分镜头脚本也叫摄制工作台本、导演剧本，是将文学内容转换成镜头语言的一种剧本，内容包括镜头号、景别、摄法、画面内容、台词、音乐、音响效果、镜头长度等项目。 分镜头脚本的作用主要表现在： 一是前期拍摄的脚本。 二是后期制作的依据。 三是长度和经费预算的参考。 用于电视录制的电视节目脚本分为拍摄提纲（ 主要用于录制节目），文学脚本（ 主要用于电视剧）和分镜头脚本 三个。 分镜头脚本 是最实用的电视节目脚本，它在文学脚本 在此基础上，我们运用蒙太奇思维和蒙太奇技巧对剧本进行了再造拍摄提纲 或文学脚本， 根据拍摄现场的实际情况，将场景或段落分开，并运用图像对比、回声、积累、暗示、并列、冲突等手段在屏幕上构建整体图像。 根据文本脚本进行处理分镜头脚本， 它不是对文本的阐释和翻译，而是在文本的基础上对影视语言的再创造。虽然分镜头脚本 它也是用文字写的，但它离电视很近，或者可以在脑海中“展示”，并在一定程度上取得了明显的效果。 这是下一步要做的工作。分镜头脚本 它通常是由导演本人根据文学剧本改写的。我们简单地理解，所谓分裂镜头，就是将文学剧本的内容改写成一个镜头，并用镜头的细节来描述它。这样，在现场拍摄时，我们不必考虑如何临时拍摄文学剧本，只需查看副镜头原稿并按照其说明进行拍摄即可。 动画分镜头脚本 动画分镜头脚本也叫“动画分镜头台本”或“故事板”，是动画制作前期工作的重要环节，导演对文学剧本进行分析研究以后，将未来影片中准备塑造的声画结合的荧幕形象，通过分镜头的方式诉诸文字，使观众能够直观、轻松地欣赏剧本的内容。 动画分镜头脚本 分镜头剧本 分镜头剧本又称摄制工作台本，是将文字转换成立体视听形象的中间媒介，主要任务是根据解说词和电视文学脚本来设计相应画面，配置音乐音响，把握片子的节奏和风格等。 分镜头剧本 分镜头脚本格式 电视节目的分镜头脚本通常采用表格的形式，首先需要了解脚本的构成要素：镜头、景别、时间、台词、画面、解说、音乐等。对于刚开始接触脚本的人来说，还需要知道脚本的笼统定义就行，即什么人在在什么场景干了什么。 分镜头脚本格式 分镜头脚本 短视频虽然只有几分钟甚至十几秒，但是优质的短视频往往每一个镜头都经过精心设计，这就像导演拍摄一部电影一样，对于镜头的设计，利用的就是分镜头脚本。 分镜头脚本 广告分镜头脚本 分镜头脚本是我们广告创作必不可少的前期准备，分镜头脚本的作用，就好比建筑大厦的蓝图，是摄影师进行拍摄，剪辑师进行后期制作的依据和蓝图，也是演员和所有创作人员领会导演意图，理解剧本内容，进行再创作的依据。如下图是一些广告分镜头脚本案例。 广告分镜头脚本 怎样写好分镜头稿本 短视频虽然只有几分钟甚至十几秒，但是优质的短视频往往每一个镜头都经过精心设计，这就像导演拍摄一部电影一样，对于镜头的设计，利用的就是镜头脚本，下面介绍下怎样写好分镜头稿本。 怎样写好分镜头稿本 分镜头稿本 分镜头稿本是拍摄制作的蓝图和依据，是对文字材料应用影视画面语言进行再创作的过程， 编写分镜头稿本是进行电视教材设计与制作的一项非常重要的基础工作，分镜头稿本的编写水平将直接影响到电视教材的质量。 分镜头稿本 分镜头设计 我们都知道，影视剧的拍摄不是完全“一镜到底”的，是通过后期的剪辑将不同的镜头剪辑粘合在一起，两个镜头之间的画面不同的切换，但是却能够流畅地表达出故事，这就是所谓的“蒙太奇”。当然，镜头的切换并不是随心所欲的，而是要在导演的安排下有节奏、有逻辑地完成。 分镜头设计

商业广告摄影不同于一般的摄影艺术，其艺术性是为商业服务的。所以，首先应从属于商业属性，商业广告的唯一目的市场，就是通过广告将商品顺利的卖出去，并能卖出好的价钱。商业性广告摄影，既是某个具体商业广告设计的重要局部，就要为这个广告市场目的而服务；这里，不能为艺术而艺术，偏离广告摄影的商业目的。 商业广告摄影是摄影的一个门类，但是又与广告推销发生着密切的关系。许多人把商业广告摄影作品当作是纯粹的艺术摄影来看待，这其实是一种错误的，尽管商业广告摄影和艺术摄影有着千丝万缕的联系，但实际上不同的。 ①摄影是以传达信息为主要功能的，所以，商业广告摄影是属于实用艺术的范畴。从现代传播功能的角度来看，商业广告摄影也可以称为信息传递艺术。 商业广告摄影必须追求实际的传达效果为目的，具有十分明确的市场目标和宣传目的，要求针对目标市场和目标用户而拍摄制作，注重实效性。商业广告摄影必须清晰、准确地传达信息，其评价标准虽然也重视思想性和艺术性，但还更多层面上要考虑其商业性因素。 摄影的实用功利性 商业广告摄影的力量在于更多地吸引人们的注意力，引起人们对商品的购买欲望，其实用性相当明确，评价商业广告摄影的标准是根据整个广告推广活动终结时的结果来检查的，经济效果和社会效果是检验商业广告摄影的广告效果的标准。 也就是说，对于广告作品的评价和预测，是根据广告在商品推销中所起的作用，始终是以市场为基础的，以消费者为中心，不能以个人感受为基础。 具体地说，一张商业广告摄影作品，不管艺术上是多么精湛，只要它缺乏”推销”的力量，在进入消费者的视觉领域后，即便能够引起足够的审美效果，但是如果无法刺激消费者的具体消费欲望或者激发消费者明确的参与激情，就不能算是一个好的广告照片。而且，优秀作品所刺激的购买目的性是非常明确的，也就是具体到商家所指定的某类商品。 具有较大约束性的广告摄影 从摄影者的角度来看，商业广告摄影的构思创意要受到被宣传商品的广告策略制约，具有较大的局限性，特别是商业广告摄影构思和创作讲究定位定向设计，在内容的表现方面，围绕广告的目的而常常有很大的规定性。 但是作为艺术摄影的构思和创意，则没有这方面的约束。艺术摄影可以追求别出心裁，有较大的表现自由空间。因此，商业广告摄影必须努力讲究商品的个性和风格，常常将个人的风格隐藏在后面，力求以服从商品的需要为主，不然会很难达到预定的目标。 由于商业广告摄影作品发布必须经过具体的媒介，其效果要受到具体媒介表现方式的制约。不管摄影广告的的作品最后通过什么样的媒介发布，它都是一项综合性的集体活动（包括广告创意、美术设计、文稿写作创作过程），是直接从属于销售推广活动，不可能单独存在。 而且，从受众的角度出发，商业广告摄影要考虑到商品的不同的消费层次，或者是针对性地对不同层次的消费者进行创作。 商业广告摄影既不同于新闻摄影（以最简化的方式传递信息），也不同于艺术摄影（可以采用很随意的方式制作照片），它的最终目的既不是以审美为主，也不是反映摄影者的个人情感和思想，其最终目的是以传播商品信息和告意念为主要动机，迎合消费者情趣，达到促销的目的，具有明显的功利性。广告是商品竞争的前奏，因此，摄影师的思维和技巧必须先于或者同步于各种商业因素的变化，才能创新。 在表现手法上，商业广告摄影比一般的艺术摄影更加需要丰富的技术和技巧，这种技术和技巧是建立在如实地表现商品美感的基础上，因为商品的美感直接来自于商品本身的功能，如实地反映出商品的美，在某种程度上也就同时体现了商品的品质和功能。 反过来，商业广告摄影要求技术和技巧的运用是尽善尽美的，因为画面上的任何微小的疏忽和失误都可能使顾客联想到商品的质量。使顾客对商品产生不信任感，从而影响商品的销售。 商业广告摄影业是一种商业服务性行业。商业摄影和广告摄影是一种依附于经济活动的摄影创作，但又不是纯经济交往的活动，其本身带有强烈的艺术创作的色彩，一切静物、风景、人物、建筑、体育、舞台等各类题材都可以成为广告摄影的拍摄对象。因此，商业广告摄影是全方位、全能的摄影。

超级月亮（Supermoon）是1979年由美国占星师理查德·诺艾尔提出的名词，是一种新月或满月时月亮位于近地点附近的现象，月亮位于近地点时正好出现新月，称为超级新月；月亮位于近地点时正好满月，称为超级满月。由于月球以椭圆形轨道绕行地球，月球和地球间的距离不断变化，因此满月发生时月亮离地球越近，人们看到的满月也就越大。 超级月亮 1950年至2050年间部分“超级月亮”的发生日期（根据产生原理，仅供参考） 1954年11月10日 1972年11月20日 1974年1月8日 1975年2月26日 1990年12月2日 1992年1月19日 1993年3月8日 2005年1月10日 2008年12月12日 2010年1月30日 2011年3月19日 2012年5月6日 2013年6月23日 2014年8月11 2015年9月28日 2016年11月14日 2018年1月2日 2020年2月9日 2020年3月10日 2020年4月8日 2020年5月7日 2023年1月21日 2034年11月25日 2036年1月13日 为什么要说“超级”两个字呢？其实“超级月亮”这个词多用于形容月球距离太阳特别近的时刻，而在5月26日10时，月亮将运行到距离地球的最近点，届时两者只相距357311千米，距离近也意味着月亮的视面积较大，已有天文数据称届时满月的视直径将达到33.5角分，所以月亮看上去要比平时大一些，故被称为“超级月亮”了。 很多主流天文学家们并不赞同“超级月亮”、“超-超级月亮”的称谓，因为从科学定义而言，叫做近地点满月更为准确。当满月从地平线升起时（即近点月），我们看到的月亮似乎比它升到天顶时更大、更明亮。这时的近点月大概比远点月变大14%，变亮30%左右（取决于气象条件）。但这种大小、亮度的变化，其实人的肉眼是不太容易觉察出来的。 另外，超级月亮其实并不罕见。每年均会出现4-6次超级月亮，仅2015年就有六次超级月亮，2015年9月28日出现的超级月亮是这一年距离地球最近的一次。农历每月的十四、十五、十六甚至十七，都是满月可能出现的时段。2021年5月26日，“超级月亮+红月亮+月全食”组团亮相。 日食和月食都是大家比较熟悉的天文现象，在地球上发生的频率相当高，但是在某一个地区中并不能经常看到，日食是由于月亮挡住了太阳照向地球的光，月食是地球挡住了太阳照向月球的光，不过由于地球的体积比月球大得多，所以出现日食的时候，通常只是地球上的某一条带状区域，而出现月食的时候，往往整个月球都会被阻挡一段时间。 2021年5月26日，全球将迎来一次难得一见的月全食盛景，因为它不单是有月全食景象，还包括超级月亮时刻和红月亮，因此这次月全食天相又被叫做超级月全食。 月全食是太阳、地球和月亮排成一线的时刻才会发生的天象，超级月亮伴随月全食出现是很罕见的，通常几十年才会出现一次，是因为两者在时间上凑到一起的巧合不是那么容易出现的。 这次月全食开始的时刻是北京时间5月26日17时44分，这个观测时间极佳，吃完晚饭就可以观看。此时太阳光照射下地球的影子开始扫上月亮，看上去月亮的一边开始缺蚀，进入初亏阶段，接下来月亮被蚀的面积越来越大，而到19时9分，月亮将完全进入阳光照耀下的地球的影子中(食既)，这一时间将长达19分钟，这也是因为月球距离地球比较近的缘故，通常超级月亮时期月全食经历的时间都会略长一点。 在19时19分时，月球到达地球最大遮挡区(食甚)，直到19时28分，月球开始移出地球的影子区域，月亮的一边开始发光（生光），并且逐渐变亮，20时53分时，月球将完全走出地球影子的区域，恢复到月食前的状态（复圆），月全食天象结束。 超级月亮 那么红月亮又是怎么回事呢？其实它出现了月全食开始之后，当月亮被地球的影子遮挡时，按理说太阳光将无法照射到月亮上，月亮也将无法反射太阳的光，所以夜空中应该完全看不到月亮才对，它所在的区域应该一片黑暗，然而事实并非如此，这时候仍然可以看到月亮，只是看上去很黯淡，并且呈现出红色，因此常被叫做“红月亮”。 红月亮的成因是什么呢？其实它仍然是有太阳光照射到月亮的表面形成的，只是这些太阳光大部分经过了地球大气层的过滤，我们都知道光线经过穿过不同的透明的介质的时候会发生折射，而地球大气层就是一种透明的介质，所以当太阳光穿越地球大气层的时候，会有一部分光发生折射，从而可以照射到月球的表面，因此当发生月全食的时候，月球的表面仍然可以接收到少量的太阳光，所以我们是可以看到比较暗淡的月亮的。 但是又由于地球表面和几十几百公里高空的大气密度是很不一样的，当太阳光穿越大气层的时候，波长较短的紫光、蓝光、绿光等大部分都会被大气层内消耗掉，而波长较长的红光则大部分可以穿越地球大气层，因此经过地球大气层折射到月球表面的光大部分都是红光，所以月球看上去就会呈现出红色了，因此在月全食出现的时候，暗淡的月亮看上去就是红色的，这便是红月亮的来历。

MR是由Intel在2016年旧金山IDF16开发者大会上首次推出，会上Intel亮出了多项新技术（坊间有时也称之为“黑科技”），包括MR融合现实、视觉智能、创科模块等。对于mr是什么意思，其实mr有多种含义。 1、mr是什么意思——MR指的是英文缩写： MR，作为英文缩写和简写有多种含义，可表示MR = Match Record 赛会纪录，MR = memory read，存储器读出。另在移动通信领域还可表示测量报告，另有香港新晋乐MR，在hadoop中代表Map Reduce的简写。 2、mr是什么意思——MR指的是介导现实： 介导现实由智能硬件之父多伦多大学教授SteveMann提出的介导现实，全称Mediated Reality，简称MR。翻译过来就是混合显示技术，其实就是将VR技术和AR技术结合起来，既可以利用现实环境带来更好的沉浸感，也可以利用虚拟环境展示出更多的内容，不过要实现实时生成效果逼真的MR环境，需要强大的计算能力，所以MR技术目前还只有少量产品展示出来，比如微软的HoloLens。 3、mr是什么意思——MR指的是边际收益： 边际收益是指增加一单位产品的销售所增加的收益，即最后一单位产品的售出所取得的收益。它可以是正值或负值。边际收益是厂商分析中的重要概念。 4、mr是什么意思——MR指的是移动通信： MR是指信息在业务信道上每480ms发送一次数据，这些数据可用于网络评估和优化。 5、mr是什么意思——MR指的是混合现实： 混合现实是一组技术组合，不仅提供新的观看方法，还提供新的输入方法，而且所有方法相互结合，从而推动创新 。输入和输出的结合对中小型企业而言是关键的差异化优势。 AR和VR的区别是什么 随着VR和AR技术的普及应用，越来越多的人知道接触到VR、VR，但是很多人不清两者之间的区别，常常把两者相混杂，那么AR和VR的区别是什么呢？ AR和VR的区别是什么 vr是什么意思呀 对于vr是什么意思呀，简单来说VR其实就是Virtual Reality的缩写，翻译成中文就是“虚拟现实”，中文的意思就是虚拟现实，早期译为“灵境技术”，近年非常火爆的科幻电影“头号玩家”里面，就是介绍了VR产品高度发展的未来。 vr是什么意思呀 ar技术是指什么 对于ar技术是指什么，AR即是Augmented Reality的缩写，翻译为中文就是增强现实，所以从字面上我们可以知道，增强现实是以使用者环境为基础，将现实和虚拟世界融合的技术。这也是AR技术和VR技术的不同，AR是需要现实环境的，而VR是不需要现实环境的。 ar技术是指什么

线性畸变（linear distortion），又叫线性失真，当试图近距离拍摄高大的直线结构，比如建筑物或树木的时候,就会导致另外一种失真。假设使用的是广角镜头，并且认为只把照相机稍微向上瞄准一点，就可以离得很近也能把整个结构拍摄下来。但是由于实际上平行的线条显得并不平行了，结果是建筑物或树木好像要倾倒下来似的，这种失真现象被称为线性畸变。 问题出自于向上倾斜了照相机，镜头所瞄准的方向导致建筑物或树木的两侧充当了像典型铁路轨道一样的角色，即它们朝向中心汇聚并产生了正常的纵深透视。 如果摄影者是站在建筑物一面墙或树木一侧中部的静点位置拍摄，那么上述这种透视关系看去并非不自然。但是，当摄影者的位置偏离中心时，由于结构的两侧并不是以相同的角度汇聚，问题就出现了。比如，有这么一面建筑物的墙，它的一个边看上去直上直下的，而另外一个边呈30°角，这样拍出来的照片似乎是金字塔而决非是什么摩天大楼。 这种问题不仅仅是出现 在广角镜头上，如果拍摄角度相同，任何一只镜头都会产生线性畸变。只是由于广角镜头使得线条的倾侧更明显，让这一现象更为显著罢了。 怎样解决这种问题呢？其实很简单，只需要使照相机背部与所拍摄的建筑物正面平行即可。如果拍摄不到整个建筑物的话，要么换用更广角的镜头，要么向后移动。 另一个线性畸变问题的解决方案是使用机背取景照相机。这种照相机可以上下或左右移动镜头，从而使所拍摄物体的正面与位于固定位置的胶片保持平行。这也是建筑摄影师几乎总是使用机背取景照相机的原因。 桶形畸变 桶形畸变（Barrel Distortion），又称桶形失真，是由镜头中透镜物理性能以及镜片组结构引起的成像画面呈桶形膨胀状的失真现象。我们在使用广角镜头或使用变焦镜头的广角端时，最容易察觉桶形失真现象。 桶形畸变 枕形畸变 枕形畸变（Pincushion Distortion），又称枕形失真，它是由镜头引起的画面向中间“收缩”的现象。我们在使用长焦镜头或使用变焦镜头的长焦端时，最容易察觉枕形失真现象。特别是在使用焦距转换器后，枕形失真便很容易发生。 枕形畸变 镜头畸变 一般来说，镜头畸变实际上是光学透镜固有的透视失真的总称，也就是因为透视原因造成的失真，这种失真对于照片的成像质量是非常不利的，毕竟摄影的目的是为了再现，而非夸张，但因为这是透镜的固有有特性（凸透镜汇聚光线、凹透镜发散光线），所以无法消除，只能改善。 镜头畸变

平时经常听人说，这张人像片子是糖水片。那么什么是糖水片？摄影中大家把一些赏心悦目的人像照片称为糖水片。糖水片是不是有衡量的标准呢，其实并没有明确的定论。这是流传于民间大家的一种叫法。 糖水片 我们眼中的糖水片，简单说就是画面有美感但没有内涵。这种美就是流于表面的好看，经不起细细地欣赏。 糖水片 我们平时经常听人说，这张人像片子是糖水片，那么什么是糖水片？今天这篇文章我们来聊一聊“糖水片”，对于“糖水片”的看法，各位摄友定然是不尽相同，有些摄友会对之嗤之以鼻，而另外一些摄友则以拍出糖水片为终极目标。 糖水片 画面好看 糖水片 画面好看是糖水的第一要素，糖水必须是甜甜蜜蜜的，给人以美的感觉。画面好看包含的很多内容。拍摄的环境好看，模特的服装好看，人物的妆容好看，以及模特的摆姿好看，同时光线的运用一定要保证人物脸部的曝光准确，宁过勿欠。 色彩自然 糖水片一般都给人小清新的感觉，拍摄的环境都比较明亮，人物神态动作比较自然生动。而且后期的调色上一般都偏向日系的清淡风。减少一定的饱和度让色调清清淡淡的。 饱和度 饱和度是指色彩的纯洁性，也叫饱和度或彩度，是“色彩三属性”之一。一种颜色的饱和度越高，它的色彩就会越深越鲜艳；反之，颜色的饱和度越低，那么照片整体颜色就越黯淡，甚至接近于灰白。 饱和度 虚化效果 糖水片还有一个特点就是大部分会用大光圈拍摄造成虚化效果。虚化部分的前景和背景让人物在画面中更加突出。大光圈还可以造就美丽的光斑，这也是妹子们喜欢的形式。 糖水片之所以存在说明还是有许多人喜欢的。谁都喜欢拍出来照片漂漂亮亮的，大部分人喜欢这种形式上的美感而不深究内容的深度。对于摄影小白来说，要把糖水片拍好看也不是件容易的事。 影楼里的人像糖水片，比如布光要美，化妆要美，造型要美，就是摆姿都有一定的套路。而且后期的人像片子一定要精修、精修再精修，一是一套完美的照片呈现了，画面很精致，人物很好看，但是总感觉少了一点什么。 我更喜欢生活中的糖水片。多一点生动和个性。那么怎么来拍好糖水片呢？谈谈自己的拍摄心得。 制定一个明确的主题 糖水片不同于我们平时随手拍都是有备而去的。各种准备工作到位才能拍出甜美的照片。可以在拍摄之前制定一个明确的摄影主题。主题就是你要拍什么风格人像，糖水片多半倾向小清新风的，清新的色调大家都比较喜欢，而且小清新的风格也显年轻。 准备服装和拍摄道具 拍摄糖水片，大家都喜欢穿着自己喜欢的服装出镜。那么在选择服装的时候要注意适合主题，也要适合自己的气质。同时兼顾环境的色彩，选择最佳搭配的服装出镜。 要拍出好看的糖水片，我觉得服装和化妆还是有必要的。拍个古装片还要特定的布置和造型。因为糖水片毕竟表现的是美美的形象，所以化个淡妆，选择好看的服装出镜还是有必要的。 至于道具需不需要用看实际拍摄的场地和主题的需要，镜头感很强的模特，依靠自己的神态和动作就可以完美的演绎。面对镜头有点拘谨的模特，建议加入一点小道具，可以让摆姿更加自然，拍摄的时候也会放松下来。 服装上推荐清爽有仙气的裙装，飘逸的服装拍起来更有动感，衣袂飘飘让人物更显仙气。 人物脸部曝光很重要 糖水片的人物形象都是光彩照人的，整个图片色调都是清新自然的。所以拍摄的时候一定要注意脸部曝光的准确性。白皙又通透的皮肤质感才可以表现出小清新。 如果拍摄的环境比较暗，可以加一点Ev，或者用反光板补光。 人物和环境的完美融合 糖水片除了人物也好看，拍摄的环境和背景也要好看。特别是风景中的糖水片，完美的融合在大自然的风景中，给人赏心悦目的感觉。比如花田中拍糖水片，人与花共美。还有一类糖水片，因为拍摄的背景不理想，那就可以直接用大光圈虚化掉突出人物就行。 人物气质的完美表现 糖水片也要表现人物形象刻画人物气质的。这里主要关系到模特的表现和摄影师的拍摄能力。只有两者完美的结合，才能把人物形象刻画得生动。 摄影是个由浅及深的过程，刚开始拍摄人像时候，拿糖水片练手是个不错的主意。等到有一定的经验和心得后，你就会想拍出自己的风格和自己想要的画面，自然就会从形式到内容，注重内容的表现力。 摄影模特 摄影里面的人像摄影模特，也是非常辛苦。镜头前面的模特，大多数都是光鲜亮丽的。而镜头下面的模特，实际上很是辛苦，背后付出了多少的努力还有汗水。但是这并不可以阻挡很多人想要去当模特的想法。 摄影模特

Rebekka Guðleif，冰岛视觉艺术家和摄影师，她的摄影题材很广泛，从美丽的冰岛风光到动物到人像。Rebekka自2005年来一直为华尔街日报、纽约时报、花花公子、BBC等众多著名机构进行拍摄工作。虽然涉足各种商业拍摄任务，但Rebekka仍然对艺术摄影情有独钟。目前她和她的两个儿子一起生活在冰岛Hafnarfjörður。 她最著名的摄影作品是她的自拍作品。在这篇文章里，Rebekka为我们讲述了她开始拍摄克隆自拍作品的契机和故事，摄影师本人还将亲自为你介绍如何用简单的两步克隆自我！ 　如何想到克隆自我 有些日子里我真想复制出另一个自己。 我想克隆出一个自己，像上图里的Rebekka（左边那个倒啤酒，而不是右边那个心不在焉的）那样的姑娘，我可以把家务活都安排给她，当然还有收发邮件等一切有关养家糊口的繁琐事情。这样，真正的我就能把精力集中在拍摄艺术作品上，也就有时间整理以前的作品，出版计划好久的摄影集了。我还要喝啤酒、到处旅行、花更多的时间和我的孩子待在一起。这一切，想想就很美好呀。 但是对现实中的我来说，这一切都只是泡影。所以我只能在我擅长的视觉领域实现这个美好的梦想。这就是为什么我花了2年的时间，拍摄了这套克隆自拍作品。下面这张照片就是一个典型案例。 慢慢地我开始发现，克隆人像拍摄成为了一个流行趋势，在Flickr里经常能看到各种各样的模仿作品，甚至还有沙特阿拉伯版本的，我觉得这是一件特别好玩的事儿。到最后，甚至连冰岛的丰田公司都邀请我用这个创意为他们的新款汽车拍摄广告。到现在我仍然觉得这是一个非常大胆而且冒险的举动，那时我才刚刚从学校毕业，商业广告摄影的经验几乎为零。我告诉自己只要像平常一样拍摄就好。于是2006年，我花了一个夏天的时间来拍摄克隆自拍作品。 克隆自我完全教程 　　经常有人会问我是怎么做到的，说实话，如今克隆人像拍摄已经大范围普及了，很多人都会自己拍摄合成。实际上早在19世纪就有人尝试这种方法了，当时他在暗室里用负片手工合成的。所以每当有人询问我是怎么做时，我都非常惊讶。但鉴于如此多的人发问，我就在此提供大家一个教程。 　步骤一：准备工作 您需要的： ·任何可以手动控制的相机 ·三脚架 ·一个快门遥控器 ·一个拍摄主题 一旦你决定了拍摄场景，就可以架设三脚架取好景，然后设置好相机的ISO感光度、快门速度、光圈等等。以上的设置在拍摄过程中都不要擅自改变。 如果是在室内拍摄，由于照明和用光处于可控制状态，拍摄环境比较稳定，拍摄会变得更容易。但如果在户外的话，拍摄环境不好控制，你必须把握好时间，有时候随风飘过的一朵云就会毁了一切。 使用快门遥控器是为了防止相机的位移，否则你恩了两下快门以后，相机的位置可能就变了，你你也就没法拍到两个相同的完整背景。这是一个关键的因素，以确保你拍摄的每一张素材都可以用于照片的合成。 如果你和我一样在进行克隆自拍的话，我推荐你采用计时器，让自己有充裕的时间调整自己在画面中的位置。换衣服和头发都是不错的选择，在下面这张照片里，我就尝试了不同的发色，虽然这看上去有点疯狂。 好吧，我承认，我并不是为了这次拍摄染的头发。这两张照片并不是一天拍摄的。 步骤二：合成照片 　　这一步可能很简单，也可能很复杂。这取决于照片中两个人物是否有肢体上的互动和接触。我从来没尝试过太复杂的动作，因为我觉得我的后期水平并不高。 首先，让我们来看看如何合成一张人物间无肢体接触的照片。 如果你你选择拍摄RAW格式的照片（我强烈推荐），请确定合成素材照片在Lightroom和Photoshop中打开时，照片中的背景是相同的。因为有时，CR2格式的文件在错误打开时，会出现色彩、曲线或者白平衡失真的情况。 在PhotoShop里打开你想合成的两张照片以后，只需将其中一张简单的复制（Ctrl+C）并粘贴（Ctrl+V）到另外一张上去，再简单地用橡皮工具擦除上层图片中的部分像素，以露出你想露出的下层图片部分。如果这两张图片中的人物没有任何重叠的话，就是这么简单。 处理好以上步骤，确定照片中的人物部分都露出以后，再简单地拼合图层（Ctrl+E）。接下来，你就可以像处理一张图片那样任意进行后期创作了，直到达到了你满意的结果为止。 这张照片拍摄于2006年5月，在阳光直射的环境下拍摄，采用了ND400滤镜，曝光时间1/20。这条河现在已经不存在了，一年前回到这时我发现小河已经完全干涸了，让人很沮丧。 在这《持刀的精神病人》作品中，我合成了3张照片，分别是镜子里的倒影、持刀的病人以及在照镜子的人。虽然看上去有点复杂，但是采用的也是相同的步骤。 而在这张为丰田拍摄的照片中，我则在一座桥上做一些很傻的武打动作。这张照片在合成时会有一些问题，就是右边人物的影子和左侧人物的小腿相重合了，其实这也很容易解决，只需要在Photoshop里用套索工具选中小腿部分，然后将其复制到第三层并前置。接下来的步骤就跟前面说的一样了。 　　还有一些要说的 如果想合成更有意思的作品，你需要更有创意。有一次，我试图和自己一起跳绳，结果合成完了我发现第二个人物没有抓住绳子的另一端。结果，照片看起来非常怪异，不过我希望我的坏例子能够给你一些灵感上的启发。 如果你非得要创作一张自己和自己在进行法式热吻的照片，那我就帮不到你了。我最多也就能制作一张像上面这样自己和自己亲热的照片。

I generally do wildlife photography; it’s my main passion for sure. However, the landscape side of things has always had a spot in my heart, it just takes second place to wildlife photos and I don’t quite dedicate the same amount of time to it. I have been doing more ultra-wide panoramic photos lately. By […]

刚学摄影的你，最常用的摄影模式应该是都是自动模式（Auto）吧！但转盘上的其他模式到底是什么呢？我们今天向大家说一下，到底相机的各种拍摄模式有什么用途，以及背后的运作原理。 机顶转盘 大部份高阶的dc/单反，机顶都有一个圆型转盘，上面写着P、A（Av）、S（Tv）、M等多种模式。如果你相机没有的话，也可以从选单中进行调较，我们就先来说说这四种模式是什么。 程式模式 (P) 快门自动 光圈自动 ISO手动 P模式（Program AE），即相机用程式自动测光。相机测光后会自动产生一组光圈和快门组合，从而推算正确曝光值。 程式模式和自动模式有点相似，但却可以让你控制一些在Auto时无法控制的设定，例如是闪光灯、白平衡、ISO 值、对焦点、测光模式、EV曝光值等的模式。 光圈先决 (A or AV) 快门自动 光圈手动 ISO手动 光圈先决（Aperture Priority）是半自动模式，亦是Auto外最常被使用的模式。光圈先决就是在你选好光圈后，相机帮你决定快门速度。 光圈先决在你需要控制景深时非常有用（通常是固定的物件，你不需要控制快门速度），例如是在大白天拍摄人像，无论如何你都一定要拍到人像的背景朦胧，这时候就可以使用光圈先决将光圈开到最大再拍摄了。 快门先决 (S or TV) 快门手动 光圈自动 ISO手动 快门先决（Shutter Priority）模式和光圈先决非常相似，但这模式下，可供你选择的是快门而非光圈。相机在你选择快门后，会为你选择正确的光圈以及其他设定，令曝光正确。 快门速度决定相片的成象是动是静，是清或濛。如果以上因素在你拍摄时要优先考虑，使用快门先决就没错了。如当你拍摄高速移动的物品时（例如是运动员），你可能想选用一个高速快门将其动作凝固。而当你想拍摄例如是瀑布、流水等时，你可能会用一个慢快门，这时候你先设定好想要的快门速度，光圈交由相机决定就好了。 手动模式 (M) 快门手动 光圈手动 ISO手动 手动模式（Manual Exposure Mode），也就是全手动模式。此模式下你可以完全控制你的相机，快门、光圈、白平衡、闪光灯等都是自行设定。 当拍摄环境涉及复杂的测光计算时，人们常会使用M mode进行拍摄。而你要学摄影的话，今天开始使用M Mode吧！透过慢慢的尝试，可以让你更进一步了解不同设定组合拍摄出来的相片效果。 情境模式 这些模式按照了不同的情境状况，预设一些配合相关场景的参数供大家使用。例如拍人像时要用大光圈、夜间人像就要高 ISO 等等。来到第7篇，大家都应该已经对快门光圈等概念有一定掌握，我们就换个角度，说说这些模式背后的运作原理吧。 运动模式 一些相机会称之为「动作模式」，这模式供你在拍摄移动对象时使用。例如是运动选手、宠物、汽车、野生动物、小朋友时十分有用，运动模式主要是利用高速的快门来凝固拍摄对象的动作。拍摄时，相机会自动调高快门速度、调高ISO，让你在晴天或阴天下都可拍摄出清晰的运动员相片。 Photo by Oscar Rethwill 微距模式 单镜反光机的「微距模式」主要是收细光圈，让你有足够景深，拍摄出清晰、而且突出细节的作品，但对最短焦距离并无分别，如果需要真正的微距摄影，须换上指定镜头。而小 DC […]

不论你进入摄影世界有多久，都必然会遇上问题，我们无法更进一步，就可能来自一些普遍的错误，又或是没有意识到问题所在。马来西亚摄影师Ming Thein的摄影工作涉及商品、野生、纪实、旅游、演唱会及食物等，他分享了自己有关各阶段的问题，并提出解决方向。有一些或者你都听过又或持不同看法，但有不少我看了也觉得获益良多，希望与大家一起分享。 一、关于摄影新手 1. 主题不清晰 如果你的照片不是一眼就看得明白、清楚主题，就要问自己其实在拍什么。如果你的答案是“想拍XXX”，而XXX在照片里并不突出，那么你就要再尝试拍摄，并且用各种方法，例如对比、色彩、光线、动态、焦点等等，来突出XXX。 有些情况，你想拍摄的并不是实物，在照片里是看不到的，甚至正是它的不存在，那是非常困难而且极度依赖照片的背景信息与脉落，确是较少见的。 2. 透视运用不当 选择透视应先于角度。广角是用来突出及夸张前景主体，长焦远摄则是减低主体从背景中突出。只以广角来拍摄多点东西及用长焦来少走两步，会让照片变得沉闷。 3. 器材错误 这个涉及整体技术上的错误：曝光、对焦、相机摇晃、白平衡等，这些问题通常来自于对相机过度依赖，即是事事依赖自动程序。一部相机永不可能完全掌握摄影师想要的影像，拍摄者必须自行控制一系列设定，才能够得到正确的照片，并且改善拍摄过程，而非花时间在后期工夫，也可提高影像质素。 二、关于业余摄影师 1. 过份担心器材 这个问题的病征，就是执着于尽用所有的工具来拍摄每一张照片，又或是相信一件新的器材能改善你的作品──但作品的不足却可能源于技术不足。购买太多器材有何问题？你在拍摄时会犹豫不决，你也没时间掌握手上的器材。所以购买前先要了解现时的极限，并且确认新的东西将会解决你的问题，否则只是浪费。当然，收藏家例外。 2. 忽略照片边缘 现在100% VF已经越来越普遍，也没什么借口拍出主体意外被裁、树枝突入干扰之类的情况，拍摄时兼顾边缘也是重要的。 3. 色彩问题 有时候奇怪的白平衡或明显错误的颜色，可以为平乏的照片增加趣味，但很多时候却只是破坏了和谐感，尤其是关于肤色与食物。如果你不清楚正确的白平衡，可以后期处理RAW文件，或用灰卡进行手动调整。但不要让相机自动调整，尤其是拍摄JPEG的话，会大大限制了照片的信息量与可调整性。 4. 关于黑白对比 不少人的黑白照片对比过强或是过弱。前者会导致丧失细节、色调范围不足，导致难以分辨主体与背景；后者则令人感到沉闷，就像明明厨师手上有很多美味的配味料，他却只用上一种。 5. 忽略自然边框与引导线 这些简单有用的小助手无处不在，例如走廊延伸出去的引导线就是好例子，可以吸引目光注视主体；同样它们也可能引离人们的视线，所以在构图时要加倍留意这些细节。 6. 居中构图 很少好看的作品是把主体放在正中间，而有动感的作品，通常在主体前后都保留一些空间，并制造出好像预测前进或动作过后的感觉。现在相机都多于一个对焦点，所以你能够弹性地放置主体。 7. 画面欠平衡 虽说把主体放置正中间，通常是种沉闷的构图，但把主体放到左下角，然后其他位置全部都空荡荡，也是不理想的。所谓视觉平衡并不容易解释，但我们可以直接透过视觉去感受。 8. 错误运用景深 有些人非常沉迷于浅景深，一张接一张只是铁丝网或是红砖墙的作品，没有什么内容，照片只是在展示强烈的散景。这种照片就像在说：“我依赖器材来制造风格，因为我欠缺想像力。”浅景深没有罪，它可以突出主体，但一张好的照片，往往能够使用第二元素──背景，来补充照片的内容和信息，而一堵模糊的墙壁，并无任何信息。所以，我们应该思考，如何平衡景深、突出主体及背景信息的份量。 9. 不当时机与欠缺准备 可能你的技术已经足够，但总是错过精彩的镜头，而唯一解决方法就是不断练习。你需要学习去预计主体的变化，这个需要观察与经验；同时，你也要对自己作业延时有种直观的认识，即是你知道由你想拍摄到按得到快门之间，其实会用上多少时间，然后习惯于这个节奏和速度，以准确拍摄。 三、关于专业摄影师 1. 创意停滞 当你成为职业，意味着你已经找到一些好的拍摄方程式，甚至可以用来赚钱，然后你就会依赖它、重复它。有什么危险？这个世界有太多人喜欢抄袭人家的创意，见一个意念好，就一窝蜂的跟着做。要在这个世界突围而出，自己就需要不断创新。 同时当职业摄影师会有一个危机，就是大多数客人只喜欢叫你做他们的要求，那些会因为仰慕你的才华，而希望你自由发挥的客人非常罕见，久而久之，摄影师就会变成相机执行人，多于创作人。 2. 外包太多后期工作 有些专业摄影师，会有一团的助手替他进行后期工作，例如加入创意元素，或进行风格修饰。一来这么做的话，可能总是无法准确做到你的要求，而最大问题时，长此下去你会跟科技脱节，如果那些助手要走了，你怎么办？ 3. 没有尝试新主题 这是个经典辩论：到底摄影师应该集中一个主题成专才，还是应该拍摄所有东西变通才？最理想情况就是你有一个可达商业水平的题材，然后你有足够基础拍摄其他主题。理由有二：第一，你有机会赚更多的钱，因为你可以给客人额外东西；第二，不同主题需要不同技术，而这些技术有机会跨题材来到提升你的事业。 4. 太多工作 […]