构图的好与坏往往能决定一幅作品的成败。我们想要拍好照片，就要先了解构图的基本规则和方法，避免出现很多基础性的错误。一般来说初级影友犯的大多数错误都非常类似，总结为以下构图十忌以提醒影友。 十忌之一 ─无主题 初学摄影的人，往往希望把眼睛看到的美景统统拍下来，生怕漏掉任何细节。但是每次看到自己拍摄的照片时，总会觉得照片上的景物没有自己看到的漂亮，甚至杂乱无章，而这正是因为我们拍摄时在画面中放入过多的景物而导致的。一张内容过多的照片，往往令人感到不知所云，什么东西都有，却好像什么都没表达。我们在拍摄时，应该先问自己：“为什么要拍摄这张照片？这张照片，我想让观看者看到的是什么？”这样，在拍摄时我们就会去掉一些不必要的元素，如杂乱的背景，无关的人物等，观看者在作品中一眼就能读到我们要表达的内容，并且被其吸引。 此图中的元素较多，近景中的人物，人物车上后照镜中的影像，右边黄色的车， 以及远处过街的行人，都是比较突显的视觉点，元素较多便容易产生主题的分歧。 十忌之二 ─ 画面太满，透不过气 初学拍摄时，我们有时会认为主题在画面中占的面积比例越大越好，于是我们往往将要拍摄的景物拉得很近，直到画面放不下为止。现这些照片中的景物就如同贴在脸上，令人感到非常的压抑，透不过气来。也有时候，我们在照片中会看到一个孤零零的物体，却丝毫不知道它所处的环境。导致这个现象的原因就是：主题占据了过多的空间，画面被撑满，也完全挡住交代环境的必要背景。 花在画面中占据了较大的面积，空间太挤，画面感觉不舒服。 此图画面的空间感很好，有较多的留白，也正好衬托出烟的质感，同时主题也比较突显 ◎拍摄时，我们通常将主体安排在画面的黄金比例、三分线等位置，留出适当的空间给背景，使主体自然地存在于环境中。 十忌之三 ─建筑倾斜 建筑倾斜在摄影中很忌讳的。除非是摄影师刻意追求某种效果或者要以此表达某种特殊的情绪，否则，建筑倾斜往往给人一种极度的不稳定感，令观看者感觉拍摄随意，不踏实。 一般来说，拍摄建筑的基本要素之－－就是保证建筑处于水平位置。 此图中倾斜的教堂，不仅让人心里不安，更让人感觉不敬。 因为镜头没有平行的水平线，所以镜头的畸变导致了建筑物的倾斜。 图1 与图2 的区别非常明显，图1 中的建筑因为垂直画面，感觉画面很安全，视觉效果良好。而图2 中的锥形塔明显向左倾斜，让人有要倒塌之感，增加了画面的不安全感，也会导致观看者有不舒服的心理感受。 十忌之四 ─头撞墙 在拍摄侧面人像或者拍摄有向前冲的姿势的物体时，一般来说要尽量在人物朝向或者运动朝向的地方留有更多空间，让人的视线得到释放。但很多初阶影友时常会忽略这个问题，有时会将主体占满画面，并会在人物朝向部分使观景窗嘎然而止，导致画面非常沉闷。 十忌之五 ─附加物缠身 在拍摄时，背景的选择很重要，要避免造成头顶生树枝、烟囱等现象，这样会带来很尴尬的视觉效果。而且附加物的产生，会严重影响主题的表达，分散观看者的注意力，甚至会给观看者带来莫名其妙的心理感受。 上图中多余的线条，让人产生疑惑。 人物后面的背景中有根弯曲的细绳，它与前景中的人物共同出现， 产生令人啼笑皆非效果，其实只要改变角度或者去掉背景，就可以避免此类情况的发生。 十忌之六 ─画面分裂 拍摄时，没有安排好地平线的位置，使之位于画面中心，可能会造成主体与背景平均分配在画面两侧，或者造成主体与配角被平均分配在画面两侧，这都会让画面产生一分为二的感觉。因为画面上下一分为二，会导致画面上下力量相抗衡，而使主题不明，缺乏统一和谐感。 图1 左下方红圈 ：草地的力量与天空的力量相抗衡让人产生主题为何的疑惑。 右上方红圈：水平线位于中间，使画面一分为二，显得呆板，没有生气。 图1 和图2 都是平均分割了画面，图1 将水平线放置在画面的中间，使画面显得呆板，而且没有主题， 而图2 中的天际线也正好位于中间，画面结构呆板，并显得拘谨。 十忌之七 ─喧宾夺主 画面中过度表现陪衬体，或者将色彩和形体过于抢眼的陪衬体取景入内，会导致观看者的注意力过度被陪衬体所吸引，反而使主体处于次要地位。这种本末倒置的图将无法表达摄影者想要表达的思想，甚至会导致观看者对作品含义的错误理解。 此图到底是表现建筑还是表现树？有些模棱两可，若是表现建筑，则前面的树有些突兀； 若是表现树，后面的建筑又会抢风头，所以从表现主题上来看，此图容易生产主题分歧。 十忌之八 ─画面失衡 在构图时没有注意整体的调性及色调结构，造成画面色彩、气氛不协调，影响照片效果；或者在构图时没有注意画面呼应关系，导致观看者感觉压抑、紧张等状态都称之为“画面失衡”。 图1 […]

光，在摄影中的作用非常大，但是初入摄影门坎的朋友却往往忽视光线的运用。不是不知道其重要，只是当拿起相机的时候，却忘记需要注意光的存在。本文就是要给初学者们介绍摄影光线的运用的基本法则。 光线的作用是非常重要的，这点毋庸置疑。没有光，也就没有摄影。人们对于光线的认识在摄影领域里可以分为三大类： 台湾网络人气美女果子MM 1.照明光 即起到照明作用，映衬被摄物体的光线。照明光可以来自于自然界（自然光）。比如太阳，月亮，星星等。也可以来自于闪光灯，灯泡，篝火，荧光灯等。 2.造型光 即表现被摄物体的外部形态，突出其立体质感，强调彩影协调，勾勒轮廓的光线。造型光的实现多借助与造型灯。一般摄影棚拍摄多会需要造型光的介入。 3.寓意光 较为个人化和自由的光线，通常具有一定创造寓意。比如黑暗的隧道里的一丝光明，预示着美好光明的前景即将出现。或者是昏暗的屋内，恐怖勾勒面孔的红光。寓意光也多使用有色光制造。 掌握好这三个方面的光是非常不容易的。很多人只能保证最基本的照明光使用。笔者认为，这三种光的作用是依次递进的关系，也是从光线的角度理解何谓“好的”摄影作品的一种途径。 光柱美景 很多初入摄影的朋友们经常会问我，自己的照片拍的好不好。很多朋友们认为，把东西拍清楚，能看清楚就是好的作品。笔者认为，这些朋友们只是注重了照明光的使用，但是其他两类光线的运用并没有考虑进去。 美丽的光晕效果 “好的”摄影作品不仅能让人“看清楚”拍摄的是什么，还应让人能真切地“感受到”被摄体的客观存在。除此之外，好的作品还应该可以让观看者通过摄影作品理解拍摄者所要传达的思想和感情。 要熟练的掌握和控制光线的运用，就需要我们首选了解光线。在自然课中，我们都知道，光线其实是一种辐射线，它可以穿过一些介质的物体，比如水，玻璃，薄塑料布等。 或者在一些物体上发生光的折射。由于被摄物体的性质不同，光也会发生比如反射，折射，投射等不同的现象。这些不同的表现都会直接，间接的影响到摄影的效果。 常见的光位。 为什么很多人喜欢棚拍，这是因为摄影棚内对于光的掌握更加主动。对于初学者来说，可以通过棚拍了解和掌控灯光的使用技巧，形成对光和不同材质反光物效果的认识。这里，笔者就简单的模拟几种常见的光位。 正面光的效果较硬，会在面部形成交强的光点，且影子也很明显。而头顶光则可以营造很神圣的感觉，好似天使降临一般。 测光通常会把人面部的轮廓突出出来。在另一侧无光的面部区域形成阴影。如果希望反差减小，可以使用侧光。 底光会有阴森恐怖的感觉，而逆光则会让面部发黑。很多家庭用户经常不注意逆光的问题，会背对着太阳光的一侧拍照，结果照片上人物的面部全都看不清楚。如果换做人迎着阳光拍照，或者侧对着阳光拍，那么效果就会非常不错。 作为摄影初入门的朋友们，对自己的要求当然也不能那么低。在掌握了几种光线的位置之后，可以通过实战来进行练习。本文这里就来例举几种影棚内常用灯光布置。我们会在今后的文章中再做详细说明。 几种典型的布光方法

一到假日，又是各位父母跟小朋友出外玩乐的好时间！我们很多同学学习摄影的主要目的也是替小孩拍摄，那么摄影新手父母怎样才可以拍出小朋友最漂亮可爱的一面呢？当中有甚么技巧值得留意呢？这次我们特意借用 Elements 圆方 的漂亮场地拍摄，跟各位同学分享一下拍摄小朋友的技巧吧！   首先要设定好相机 (一) A-Mode 或 S/Tv-Mode 很好用 如果你对摄影有基础的认识，你也会知道 A-Mode 光圈先决 和 S/Tv-Mode 快门先决的用法，在拍摄小朋友时我们多用这两个模式便可，把心思放在构图上吧！ A-Mode 光圈先决：自行调较 光圈 和 ISO，快门由相机决定 S/Tv-Mode 快门先决：自行调较 快门 和 ISO，光圈由相机决定 在使用 A-Mode 时，你可以利用光圈来控制景深和入光量，越大的光圈 (如 f/2.8) 便会有越浅的景深，大光圈也可以令快门更快； 在使用 S/Tv-Mode 时，你自行选择快门速度，例如 1/100s，这样可以确保拍出来的相片清晰，在拍摄好动的小朋友时更有用啊！ 当然，如果你对 M-mode 全手动模式有信手，利用 M-mode 让你可以更好地把握曝光，因为相机的测光功能始终不是完美的啊（这时记得利用 +/- EV 来作曝光补偿）！ 利用 A-Mode 配合 +/-EV，已经可以把小朋友和背后色彩缤纷的 Graffiti 休旅车准确曝光了！ (二) 好好运用连拍 平常我们拍摄风景照，大部分时间也会单张地拍摄，但小朋友动作多多，而且表情丰富，使用相机的连拍功能可以更有效地捕捉到小朋友有趣的一面！在使用连拍时也可以一并使用 AF-On 按扭（按著 […]

相信很多人也去过大埔的香港铁路博物馆为小朋友拍照吧! 那里虽然地方不大，但博物馆里的路轨及火车真的是一个很好的拍摄景点呢！那我们取景及构图时有什么要注意呢？让我分享一下我的儿童摄影经验吧！ 当拍摄路轨时，我们可以采取直倒构图，把路轨平均置中，这样可以更加突出路轨的线条。另外重点是拍摄时要把镜头与小朋友的眼睛成水平线或更低(即是不要站着拍摄)，那便可使照片更加立体，达致照片有前景及有后景。 另外，虽然我们很喜欢大光圈的浅景深照片，但有时我们也不可以永远也是大光圈，永远也是大头相，否则整揖照片也是一模一样，背景太雾化会令人家看完照片后也不知道你去过那些地方呢！所以，如果要拍摄全身大景的照片，除非要浅景效果，否则我的光圈不会大过f/2.8。(仅供参考，要根据环境情况以定。) 除了拍摄全身大景外，我们也可以用大光圈突出一些局部特写、物件或动作，增加整揖照片的味道。 另外位于博物馆的左边，因那边没有火车，所以比较少人。可尝试拍摄小朋友于铁路上玩耍的动作，并尽量突出路轨的线条。 于火车内，可用广角的焦距(举例大约24mm)，尽量吸纳多些车厢里的线条及古老的设备。而因车厢里的光线比较暗，所以尽量提高ISO，务求减少使用闪光灯的必要。因本人觉得如果闪光灯使用不当，会使照片的味道大大降低。(当然，进阶闪光灯使用者除外啦~) 其实，还有很多其他的地方也很美丽及容易构图，但我影到这里，囡囡已经嚷着要吃雪糕了… 所以，唯有留待下一次再影吧….

新手刚接触风景摄影时，在对焦、曝光…..等方面，比较无法确切掌握其要害，到底相机该怎么设定，才能让眼前的这片好山好水纳入镜头里面呢？下面将从拍摄风景时的对焦方式、利用EV值曝光的方法、动态风景与静态风景的拍摄模式切入，来告诉大家风景这样拍就能收得好画面哦！ 选择最佳对焦方式 现阶段的自动对焦系统可以在几乎完全黑暗的条件下进行对焦，或是针对飞行中的鸟类持续对焦，且能自动选择要对焦在实景中的哪个部份。有些新一代系统可以辨识人脸优先对焦，或是多人脸部同时在一画面时，自动选择最佳对焦点。总而言之，各种对焦模式都有其优点，建议针对想要拍摄的对象选择适当的对焦模式即可。 对焦模式 单张自动对焦：适用于静止主题的单张自动对焦。对准拍摄目标半按快门按钮，相机会进行一次对焦。 连续自动对焦：适用于对焦距离不断变更的运动主体。如果持续半按快门按钮，将会对主体连续对焦。 手动对焦： 将镜头对焦模式开关设为<MF>，转动镜头对焦环进行对焦，以肉眼确认观景器中的主体是否变得清晰。 使用AF和MF的时机 一般说来，摄影的基础就是对焦要准确。拍摄山岳、湖泊等静态景观时，可使用单张自动对焦；拍摄自由车、运动类等题材时，则建议使用连续自动对焦。 使用单张自动对焦时，当对焦点与主体重叠，相机就会自动对物体进行对焦。在半按下快门时，对焦位置会被锁定，可以在固定焦点的状态下重新构图。如果使用连续自动对焦的功能，就必须从观景器中追踪拍摄主体的移动状态。 而下列情况，可能无法成功对焦时，则须改用手动对焦： 对比度低的主体【范例】蓝天、色彩单一的墙壁 低光照下的主体【范例】夜景、星空 强烈逆光或反光的主体【范例】车身反光的汽车 远近主体同时覆盖自动对焦点【范例】笼中的鸟儿 重复图案【范例】格子状的窗户、电脑键盘 对焦位置与成像的差异 对焦位置不同也会改变照片给人的印象，即使是同样的一个画面，也会因对焦的位置不同，而给人印象很大的差异。对焦点对在离自己很近的位置时，背景就会很模糊，而焦点对准的地方则会很清晰；相对于拍摄距离，相机与背景的距离愈远，背景就会愈模糊。因此如果想拍摄清晰的背景，那背景与拍摄对象的距离也要很近才行。另外，对焦点在最远处时，模糊的前景，可衬托出拍摄对象的距离感。在强调空间距离感的时候可以采用此种方法。 ▲对焦点在最近处的树干上，背景很模糊。 ▲对焦点在中央时，前后景物都会模糊。 ▲对焦点在最远处的树林时，前面景物愈靠近拍摄点就愈模糊。 曝光模式 决定好测光模式后，接下来就要选择正确的曝光模式。拍摄动态景物时，可以选择能自行决定快门速度的快门先决模式，以准确补捉动作；拍摄静态景物时，能够自由控制景深范围的光圈优先模式则较为适合。 依据拍摄题材选择曝光模式 快门先决（shutter priority）拍摄动态风景时，选择快门先决 ▲拍摄海水快速在礁石间流动的景象时，将快门设定为1/2秒，太短拍不出流动感，太长则水流易过曝无细节。（新北市／老梅） 光圈先决（aperture priority）拍摄静态风景时，选择光圈先决 ▲为了拍摄大尖山的景色，以及翠绿的草原与天空有漂亮的蓝天白云，将光圈设定为F10，让前、中、后景皆清晰，对焦点对准大尖山。（垦丁国家公园／垦丁牧场） Auto ISO 在底片摄影中表示不同底片对光线感光的灵敏度。在数位时代，感光度则可借由调整感光元件（CCD或CMOS）对光线的灵敏度来改变。现在的相机可直接改变感光度，以获得不同程度的曝光，部分高阶相机甚至会在现场光线不足时，自动提高感光元件的灵敏度，也就是Auto ISO（自动感光度功能），可将快门时间缩短至手持拍摄时之安全快门（稍后会说明）左右，避免引起手震。 曝光补偿 根据表现的意图，我们可能会认为若能将曝光量增加或减少，照片的效果会更好，通常这是主观性的影响。有时并非相机的测光系统出错，而是它无法解读你的创意。这时，只要减少曝光量（减eV或负补偿），影像就会变暗，而增加曝光量（加eV或正补偿）就会变亮，可增加作品的创作力。如果当下无法确定最佳的曝光值，你可以利用包围曝光拍摄，之后再选取最好的成像。 ▲暗部占画面的一大半时，-1.67eV ▲雪白的亮部占画面的一大半时，+1.67eV 依据拍摄意图，决定曝光补偿值   ▲（左）负补偿（-1eV），（右）未补偿。为了将黄昏的气氛表现出来，最后决定将整体画面调暗一点（-1eV）   ▲（左）正补偿（+1eV），（右）未补偿。为了强调雪地上拍照的人，我决定增加1格曝光补偿，使白雪亮一点、人的穿着鲜艳一点。（+1eV）

聪明的人从自己犯的错误中学习，智者则从别人犯的错误中学习。本文将介绍一些在新手摄影爱好者中常见的错误。你犯过其中的一些吗？ 1. 太早放弃 这一点很多人都犯过。他们在相机和摄影技巧课程/书籍上花了大把的钱，旅行去一个很棒的拍摄地点，然后很快就——因为有点累、饿或者无聊——放弃了。还有很多人没有在一个地方花太多精力，也许是觉得第一张照片就足够好了。但经验告诉我们，最好的照片往往出现在尝试过所有视角之后。 如今网络上已经有不计其数的照片，如果你想得到一些不同的结果，就必须付出更多时间和精力。你比别人多坚持一会儿，就能成为更好的摄影师。 2. 用广角镜头拍人像 当你打开便携数码相机时，镜头一般都位于广角端。大部分单反相机镜头为了容易装进摄影包，在收起时也位于广角端。因此广角就成了很多人的默认选择。但是广角镜头的畸变并不是非常适合人像摄影，特别是拍人物特写时。除非你刻意追求这种效果，否则请记得把镜头转到长焦端。长焦镜头往往能拍出更有魅力的人像照片。 3. 拍出晃动模糊的照片 这一点也许人人都应该检讨一下。在1/8s甚至1/80s这种快门速度下，相机对晃动非常敏感。初学者往往意识不到，而略有经验的摄影师则认为自己端得很稳。如非刻意，抖动模糊的照片通常都不受欢迎。很多摄影比赛和杂志都不会用模糊的照片。 拍出清晰照片最重要的一点就是保证相机稳定，而最好的方法就是用三脚架。但是我们都不能总是随身带着三脚架，这也没有关系。现在很多镜头都有防抖功能，而且相机的高感效果也在不断提高。所以除了寻找支撑物尽量保持稳定之外，也不要害怕提高ISO感光度。 4. 拍建筑时靠得太近 在近处拍摄建筑，为了取到全景就需要仰起相机，或者使用广角镜头。这样做会让垂直线变成向一个点汇聚的斜线，或者出现很明显的畸变。如何才能做到让平行线在照片中也是平行线呢？理论上讲，你需要让相机焦平面与建筑物平面保持平行。这其中涉及很多摄影技术和方法。 一般来说，你可以把相机举高而不是仰拍。如果在建筑物对面有其他建筑可以登上拍照，一定要利用起来。为了减少畸变，尽量从远处用长焦距拍摄，而不是在近处用广角。但是一定要注意不要让无关的东西进入画面。 5. 照片中没有明确的主体 最后，多数照片永远不会被注意到，就是因为它们没有明确的主体，或者有太多的杂乱元素，令人不知所云。这是由于我们观察世界，与相机记录景象之间的不同造成的。我们会专注于自己想看的东西，忽略其他东西，但相机会忠实地记录下镜头前的一切。 要避免这个问题，最常用的方法是靠近拍摄。一般人会希望拍下整个场景，所以用最广的焦距，站在最远处拍摄。结果照片很小，也没有什么冲击力。大胆地靠近拍摄吧。另外，也要学习运用光线和色彩来突出主体。养成检查背景的习惯，明白自己都在拍些什么。

在照片处理中，哪一个步骤都绕不开“色调”：每张照片都有自己的色调，而且很多照片处理的目的就是优化或者改变照片的色调。照片的色调越丰富，你在对比度和色彩是处理上就越有可发挥的空间。这时候，一个非常出色的帮手就是直方图。它既可以在相机中显示，也可以在照片处理软件中显示，能呈现图像中的色调分布情况。 对比度和对比范围 从照片处理的视觉层面来说，对比度这个概念描述的是图像中最亮和最暗的部分之间的亮度差异。也就是说，这里所指的是所有形式的对比度中人眼所能识别的明亮对比度（也叫做明暗对比度）。最亮和最暗部分的差异越大，图像的对比度就越高。在最高的对比度下，只有纯黑与纯白两种颜色——这是可能出现的极限亮度差了。 与图像的色调处理相关的不只有明与暗的差异，还有所谓的对比度范围。它描述的是一个图像中最亮和最暗的两个极端之间的亮度差，一个图像的对比度范围越大，观赏者就越容易识别其中的结构和细节，从而越觉得这张照片清晰、分辨率高。 色调等级的数量是由照片的色彩深度来约定的。8位的色彩深度下，每个色彩通道最多可以有256种颜色，即256个色调等级。在大多数情况下，这已经足够显示一张质量较好的照片了：图像中的亮度变化看起来是平滑的，也就是说，画面中没有像人造画面中那样明显的色调分层。有4096个色调等级的12位色彩深度，甚至有16384个色调等级的14位色彩深度的表现效果更好，可以让照片更有说服力。 如果拍摄主题的对比度明显超出了县级感应器可以感应到的对比度范围，选择较高的色彩深度能够保存尽可能多的细节，使我们有可能在后期处理中调整对比度范围。实际上，一个自然景观所能提供的最大的对比度范围，远远超过了人眼以及机器感应器的东塔范围，通过不停地调节瞳孔，人眼最大可以描绘20档亮度中最亮的10-12档，让较暗的色调变成纯黑色，要么记录下较暗的部分，让较亮的部分过曝，或者丢掉最暗和最亮的两头，只记录中间的部分，到底放弃哪一部分图像信息，这得由摄影者根据拍摄主题来决定。不过关键要知道一点，即照片处理软件更擅长在暗而不是亮的图片区域内调出细节。因此，值得推荐的是必要时欠曝而不是过曝，否则在暗的区域会有大量色彩信息丢失。 除了自觉忍受无法表现更多细节的图像区域外，还有另外两种方法可以应对拍摄主题过高的对比度：一种是用不同的曝光度拍摄一系列主题相同的照片，这样就可以将高对比度的图像信息加入多张照片中去，接着再把这些照片合成一张DRI或者HDR照片。另外一种是通过增加或者减少管线来降低主题的对比度，这样你就可以提亮暗处或者调暗亮出，然后记录更多的细节。 色调和直方图 每个像素都有一个固定的亮度值，这个值由一个或多个单独的值共同确定。比如，一张灰度照片只有一个色彩通道，一张RGB照片有3个色彩通道，一张CMYK照片有4个色彩通道。每个像素在每个色彩同道中都取一个0-255之间的值，从而有一个或暗或亮的色调。相应的，每个像素都会有一个明确的色调值（或者在每个色彩通道中有一个亮度值），这些值会被展示在直方图中。 一张照片中所有的色调值都会被直观地真是在一副色调曲线图或者直方图中。对于黑白照片，这个色调刚好与图像中可以看见的亮度值温和，而对于彩色照片，每个色彩通道都会有一个直方图——RGB图像中，红色、绿色和蓝色各有一个直方图，此外还有一个由这些通道整合而成的直方图，展示图像的平均亮度值。这些直方图在照片处理软件中或重叠或并列或单独显示。 直方图的构造如下：水平防线上有一个亮度标尺，颜色从纯黑（左，值为0）到纯白（右，值为255）共256个值，图像中存在的每个色调值都被分配到这条水平轴上。同一个色调出现得越频繁，相应的值上方的细线爬得就越高。也就是说，垂直方向上显示的是色调的相对数量（不是实际数量）。当一个色调值不合比例地频繁出现在图像中时，其相应的细线就会冲出框外。甚至被从上面切断。这不是什么糟糕的事情，只是显示的问题。 读懂直方图 垂直方向上的直线构成了一条山峰状的曲线，根据这条曲线的走向及在亮度标尺上的对应位置，我们可以推断出图像的亮度分布和对比度的情况。下面的几幅直方图当然都是举例子的。尤其第一个是典型的“理想情况”——真实的直方图中的曲线走向都与它对应的照片有很大的关系。 理想情况下，色调曲线的走向都是从图中左下角的所谓的黑点开始，然后到右下角所谓的白点结束。这代表一个完整的亮度值范围，也就是256个亮度等级全都在照片中出现了，拍摄主题的对比度没有超过相机感应器的动态范围。这样拍出的就是一张色彩丰富且对比鲜明的照片——这个例子中的照片（左图）算是中等亮度的。此外，每次调整色阶时都要以这样的曲线为目标。 但是，如果拍摄主题的对比度太高了，那么这个曲线的两端就会被切掉。也就是说，照片中的一部分区域是无法描绘细节的纯黑（左边的切边）或者纯白（右边的切边）。因为从理论上来说，直方图中的黑点左边和白点右边的亮度区域已经不能描绘更多的细节了。之所以会出现这种色阶溢出（曲线的两端被切掉了），要么是因为前面所提到的拍摄主题的对比度过高，要么是因为进行了扩展色阶的操作，单个颜色的过分饱和也可能造成这样的色阶溢出。 如果拍摄主题的对比度处于相机的动态范围以内，那这个曲线图会位于亮度标尺中间的某一区域，而不会碰到黑点和（或）白点。如果照片的亮度范围（也就是曲线的跨度）小于256个亮度等级，那么照片的对比度就会非常低，整张照片看起来就好像蒙上了一层灰色的面纱，给人留下索然无味的印象。 是太暗还是低调? 如果直方图的波峰不在中间，而是偏左，那么暗色就在照片中占据主导地位。明亮的色调出现得越少，人们就越倾向于把这种照片叫做低调照片。这种特殊的构图方式是将拍摄主题中大量的偏暗和极暗的色调与极少量的色调结合在一起。 即使在这种情况下，直方图的曲线也应该刚好从黑点处开始，这样才不会丢失暗处的细节信息。一些人理解的低调照片就是由于大量黑色和极少量白色形成强烈对比的照片，而另外一些人则把低调照片定义为完全没有亮色调的照片。后者所谓的低调照片总是显得过于平淡，而前者定义的低调照片，如果不是经过精心布置而拍出或经过后期处理的，很有可能是曝光不足的照片。 是太亮还是高调？ 如果代表照片中明亮区域的曲线明显地朝右边攀升，即直方图的波峰偏右，在极端的情况下，人们会把这种照片叫做高调照片。这样的照片中只有很少或者完全没有暗色调与很多亮色调行车强烈对比。过曝的照片不可避免地会在明亮区域里形成色阶溢出，并且照片中没有暗色调。至于这是不是就是高调的定义，以及相应的亮色调的图像和过曝的图像在直方图上有没有区别，在这里也是 一个问题。我们倾向于一张照片中有完整的色调范围。 最后，无论如何也别忘了再看一眼图像本身，看看有没有曝光不正确的地方。 阴影、中间调、高光 在数码照片处理中，你会经常遇到阴影、中间调和高光这些概念。它们指的是亮度标尺上某一区域的亮度值（而不是明确定义的某一个亮度值）所对应的图像区域。换言之，“阴影”是最暗的亮度等级，“高光”是最亮的亮度等级，而“中间调”就是位于这两者之间的亮度等级。这些区域之间的国度是很流畅的。你越是经常使用照片处理工具对这些色调区域进行单独调整，就能越快地获得这一的感觉：在一张照片中到底哪些区域是阴影，中间调以及高光。 中间调对比度 从直方图中可以读取中间调对比度的信息。这个概念是阴影和高光之间，也就是中间调区域内的亮色调和暗色调之间的差异度。如果直方图的曲线平稳上升到一个波峰后下降的话，这张照片就以中灰色调为主。但是如果曲线形成了两个波峰，很多深灰色调和同样多的浅灰色调就形成了对比。 中间调对比度跟照片的色调范围或者对比度范围都没有关系。在不移动黑点或白点的情况下，也就是不进行扩展色阶或者完全不制造色阶溢出的情况下，中间调对比度也能相应地变高或者变低。 Gamma值 这个概念源于胶片摄影，在那儿它描述的是一个介质（如相纸）显示色调层次的能力，即介质能实现的明暗层次或者对比度。它显示为一条位于图中的线：Gamma值为1时，显示为一条和水平轴成45°角的对角线，表示照片的对比度正好与其载体（如负片）所能表现的对比度相吻合。Gamma值小于1时，显示为一个黑和纯白，图像的明暗层次明显减少，对比度变低，整张相片的颜色灰常暗淡。Gamma大于1时，显示为一条走向更陡的折线，此时照片的明暗程度增多，对比度变高，而且会导致色阶溢出。如果吧之前的深灰色调当做黑色，把之前的浅灰色调当做白色来显示的话，它就会出现没有细节的图像区域。 而在数码照片的处理中，Gamma值这个概念则用于描述和你单与白点中间（中间调）的灰度值，不会涉及黑点和白点。在这里，图中的对角线不是一条直线，而是一条曲线。当改变Gamma值时，曲线的两个端点不会移动，之友曲线走向的坡度胡i改变，而这个改变对照片的对比度之友限的影像，而且主要体现在照片的亮度上。通过改变Gamma值，也就是移动在直方图中代表50%灰度的点，浅灰色调和深灰色调的比例关系会随之改变：如果这个点朝黑点的放心移动，曲线的走向就是刚开始平缓，后来陡峭。这时，照片中的亮色调就更多，铺得更开一些，亮色调之间的差异也会被放大，照片从整体上看会偏亮。但同时对暗色调减少了，较暗部分的图像信息的描述也就收到了限制。如果这个点朝白点的放心移动，曲线的走向就是刚开始陡峭，后来趋于平衡。这时，照片效果也是相反的，暗色调更多，亮色调更少，照片从整体上看偏暗。

作为摄影新手 面对摄影难免有许多疑问 焦距、光圈、景深、快门如何把控？ 怎么拍才不跑焦？ 如何掌握构图、用光？ 一天中最佳拍摄时间是什么时候？ 无需上网逐个搜索这些问题 在本篇文章中小编为你整理了 摄影新手最想知道的10件事 简单易懂 赶紧马住 焦距 镜头的焦距是什么呢？简单来说，就是一个镜头能拍多远或者多宽。数字越小，焦距越短，视角也就越广，反之，数字越大，焦距越长，视角就越窄。例如300mm的超远摄镜头，只有8°的视角，而8mm的超广角镜头，则拥有180°的视角。 在拍摄不同题材时选择不同的焦距，一般来说，24mm以下的广角镜头多用于拍摄风光，而50mm、85mm则更适合拍摄人像。 光圈 光圈是一个用来控制光线透过镜头，进入机身内感光面光量的装置，光圈我们一般会用f来表示，像f/1.4、f/8等，f数值越小，则光圈越大，进光量就越多，照片会越亮；f数值越大，光圈越小，进光量较少，照片会较暗；另一方面，光圈的大小还会影响景深。大光圈景深更浅，拍摄人像背景更虚化更加梦幻。用小光圈背景会更为清晰，拍摄风景能保证捕捉清晰的大画面。 景深 景深是指在相机镜头前沿能够取得清晰成像时所测定的被摄物体前、后距离范围。通俗来说，就是相机对好焦之后，在最近和最远有两个清晰临界平面，这一前一后两个平面的距离就是景深。 那么景深有什么用呢？它的意义取决于作者的表达意图。浅景深有助于虚化不必要的元素，使画面更简洁有层次感，更易突出主题；深景深则可以涵盖更多的画面细节（常用于风光和纪实）。杂乱背景前拍摄人像，开大光圈，缩窄景深，虚化背景，能让人物更鲜明。 除了开大光圈外，若想制造浅景深，还可以通过缩短相机与被摄者的距离，增加主体与背景的距离，来达到更明显的虚化效果。当然，使用长焦镜头，也能压缩主体和背景，达到虚化的效果。 快门速度 顾名思义，快门速度的多少就是指的传感器暴露在光线中的时间长短。较低的数字就表明较慢的快门速度，如1/3秒就是曝光三分之一秒的意思，此时的曝光时间就比较长；较高的数字就表示较高的快门速度，此时传感器的曝光时间就比较短。快门速度越高，就越能够将快速的动作定格，捕捉犹如凝固的效果。快门速度越低，捕捉到的动作将会模糊，使用慢门长时间曝光的话，更会令拍摄的运动对象变得朦胧。 一般情况下，当我们在拍摄静止的动作时，只要保持安全快门值，就能拍出清晰的画面。（安全快门：1/镜头焦距。假如你使用的是50mm的镜头，快门值达到1/50便可以拍到不手抖，不模糊的照片了。） 对焦 对焦也叫对光、聚焦。通过相机对焦机构变动物距和相距的位置，使被拍物成像清晰的过程就是对焦。相信对焦大家都懂，但如何正确对焦、不跑焦，才是让人苦恼的问题。那么如何避免跑焦？在排除器材本身的问题外，记住以下几点： 1）保持安全快门拍摄（至于什么是安全快门，上面有提到） 2）保持相机稳定（利用三角架或是身边的倚靠物，避免相机抖动） 3）对焦对在眼睛上（在拍单人照，特别是半身特写时，一般都是把焦点对在眼睛上） 4）弱光环境下，采用手动对焦（环境光线太暗时，采用自动对焦，经常无法对焦，甚至莫名其妙地跑焦） 5）尽量不使用最大光圈（这一点关系到镜头的质量问题，普通的镜头，如果将其光圈全开的话，成像往往不够锐利，甚至会出现跑焦的情况） 构图 构图是表现作品内容的重要因素，它是确定并组织元素以产生和谐照片的过程。作为刚入门的新手，不必把几十种构图都谨记于心，只要记住以下这几种最常用、最简单的，再搭配使用，便也能拍出不错的作品。1）三分法： 构图时用两条竖线与横线将画面等分成三分，犹如书写一个「井」字，将拍摄主体放在四个交叉点上，是最稳的拍摄位置。 2）对角线构图：由画面的一个角延伸到另一角，这样的构图可以给画面添加动态的张力，让照片看起来更活泼。 3）居中构图：把主体放在画面中心，画面看起来平衡、稳定、相呼应。 4）框式构图：选择框架式前景，能把观众的视线引向框架内的景物，突出主体，同时也能制造出纵深感。 用光 都说摄影是光的艺术，用光既是一种基本功，又是体现摄影师水平高低的重要内容。无论你多会摆弄相机，多会构图，最终在完成的影像上，你会发现，还是光起到了最决定性的作用，因为摄影本来就是用光在绘图。光源主要分自然光和人造光两种，光质则分硬光和软光。而光位，最常见的有以下4种：1）顺光：顺光是摄影时最常使用的采光手法，是从被摄体正面照射过来的光线。它的特点是能把被摄体的形态和颜色表现得非常到位。 2）侧光：凡是从被摄物的左右侧面45度-90度角打来的光线，都可以泛称为侧光。侧光千变万化，只要在拍摄时稍微改变光源角度，就能为整张照片营造出截然不同的效果，增添戏剧性。 3）逆光：从被摄体后方照射过来的光线，从被摄体正面看，被摄体轮廓光显得非常明亮，闪烁的光辉很漂亮。这是最具戏剧张力的用光方式，可以创造富有戏剧感或意境的影像。 4）顶光：从被摄体顶部往下照射的光线，在户外，最常遇上顶光的时刻大约在上午11点到下午3点左右。在顶光下拍摄，人物的鼻下人中处和脖子处容易产生阴影，显得不怎么好看。 黄金时间 很多人都会问，一天中什么时间最适合拍照呢？ 一般来说，避开中午12点-3点这个时间，其余时间都比较适合在户外拍摄。当然，最佳的拍摄时间还要数一天中的“黄金时间”。所谓黄金时间，指的是日出后、日落前1个小时左右。黄金时间阳光的照射角度下降，不会从人物正上方垂直投射，而且傍晚相对于中午阳光柔和，避免了在人物面部形成强烈的阴影。 除非是拍摄强烈明暗对比、剪影等风格化的作品，此外都尽量选择黄金时间进行创作拍摄，光质更柔和，夕阳呈现的暖调和人物肤色也更为相衬。 消除阴影 阴影能突显立体感，但出现在人物的面部的光照阴影过强，导致「阴阳脸」出现的话，此时的阴影是应该规避的。 恰当使用闪光灯以及反光板，对人物的背光暗部进行补光。 闪光灯避免直接闪光过硬，可以使用柔光罩调整闪光灯，这就是比较高级的操作了。 提高审美 要想拍出好的作品，除了熟练掌握相机，学会用光、构图这些基础技巧外，提高自身的审美更是重中之重，毕竟，想法是复制不来的。我们只有看过看更多优秀的作品，从中获取更多灵感和创意，日积月累，转化为自己的东西，才真正能拍出属于自己的好作品。

1.时段线条与小光圈 手动模式，f/14，30秒，ISO 100，钨丝灯白平衡 夜色中的城市最富魅力，拍摄夜景最好是在天快黑但还没完全黑的时候，一般日落后15到30分钟是拍摄的最佳时段。将白平衡设置为钨丝灯模式，能更好地表现夜幕中淡蓝色的天空。虽然EOS 60D具 ISO 6400高感光度，我们仍然建议使用三脚架稳定拍摄，保持良好的画质。 另外，为了使远近的景物都清晰呈现在画面中，通常使用小光圈拍摄。当选择f/16甚至f/22、f/32这样的光圈时，画面上点光源（如路灯）会呈现出漂亮的星芒效果，使人感觉仿佛置身于梦幻世界。 除此之外，在构图中应尽可能寻找和利用线条的形式美、韵律感，通过精心设计来提高画面的艺术性。 2.突出建筑的特征 手动模式，f/8，1/640秒，ISO 200 建筑本身就是以形状取胜，仔细寻找建筑独特的形状和线条，用长焦镜头突出局部，或者用广角镜头夸张表现，优美的线条很容易吸引人们的目光。虽然EOS 60D广角拍摄受到焦距换算系数的限制，但是使用EF-S 10-22mm f/3.5-4.5 USM这样的镜头，仍然可以获得很好的夸张线条的效果。 3.车流的光轨 手动模式，f/16，10秒，ISO 100 车流是城市题材不可缺少的主题，使用1/10秒甚至更慢的快门速度拍摄，车流自然就变成了梦幻般的光轨。快门速度越慢，光轨也越长，效果非常独特。启用EOS 60D高ISO感光度降噪功能，能够获得更好的画质。 4.仰拍建筑 光圈优先，f/10，1/320秒，ISO 100 采用广角镜头以低角度仰拍，大楼仿佛直插云霄，向上汇聚的线条表现出强烈的空间感。将画面的四框控制在被摄建筑的中心高度附近，更能带给观众身临其境的感觉。使用EOS 60D的旋转液晶屏幕，可以让低角度拍摄变得更加轻松。 5.俯拍城市全景 手动模式，f/11，1.6秒，ISO 100 在黎明和黄昏时分，登上城市的制高点俯拍全景，可以很好地表现建筑的层次。拍摄时要注意使用小光圈，并使用三脚架保持稳定，把远近的建筑都清晰表现出来。如果使用自动ISO，建议启用EOS 60D的ISO感光度的上限设置功能，并将其设置为ISO 100或者ISO 200，尽可能避免画面上出现噪点。 6.动静结合 快门优先，1/2秒，f/8，ISO 200 使用1/30秒甚至更低的快门速度，动静结合的画面能够很好地表现都市紧张忙碌的气氛。这种方式适合地铁、繁忙的路口等场景。拍摄时尽量稳定相机，以动与静的对比传达画面的情绪。

一张照片最基本最起码最原始的要求便是画面要清晰。 想手持拍摄到一张不手震的照片，最简单便是快门要够快，但快门太快相对就可能会发生曝光不足的情况。 所以经过不断拍摄，摄影师就得出一个「最慢而又不手震的快门值」理论，那便是大家熟知的「安全快门」了。 传统上，简单而笼统的安全快门定义是︰快门值不慢于 1/镜头焦距。 假如你使用的是50mm，快门值1/50便可以拍到一张不手震的照片了。 真的这样简单吗？ 安全快门的定义已有一段历史，胶片年代时行之有效，而步入今时今日的数码年代，这条公式还行得通吗？ 在答这个问题前，必须为这条公式定下脚注。 安全快门只适用于懂得正确手持相机的人，在一般正常的拍摄情况下（即不是边走边拍，亦不是拍摄微距等特别情况）用于135胶片（即现在全画幅相机）拍出4R尺寸照片。 注意这是用于没有防手震功能的相机或镜头而言，如果有防震的话，视乎防震技术，快门值便可以调得比安全快门更慢了。 如果你使用50mm焦距镜头的话…… 安全快门便是1/50了。 安全快门安全吗？ 每个人的手震程度不同，如果你就算拍摄时处于安全快门值也总是拍出手震照片，很可能要重新训练过正确持机方法了。 除此之外，要知道手持相机，震动是必然的，分别只是震动的幅度，而安全快门所指的是你在用这个快门值出来的照片「看起来」不手震而已，所以所输出的画面大小也是关键之一。 现今单反相机像素动辄千万至数千万计，就算用安全快门拍摄，在100%原大来看也有可能看到画面有轻微震动。 如果你想出一张海报或更大的照片，传统的安全快门可能也不够用，拍摄时快门便要设得更快； 有趣的是，我们一边追求高像素及高解像的相机及镜头同时，九成九的输出媒介却是网上上传照片，而现在大多数观众也是用手机来看社交媒体，如以手机尺寸看照片，就算有轻微手震其实我们也不容易发觉了。 故安全快门的「安全性」问题的答案有点矛盾︰在现今的高解像摄影器材，传统安全快门值已变得不安全，同时却因大多数用家输出照片都是小尺寸，故在大部份的情况下「看起来」又没有手震问题，即其实也颇为安全。 如果有防抖技术，快门慢一点也没关系啊。 安全快门的限制 如果你所拍摄的是移动中的主体，如运动、小孩、宠物的话，为了能拍到清晰的影像，安全快门便不具有参考价值了，你要的是更快的快门去凝固主体。 另外，微距拍摄因为主体已放大得非常大，只要镜头有轻微的抖动也会很明显地从照片中看出，所以安全快门亦不适用于微距拍摄。 结论 安全快门是一个参考值，实际情况会因摄影环境和操作相机的人而不同。 现今摄影器材解像大幅提高的同时，防手震技术也越来越高超，所以安全快门在今时今日其实仍具参考意义。 大家何不试验一下自己，用安全快门值作一个起点，用不同焦距手持拍摄，从而得出一个准确的个人化安全快门数值。