、日落前2小时：1/2B 2.天气变化 晴天、薄云、厚云、乌云依次减1EV。 3.季节变化 夏→春秋→冬依次减1EV。 4.纬度变化 北回归线南北纬度差15度/EV。 5.高度变化 海拔2000米左右加1/3EV 海拔3000米左右加1/2EV 海拔4000米左右加2/3EV 附：动体摄影曝光

淡淡的色彩，半开半合的花蕊，代表了什么样的心情呢？要拍出好照片，“感觉”占了很多位置，让我们分析一下这张照片的成功之处吧！怎样拍出这照片？ 技巧一：寻找能突出主体的背景 同一个主题，在不同的角度有不同的背景，要突出主角，我们应该找寻一个洁净的背景来拍摄，这样才能令读者的焦点集中于花朵上。 技巧二：利用对比构图 对比构图就是有大有小，有主角有配角，这张相片刚好有两朵花，一前一后作衬托，令画面变得生动起来。试想，若果照片中只有一支花，便会变得单调了（当然有时想带出寂莫的气氛，“单调”一点也未尝不可）。 技巧三：三分法构图 这个老生常谈的构图方法不用多介绍了，每一张照片都能用得上。 技巧四：改变色调和饱和度加强感觉 要带出淡淡的感觉，我们可以先利用现场柔和的光线来拍摄，然后于Photoshop上把色调改为偏蓝/绿，最后把饱和度降低就可以了。