很多人都喜欢漂亮的散景，华宇首页尤其是对于拍摄人像摄影或者静物这样这类摄影形式来说，散景就成了突出主体的最好的方式，通过虚化背景和前景让焦点内的主体和前后景分离，也让观看者的注意力更加集中在主体身上。 　　如何拍出散景，可能很多人第一个想到的就是光圈，没错，在一定程度上来说，光圈越大，华宇登录景深越浅。可是光圈仅仅只是控制景深的因素之一，不然也不会现在很多手机摄像头都标称有 f/1.7 的大光圈了可是拍出来的散景还是不伦不类，甚至都不如别个镜头 f/5.6 的散景拍的漂亮。 　　散景摄影的概念非常简单，就是由镜头拍出的图像的失焦部分产生的模糊的美学质量。散景的本质就是失焦，在焦点之外的部分成了散景。但是散景也有「好」与「坏」的分别，不同的镜头在由于光学设计的不同，在散景上也会有不同的风格，这取决于一系列的因素，包括镜片的素质以及叶片的数量。 　　从理论上来说，任何一支镜头都能够形成散景效果，即便只是一台小型消费型数码（由于手机的普及，这类相机几乎已经消失了），甚至是一台手机，只要你了解构成散景的要素，华宇平台并且利用得当，都能够拍出背景虚化的照片。 1、光圈 　　首当其冲的自然是光圈，光圈越大，除了能够让更多的光线进入镜头之外，也会制造相对的浅景深，让画面内的很多场景失去焦点而虚化成散景。 　　上面这张照片就是使用了大光圈拍摄，将焦点控制在很小的范围之内，范围之外的场景全部失焦成为了散景。但是在使用超大光圈进行拍摄的时候往往会遇到一个问题，主体局部失焦，也就是说你的主体可能并不会都在焦点范围之内，这个时候要么就是缩小光圈让主体全身进入焦点范围内，或者要保证关键部位合焦，例如人或动物的眼睛。 　　但是要清楚的是，通常镜头的最大光圈往往都不会得到最佳画质，全开光圈可用的镜头少之又少而且很贵，大部分相机在全开光圈的时候都会失去锐度，还会出现紫边等缺陷，在全开光圈拍摄的时候，要斟酌。 2、长焦 　　虽然从技术上来说任何镜头都可以实现散景，但是和光圈越大景深越浅一样，焦距越长的镜头也越容易拍出浅景深，这也就是为什么拍摄人像多使用中长焦而不是广角镜头，为什么影楼摄影师都喜欢用 70-200mm 的镜头来拍摄人物，因为更容易拍出散景。 　　我们看很多野生动物的照片，经常都是一个鲜明的主体，但是背景却都是模糊不清，这也是因为野生摄影需要使用长焦镜头来拍摄，导致了主体周围的场景失焦成为散景。 　　焦距是和画幅相关联的，同等等效焦距在不同画幅下的实际焦距是不同的，同样一直 28mm 的镜头，在 135 全画幅下焦距就是 28mm，而手机的等效 28mm 镜头的实际焦距则仅为 3.99mm（iPhone 7），远小于全幅下的焦距，也因此为什么手机虽然标称大光圈，却依然拍不出散景，因为画幅太小，所以实际焦距太短，也就不能和相机相比了。 3、距离 　　这里的距离有两个，一个是相机和主体之间的距离，一个是主体和背景之间的距离。 　　当我们的相机距离拍摄主体越近，景深就会越浅，这一点通过景深尺可以看的很清楚。而当主体距离背景越远，背景虚化的程度也就越高，这个也很好理解，离得越远距离焦点区域也就越远自然失焦也就越严重。控制好相机、主体和背景三者之间的关系能够帮助我们更加轻易的拍出背景虚化。 　　虽然我们知道了如何拍出散景，但是仅仅如此还是远远不够的，我们还需要掌握如何控制散景，让散景为我所用，不然散景就毫无意义。在散景对象的选择中，灯光是一个不错元素，背景灯光可以让画面的背景中出现各色的光斑，成为鲜明的背景。不光是灯光，背景中有大树的话，树叶缝隙透露出来的点点的光也同样可以帮助我们拍出好看的散景。

　　我们拍照的时候，华宇平台注意力往往都会集中在我们所要拍摄的主体身上，而经常会忽略掉画面中的背景。虽然前景和中景对于我们想要讲述的故事以及创造的深度非常重要，但是不可否认的是，背景可以成就一幅作品，让它更上一层，同样可以轻松的毁掉一个好的主体。 　　想要将一张好照片和一张平庸的照片区分开来，背景也是影响画面美学的决定性因素之一，华宇首页虽然我们大多数人会习惯于通过开大光圈模糊背景将主体和背景区分开来，但是其实作用还是有限的。 　　说到画面的构图，往往需要考虑很多事情，从三分法到引导线，从黑白色调的过渡到彩色色彩的搭配，都需要考虑，可是往往在考虑内容的过程之中，却忽视了背景。 　　虽然背景并不像其他的细节那样的突出，但是一个好的背景，却决定了拍摄者的功力，一名好的拍摄者会有意识的发现优秀的背景，然后以此为底来进行创作。 　　构图最主要的目的是为了支撑主题，通过对画面阅读方式的引导，来影响画面中内容的讲述方式。如果背景过于分散注意力并且确实吸引了太多不必要的注意力从而影响到主题的表达，那么它就绝对不应该是我们想要的背景。 　　一个好的背景并不一定要在构图中添加一些东西，相反，只要没有任何分散注意力或者会干扰主体的内容，华宇登录对于背景来说这就已经足够了。但是从另一个方面来说，背景和主体之间还可以形成一种互动，通过背景的内容来突出主体，这在街头摄影或者环境人像中较为常见，我们经常看到的一些通过借位等方式来突出内容的街头摄影作品的背景就是属于这一种。 　　街头摄影永远离不开背景，街头摄影也永远不会有固定的背景，在城市中寻找主体，往往会来不及选择合适的背景或者是对于背景的选择完全不可控，因为我们看到一个好的画面，马上就要将其记录，根本没有时间来考虑背景是否合适。街头往往是杂乱的，著名街头摄影师 Bruce Gilden 曾经提过一个非常好的建议，就是在寻找内容的时候，尽量面对建筑物而不是街道，这样以建筑物作为背景，你将会得到一个相对封闭的环境，也可以排除混乱的街道中的元素的干扰。就好像你的主体在一堵墙面前，而这面墙就是你的背景，那么这个背景中就不会有任何可以分散注意力的东西。 　　拍照的角度也很重要，以眼平角度来取景的时候，其实很难找到一个合适的背景，首先眼平拍摄时，我们往往是从上向下来透视，这样面前的所有的元素都会被收进取景框之中，也增加了背景的杂乱程度。而且如果是拍摄人像的话，向下透视也会让模特儿的比例看起来有些奇怪。 　　这个时候向上透视可以帮助我们排除掉背景的干扰，其实主要就是街道上的行人以及车辆等等，将建筑物的上半部或者纯净的天空来作为背景，自然就简单了。 　　如果你习惯于拍摄黑白，那你应该能够明白高对比度也可以拯救杂乱的背景，通过高对比来将暗部和亮部区分开来，让暗部更暗，亮部更亮，也就消除了大部分背景中的干扰元素。但是高对比度的使用也并不是那么简单，最好是在阳光充沛的环境中，对于主体的位置的选择也同样重要，还是需要一定的经验的。 　　有的时候杂乱的背景是因为色彩的突出干扰了主体，比方说你拍一组灰白服饰浅色调的人像，背景中却又一辆大红色的车，那么观看者自然而然的就会把第一视线集中到鲜艳的色彩上，而忽略了作为主体的穿着灰白衣服的主体。这种时候也可以通过将画面转换成黑白了除去背景中颜色对于主体表达的干扰。

　　任何事情都存在规则，华宇登录规则是构成的基础，是我们尽快了解一件事情的捷径，拍照也是如此，只有掌握了规则，才能让我们在面对画面的时候知道要用什么样的手段去构成画面，拍出更好看的照片。 在拍照中，有哪些既定的规则呢？ 1、三分法则 　　说到构图法则，一定会首推三分法了。作为最基础的构图方式，三分法广泛运用于各种类型的摄影题材之中，华宇平台通过确定分界线以及放置主体点的方式，让画面的重心偏移到黄金点上，用最基础的方式吸引人们对画面的兴趣。 2、从不同的角度拍摄 　　有的时候觉得一个场景怎么拍都没什么感觉，其实可能是我们看世界的方式被固化了，我们习惯用我们日常的视角去看待世界，就像是我们站着时候的眼平视角，这时候不妨尝试一下蹲下来的腰平视角，或者干脆将相机放在地方从下往上透视，得到的感觉可能会完全不一样。 　　现在的相机大多数都会配置翻转屏，可不是为了让你自拍用的，是要让你可以更加方便的利用各种不同的角度来构图的。 3、利用对比 　　对比是让画面说故事的一个强大的工具，对比的种类有许多种，有色彩的对比，有点与线的对比，有大与小的对比，有黑与白的对比，有粗糙和平滑的对比，有静止和移动的对比，甚至还有悲伤和快乐的情绪对比。 　　有对比的主题总是能够更加吸引人，华宇首页也让你照片中的故事更加容易被观看者所接受。 4、寻找互补色 在规则中寻找套路 掌握拍照片的基本准则 　　和对比有关，互补色的运用在摄影里的色彩搭配中也非常重要。早在十八世纪，艺术家们就提出了关于特定颜色可以相互补充并让观看者产生愉悦的效果的理论，想要了解互补色，可以下载一张色轮的图片放在手机里，知道哪两种颜色是互补，这样在观察色彩的时候就能够寻找互补色并利用互补色来构图。 5、框中框 　　照片中有两个框，一个是无形的框，是照片，也就是画幅的边界，这个框我们只能通过改变焦段来控制，另一个框就是有形的框，就是画面中的实体框，一扇窗，一趟门，一面墙都可以成为我们画框里的画框，将主体放置在框中框之中，能够让观看者的注意力更加集中，也让你拍摄的主体更加突出。 6、利用透视 　　在画面中的纵深方向，会出现前景、中景、背景三个层次的景，而根据透视的原则，如何利用好三者之间的关系也就成了拍出空间感的关键所在。 　　不同焦段的镜头也会形成不同的空间感，也就是我们经常会提到的长焦镜头的空间压缩。但是空间压缩必须要设置的前提是前景在画面中的大小一致，这样的话焦段越长，背景就会越大，压缩感就会越强。下面这张照片，从左至右分别使用 300mm/100mm/70mm 以及 30mm 拍摄，可以很清楚的看出「压缩感」。 在规则中寻找套路 掌握拍照片的基本准则 7、引导线 　　线条同样也是影响构图的强大工具，可以将观看者的注意力通过引导线引导至特定位置，更加突出的表现你想要拍摄的主体。最明显的例子就是跑道，通过延伸的线条让观看者将注意力集中到线条的尽头，也就是跑道的终点。 　　但是要注意的是，引导线未必要是直线，曲线也可以作为很好的引导线，就像是旋转楼梯。 8、奇数原则 　　在拍摄两个以上的主体的时候，尽量选择奇数个的主体，因为当主体个数在偶数个的时候，我们的大脑会不自觉的将主体进行等分，也就起不到突出重点的效果，而主体数为奇数个，更多的时候，我们会将主体视为一个整体。

　　对于摄影新手来说，华宇首页我们总是会担心照片拍的不够“锐”。对于器材老炮儿来说，他们看别人的照片总是一堆毛病，其中一定会提出来的毛病就是不够“锐”。对于一切强迫症后期倾向的人来说，他们总是在后期的时候不停的拉高锐化，就是希望自己拍出来的照片看起来够“锐”。可究竟怎么样才算“锐”？为什么我们总是感觉自己的照片不够“锐”？要怎么样才能拍出够“锐”的照片呢？ 　　你认为自己的照片不够“锐”，可能是因为犯了下面几个错误。 1、没有对好焦 　　别笑，这真的是最常见的错误，尤其是我们现在大多数时候都将对焦的主动权交给相机，华宇登录而相机的自动对焦系统其实并不是总能够非常完美的满足我们的需求，在拍照的时候「跑焦」也是常有的事儿。 　　很多时候，我们在 LCD 上看到拍摄的效果看起来好像都挺不错，但是一旦放大来看就会自己认为不够“锐”，这还是需要看你的需求是怎样的了，如果你真的需要打印超大幅面的照片，那么对于细节的追求肯定必不可少，可是如果只是在屏幕上看照片或者打印小幅面照片，不需要无限放大，那其实看着差不多也就可以了。 2、光圈太大 　　光圈会影响景深，如果开太大的光圈势必会造成景深太浅导致焦点太少，距离焦平面越远的元素就会变得越模糊。而如果你的主体所在的区域比较宽的时候，太大的光圈肯定会让主体的部分部分脱焦。 　　就像下面这只猫，就是因为光圈太大造成只有左眼对上了焦，而右边脸都在焦点之外导致模糊，看看右耳的模糊程度就格外明显。 　　但是需要注意的是，华宇平台并不是光圈太大就一定会造成非常浅的景深，因为景深的控制并非光圈一个因素所决定的，还有距离以及焦段。也就是说，如果距离和焦段合适的话，就算光圈开的再大，也是有可能让主体整个都包围在焦点内的。 3、光圈太小 　　大光圈会造成浅景深，那是不是光圈越小就越好呢？并不是，之前我在一篇文章里说过每一支镜头都有它的最佳成像光圈，高于或者低于这个光圈都会造成画质的下降。而太小的光圈（不同的镜头会有不同，一般在 f/16 及以下）会产生一种衍射的光学现象，产生这种光学现象导致的直接后果就是让影像的画质下降，表面开始模糊，找不到锐利的焦点。 　　虽然不需要刻意按照最佳光圈来拍照，但是在拍摄风景摄影的时候，还是要尽量避免衍射现场，也正因如此那些风景摄影师才会给镜头前面加上 ND 滤镜而不是用缩小光圈来延长曝光时间。 4、不必要的晃动 　　在拍照的时候，我们都会记得安全快门，一般来说，镜头焦段的倒数就是使用这支镜头的安全快门值，意味着在这个快门之上我们可以尽可能的避免手震，像是用 50mm 的镜头，那么安全快门就应该在 1/50s 之上，用 200mm 的镜头，那么快门速度就必须要高于 1/200s。 　　可是安全快门也不过是一个理论值，具体的使用情况还是要因人而异，有些人可能金刚铁手，用低速快门也不会晃动，而有的人天生神经不好，总是不停的手抖。这种不自觉的手震就会造成按下快门的那一刹那出现不必要的晃动，也就让画面出现动态模糊。 　　另外不光光是安全快门的问题，主体的轻微晃动也同样会造成动态模糊，因此在拍摄会动的物体的时候，像是人像或者动物，尽量不要使用低速快门。 5、镜头或者滤镜的品质太差 　　一分钱一分货，那些高端镜头卖的那么贵是有道理的。它们的光学设计和镜片的用料品质一定都是经过无数次的测试和打磨的。而为了控制成本，当然也会有那些并不那么讲究的镜头了，也因此那些入门套头或者一些平价镜头可能并不会拍出那么高的画质，尤其是开大光圈时焦点主体的边缘部分的画质可能会让人难以接受。我们说一些平价镜头好，多半也是相对于性价比来说的，在这个价位能做到这样的效果已经很不错了。 　　当然我在这里还是要说所谓的高画质还是要因人而异，有些人追求高认为这样达不到自己的要求，但是可能对大部分人来说这样的画质已经足够。 　　不光光是镜头，可能有的时候我们为了保护镜头还会用上滤镜，但是一些廉价的滤镜一定是会对画质有影响的，如果你用了廉价的滤镜，而又觉得镜头拍出来的效果不好的时候，不妨将滤镜取下再拍看看，可能问题真的出在滤镜上。

　　静物摄影看起来很简单，华宇平台但是就是因为太简单了，所以难免会落入平庸，怎么拍都觉得不对味儿，怎么拍都觉得感觉。对于静物摄影来说，关键点就不在于抓住瞬间了，而应该考虑我们画面中的每个元素之间的关系，然后编排它们的位置，利用基本的构图法则给观看者以感官上的刺激从而让观看者对你拍摄的作品在第一眼就有了好感。 　　说到构图法则，最基础的莫过于三分法了，只要是说到构图就不能不提三分法，因为三分法的基础是黄金分割，华宇首页三分点接近图像中的黄金分割位置，因此能够给予观看者最基础的美学感受 　　想要拍好三分构图很简单，很多相机中都可以添加辅助线，将图像分割成为等分的九宫格，然后将你所想要拍摄的主体放置在图像中的三分线位置上，四条三分线以及四个交叉点都是可以放置主体的好位置，我们可以根据主体的具体性质来摆放。三分线除了可以辅助摆放主体的位置以外，还可以作为画面中空间的分割，比方说墙面和桌面的分割线可以落在三分线之上。 　　除了使用摆放位置上单一的三分原则，我们还可以增加另外一个维度，姑且可以将之称为 L 型结构，将主体坐落于三分线之外，从垂直角度再构建一个维度，增加支撑点，华宇登录同时也将画面重心平行过度，偏移到画面的另一边，从而让整体的画面平衡。 　　对于主体内容的选择，还有一个重要的原则就是奇数原则。说起来很简单，当我们选择主体数量的时候，最好选择奇数数量的主体。 　　由于对称性的关系，当主体数量为偶数的时候，我们的大脑会不自觉的将主体等分，很难形成一个明确的焦点，让观看者在相等视觉重量之下迷失而不知道应该将视线集中在哪一个主体身上。但是当主体数量为奇数的时候，观看者往往会主动将多个主体视为一个整体，然后在其中沿着拍摄者所设置的引导规则寻找重心元素，让其他元素成为整个画面中的辅助元素。 　　但是即使是选择奇数个主体，也要遵循优势原则，最常见的是使用三个或五个主体，当使用超过七个以上的主体的时候会让画面看起来相当拥挤，这样同样不利于突出主体。如果你的作品中含有多个主体，而又想要表现主体的话，最好的方法就是让某个主体孤立开来而不是将其平均摆放。

为什么喜欢抽象风光作品？ 　　风光摄影作品中有各种各样的超广大场景、中长焦场景片子，华宇登录而且很多时候，在拍摄这些片子前都有着不同程度的预想和计划过程。作为摄影师，我们头脑中有着各种各样的想法, 有时我们想要拍摄脑海中某个确切镜头和场景。 这种预视/预想化似乎对我们摄影师来说是家常便饭，自然而然的事，而且很难避免。 这其实也不是一件坏事， 我有不少作品都是拍摄前做大量功课并且在脑海中预先想象的，预视/预想化对于一张作品的成功有着巨大贡献。 　　然而，华宇平台这并不一定是创造成功摄影作品的唯一方法，有时甚至一些优秀的影像可能完全来自于即兴拍摄，而无需任何预想和预视觉化。抽象风光作品很多时候就是完全来自于即兴拍摄，来自于对细节的细心观察，这种近乎于惊喜式的拍摄使这些抽象作品更具魅力，因为你永远不知道你会拍到什么抽象作品。 　　在加拿大路边无意中发现的一处树林，我被这密密麻麻互相交错烧焦的树干所吸引。自然界存在很多这种看似混乱但实则有序的特质。 　　拍摄抽象作品的手法多种多样，有单纯的模糊、混合、微观镜头拍摄、长曝光、多个曝光合成等等都可以创造出一张抽象的风光作品。不管你用任何方式，抽象作品都需要一定的点、线、颜色和韵律这几个基本元素。作为摄影师，我们学习了各种构图方式和前后期拍摄技巧，很多时候这些东西形成了一定的“限制”，限制了我们的想象力。之所以喜欢这些抽象风光摄影作品的原因是因为它给了我一定程度的自由和自发性。这些作品很大程度使我努力地追求着创造力、想象力、原创性以及关注自我个人表达。 　　此外，华宇首页我喜欢抽象风光作品的原因是因为它能给予拍摄者当下感觉的完整捕捉，很多时候拍摄抽象风光作品是跟随自我直觉和感觉来拍摄，并没有想太多其他技术上的东西。同时它也能给予观众很大程度想象的空间，让观众去感受和想象画面以外的东西，我觉得这点是其他类型的风光摄影作品给予不了太多的。 　　要充分理解和赏析抽象作品，在此不得不先聊一下关于抽象画以及抽象图片的起源 抽象艺术起源 　　抽象艺术是非具象艺术，它缺乏详细描绘，更多是表现情绪情感。“抽象”这个词，拉丁文是abstractio，意思是排除和抽出。同时也是个动词，就是把事物的“内在灵魂”从表象中抽离出来并呈现给观众，我想这也是是抽象艺术表现的核心。人们对于抽象艺术看法其实是蛮矛盾的，很多人觉得不好看也看不懂，但也有不少人觉得抽象艺术是人类艺术最伟大的成就之一。 　　最早的抽象艺术作品是1910年前后由俄裔法国热抽象代表画家，艺术理论家Wassily Wasilyevich Kandinsky（瓦西里·康定斯基 1866～1944）画出来，到至今也才一百年有余，充满争议和矛盾是很正常的。 　　宽泛地说，现代抽象艺术包含两大类型：第一类是从自然物象出发的抽象，形成与自然物象保持有一定联系的抽象艺术形象；第二类是不以自然物象为基础的抽象，创作纯粹的形式构成，狭义的抽象艺术。它否定描绘具体物象，也不以自然物象为基础，仅以基本的绘画语言和形式因素创作纯粹的抽象绘画，借以表达某种情绪、意念等精神内容或美感体验。而抽象画中也分为两大类别，热抽象（抒情抽象）和冷抽象（几何抽象）。 　　热抽象，从艺术形象上看是点、线、形、颜色之间无规律地组合，或随意挥洒构成的作品。画面造型偏于繁复和杂乱，色彩起着重要作用，此外还有较为强烈的运动感。画面表达的情感热烈、躁动、和不安定。代表性画家：瓦西里·康定斯基 1866～1944， 康定斯基更重视色彩的作用，认为色彩如同音响，其声音是非常明确的，可以影响人的情感与精神。 　　冷抽象不受主观感情和表象制约，从形式结构出发，以几何图形的结构取得艺术形式的纯粹美的价值。其绘画从形象上看趋于简单化、单纯、大色块、几何形状、具有规律和现代和谐感。代表画家：彼埃·蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian 1872 – 1944） 　　蒙德里安定型后的作品严格地只用红、黄、蓝三色以及黑色、白色，图形的边缘也都是直线，也有人称之为“格子画”。《红、蓝、黄构图》是极具活力的作品，色彩的张力使这些绝妙的图形显得紧密，粗细不等的黑色边界线包含着完美的平衡。蒙德里安认为垂直线和平行线组成的几何形体是艺术形式最基本的要素,他希望用这些基本要素,用纯粹的色彩,创造出表里平衡,物质与精神平衡的艺术世界。 　　至于抽象摄影，最早可以追溯到在十九世纪初，将物件放置在感光材料上进行曝光，产生出随意形状的抽象的黑白倒转剪影影像。但是，这种初期的物理照片的抽象性并未被人们承认是一种艺术表现方式。而大众认为最初有目的并具有抽象性的照片是由阿尔文·兰登·科伯恩（Alvin Langdon Coburn 1882 – 1966）于1912年创作。至此开始，抽象摄影不断发展直到今时，而抽象摄影和抽象画之间的界限也越来越模糊。 　　所有能够隐去原来物象面貌的局部和细节，都可以构成抽象图案，当摄影发现并有目的地选择画面后，这些由光与影、明与暗、点和线、块面和构成、色彩和肌理所组成的画面，就是抽象风光摄影作品。 　　所有的抽象摄影作品在点、线、形状、颜色、色调影调、纹理等方面多少都有些特征，有的注重纹理，有的注重颜色，还有的注重物体的形状。这些都是抽取事物的本质并且融合自己个人感觉。所以在拍摄这些抽象摄影作品时，对所拍摄物的运动模式、整体画面平衡感，画中元素的统一或变异，视觉上的重心，明暗对比度，维度和空间感都需要有一定的思考和跟随自己的直觉。 　　正如抽象画一样，个人认为也可以把抽象风光摄影分成两部分。 1．无规律抽象 此类别更像是抽象画中的热抽象（抒情抽象），如之前所说，抒情抽象并不注重于规律，更多像是随意构成的作品，但同时也有其重点，重点可以在于颜色以及某几个聚焦处。 2.有规律抽象 如抽象画中的冷抽象（几何抽象），此类别图片有规律可循，色块和颜色在画面上的分布都经过精心安排。对于画面几何图案的形式和结构有着较为严谨的追求，非常讲究规律化和平衡感。 　　此外在拍摄抽象图片的时候，尤其拍摄同一个景物时候，也有千变万化的构图，所以不妨尝试多几种构图和寻找特点去拍摄，锻炼自己的观察能力。 　　同样是冰面上的冰晶，可以有4种不同的几何图案和排列规律。每种都有各自的特点和不一样的感觉。 　　抽象摄影作品十分有趣，有时候，我们应该偶尔停一停去追求心目中完美的风光场景画面，用心感受和跟随自己的直觉去拍摄抽象作品，将自己的情绪宣泄在这些抽象作品上。我相信练习拍摄抽象作品，你能慢慢品味到抽象摄影作品的个中乐趣，同时能使你成为更全面的风光摄影师。